Kultura zachodnioeuropejska XIX wieku. Kultura zachodnioeuropejska XIX wieku Kultura zachodnioeuropejska XIX wieku

1. Kultura europejska XIX wieku. // Kulturologia. Historia kultury światowej. – M., 1995. – s. 146 – 166.

2. Shuneyka Ya.

Franciska Goya // słowa rodzime. – 2000. - nr 4. – s. 58 – 64. (począwszy od nr 3).

RZEŹBA ZACHODNIE EUROPEJSKA.

1. Androsow S.

Nieznane dzieła Gian Lorenzo Berniniego: [wł. rzeźbiarz XVII w.] //Szt. – 1989. - nr 12. – s. 68 – 71.

2. Turchin V. S.

Auguste Rodin: W 150. rocznicę jego urodzin // Specjalność dla szkół średnich. Edukacja. – 1990. - nr 10. – s. 36 – 38.

KLASYCYZM.

1. Tuchkov I.

Klasycyzm imperialny: [Styl empirowy, początek XIX w.] // Ojczyzna. – 2002. - nr 8. – s. 13 – 16.

2. Brodskaya N.V.

Sztuka francuska XIX wieku: klasycyzm, romantyzm // PISH. – 2001. - nr 5. – s. 2 – 12.

3. Ostatni klasycyzm francuski. Czwartek XVIII – pierwszy ćwierć XIX wieku (Hiszpania, Anglia, Niemcy) // Ilyina T. V. Historia sztuki. Sztuka zachodnioeuropejska: podręcznik. – M.: Wyżej. szkoła, 2000. – s. 243 – 267.

4. Klasycyzm // Czernokozow A.I. Historia kultury światowej: krótki kurs. – Rostów nad Donem: Phoenix, 1997. – s. 138 – 144.

5. Klasycyzm - logika piękna // Martynov V. F. Światowa kultura artystyczna. – Mn.: Tetrsystems, 1997. – s. 182 – 185.

6. Estetyka klasycyzmu // Kondrashov V. A., Chichina E. A. Etyka. – Rostów nad Donem: Phoenix, 1998. – s. 438 – 448.

ROMANTYZM.

1. Romantyzm // Czernokozow A.I. Historia kultury światowej: krótki kurs. – Rostów nad Donem: Phoenix, 1997. – s. 144 – 148.

2. Estetyka romantyzmu // Kondrashov V. A., Chichina E. A. Etyka. Estetyka. – Rostów nad Donem: Phoenix, 1998. – s. 454 – 469.

3. Romantyzm: kultura artystyczna Francji początku XIX wieku // Sztuka w szkole. – 1998. - nr 6. – s. 26 – 30.

ABSTRAKCJONIZM.

Abstrakcjonizm // Czernokozow A.I. Historia kultury światowej: krótki kurs. Rostów nad Donem: Phoenix, 1997. – s. 171 – 174.

2. Kachanovsky V.V.

Ekspresjonizm, kubizm i abstrakcjonizm // Kachanovsky V.V. Historia kultury Europy Zachodniej. – Mn., 1998. – s. 149 – 152.

AWANGARDA

1. Zingerman B.I.

Wizerunek człowieka w twórczości Modiglianiego: [wł. artysta., 1884 - 1920] // Teatr. – 1988. – nr 9. – s. 148 – 161.

2.Mamontova O.

Amedio Modigliani //Sztuka. – 1985. – nr 2. – s. 64 – 69.

3. Trosnikov M.V.

Parametry przestrzenno-czasowe w sztuce wczesnej awangardy (Kuzmin, Charms, Zabolotsky, Wwiedenski, Messiaen) // Zagadnienia filozoficzne. – 1997. – nr 9. – s. 66 – 81.

4. Ponter H.

Awangarda artystyczna i socrealizm // Zagadnienia literatury. – 1992. – nr 3. – s. 161 – 175.

5. Belaya G.

Awangarda jako walka z Bogiem: o sztuce XIX wieku // Zagadnienia literatury. – 1992. – nr 3. – s. 115 – 124.

6. Ezawłow I.

Genealogia awangardy: o wczesnej awangardzie Rosji. XX wiek // Zagadnienia literatury. – 1992. – nr 3. – s. 176 – 191.

7. Sosnowski N.

Mit Lyubertsy’ego „Harlem”, czyli Nasz ostatni międzynarodowy obowiązek: [O miejscu awangardy w sztuce] // Wiedza to potęga. – 1992. – nr 4. – s. 89 – 97.

8. Abramow A. I.

Dekadencja w wymiarze społeczno-kulturowym: [W stronę charakterystyki poszukiwań filozoficznych i estetycznych rosyjskich symbolistów] // Nauki społeczne a nowoczesność. – 1997. - nr 1. – s. 146 – 152.

9. Pluralizm i monizm w historii kultury rosyjskiej XIX – XX wieku. // Kondakov I.V. Wprowadzenie do historii kultury rosyjskiej. – M.: Aspect Press, 1997. – s. 497 – 538.

10. Kołdobskaja M.

Pavel Filonov: Strategiczny sekret rosyjskiej awangardy // NV. – 2001. - nr 46. – s. 38 – 40.

11.Rastorguev E.

Pędzel solarny Matisse'a // Młody artysta. – 1994. - nr 2. – s. 13 – 15.

IMPRESJONIZM. POSTIMPRESJONIZM.

1. Impresjoniści. Postimpresjoniści // Ilyina T. V. Historia sztuki. Sztuka zachodnioeuropejska: podręcznik. – M.: Wyżej. szkoła, 2000. – s. 291 – 312.

2. Impresjonizm // Czernokozow A.I. Historia kultury światowej: krótki kurs. – Rostów nad Donem: Phoenix, 1997. – s. 151 – 154.

3. Impresjonistyczne rozumienie piękna // Martynov V.F. Światowa kultura artystyczna. – Mn.: Tetrasystems, 1997. – s. 201 – 206.

4. Kuznetsova E. A.

Estetyka impresjonizmu // Vestnik Mosk. nie-ta. Ser. 7. Filozofia. – 2000. - nr 2. – s. 83 – 90.

5. Brodskaya N.V.

Postimpresjonizm: J. Seurat, V. Van Gogh, A. de Toulouse - Lautrette: [koniec XIX - początek XX wieku] // Naucz. jest. W szkole. – 1999. - nr 6. – s. 13 – 20.

6. Brodskaya V.N.

Postimpresjonizm // Nauczyciel. jest. W szkole. – 2001. - nr 2. – s. 6 – 14.

7. Lenyashina N.

„Kontempluj i pojmuj życie”: [O ks. artysta XIX wiek E. Degas] // Artysta. – 1984. – nr 7. – s. 43 – 50.

MODERNIZM.

1. Modernizm: Analiza i krytyka głównych nurtów. sob. Sztuka. / wyd. V.V. Vanslov i Yu.D. Kolpinsky. – M.: Sztuka, 1969. – 243 s.

2. Estetyka modernizmu // Martynov V.F. Światowa kultura artystyczna. – Mn.: Tetrasystems, 1997. – s. 247 – 260.

3. Trofimova E. I. Wspomnienia stylistyczne w rosyjskim postmodernizmie lat 90. // Nauki społeczne i nowoczesność. – 1999. – nr 4. – s. 169 – 177.

4. Serebrovsky V. Co to jest „nowoczesność”?: [Z historii stylu] // Nauka i życie. – 1992. – nr 2. – s. 74 – 81.

5. Losy „stylu nowoczesnego” w sztuce XX wieku; „Styl nowoczesny” w architekturze XX wieku // Mała historia sztuki: sztuka XX wieku. 1901. – 1945 / wyd. V. M. Polevoy. – M., 1991. – s. 35 – 55.

POSTmodernistyczne.

1. Postmodernizm // Kulturologia. – Rostów nad Donem: Phoenix, 1995. – s. 317 – 343.

2. Kozłowski P.

Kultura postmodernistyczna. – M.: Republika, 1997.

3. Tuganova O. E.

Postmodernizm w amerykańskiej kulturze artystycznej i jego filozoficzne korzenie // Zagadnienia filozofii. – 1982. – nr 4. – s. 122 – 128.

4. Butenko I. A.

5. Kuritsyn W.

Czas mnożyć przedrostki: W stronę koncepcji postmodernizmu // Zvyazda. – 1997. – nr 7. – s. 178 – 183.

6. Anastasiew N.

„Słowa odbijają długie echo”: (Polityka wobec sztuki postmodernizmu) // Zagadnienia literatury. – 1996 r. – nr 7-8. s. 3 – 30.

REALIZM.

1. Realizm połowy XIX wieku // Ilyina T. V. Historia sztuki. Sztuka zachodnioeuropejska: podręcznik. – M.: Wyżej. szkoła, 2000. – s. 278 – 291.

2. Realizm // Czernokozow A.I. Historia kultury światowej: krótki kurs. – Rostów nad Donem: Phoenix, 1997. – s. 148 – 151.

3. Malinowski E.

Realizm krytyczny w malarstwie polskim // Kultura narodów Europy Środkowej i Południowo-Wschodniej w XVIII – XIX wieku. – M., 1990. – s. 161 – 169.

SURREALIZM.

1. Surrealizm // Mała historia sztuki: sztuka XX wieku. 1901 – 1945 / wyd. V.M. Polewoj. – M., 1991. – s. 192 – 197.

2. Mirskaja L., Pigulewski W.

Surrealizm i światopogląd romantyczny w sztuce zachodniej XX wieku. // Sztuka. – 1986. - nr 7. – s. 42 – 45.

3. Kachanovsky V.V.

Surrealizm // Kachanovsky V.V. Historia kultury Europy Zachodniej. – Mn., 1998. – s. 152 – 157.

4. Bachelis T.

Słowo o Salvodorze Dali: hiszpański. artysta, 1904 – 1989 // Sztuka kina. – 1989. – nr 6. – s. 73 – 77.

5. Moskowski M.

Geniusz o wielu twarzach: Salvador Dali (esej i bibliografia) // Bibliografia. – 1998. – nr 1. – s. 112 – 117.

KULTURA ZACHODNIE EUROPEJSKA XX WIEKU.

1. Polevoy V. M.

XX wiek. – M.: Artysta Radziecki, 1989. – 456 s.

2. Kształtowanie się kultury artystycznej XX wieku // Światowa kultura artystyczna: Uch. dodatek – M., 2001. – s. 371 – 410.

3. Pivoev V. M.

Kultura europejska pierwszej połowy XX wieku // prof. jest. w szkole – 2000. - nr 10. – s. 8 – 15.

4. Pivoev V. M.

Kultura światowa drugiej połowy XX wieku // prof. jest. w szkole – 2001. - nr 2. – s. 15 – 23.

5. Torshina L.E.

Sztuka XX wieku: Ruchy i mistrzowie: Krótki słownik ze wstępem i tłem historycznym // Nauczyciel. jest. w szkole – 2000. – nr 4. – s. 9 – 23.

6. Zachodnioeuropejska kultura artystyczna drugiej połowy XX wieku // Światowa kultura artystyczna: Uch. dodatek / wyd. B. A. Ehrengross. – M., 2001. – s. 489 – 511.

7. Współczesna kultura zachodnia // Czernokozow A.I. Historia kultury światowej: krótki kurs. – Rostów nad Donem: Phoenix, 1997. – s. 157 – 162.

8. Dziedzictwo Europy w kulturze światowej: (Artykuły) // Aktualne problemy Europy. – 2000. - nr 2. – s. 15 – 80.

9. Wasilczuk Yu.A.

Era rewolucji naukowo-technicznej: „cud gospodarczy” jako ucieleśnienie kultury światowej //Polis. – 1996. – nr 6. – s. 5 – 29.

10. Trubnikov N. N.

Za kwadrans dwunasta: W kwestii przezwyciężenia duchowości. kryzys kultury europejskiej // Zagadnienia filozofii. – 1993. – nr 1. – s. 48 – 50.

Wielka gra: (O współczesnej kulturze włoskiej) // Zagadnienia literatury. – 1987. – nr 1. – s. 100 – 127.

12. Bierdiajew N.A.

Picasso // Nauki filozoficzne. – 1990. - nr 7. – s. 72 – 76.

KULTURA AMERYKI ŁACIŃSKIEJ.

1. Vetrova T. N.

Panorama kina światowego i „Horyzonty Łacińskie” // Ameryka Łacińska. – 2007. - № 1. – s. 91 – 101.

2.Kultura Ameryki Łacińskiej // Światowa kultura artystyczna: Studium. dodatek / wyd. B. A. Ehrengross. – M., 2001. – s. 641 – 670.

3. Dyurgerov M.

Paryż Ameryki Łacińskiej: (Buenos Aires): Przez miasta Ameryki Łacińskiej // Ameryka Łacińska. – 1990. - nr 11. – s. 103 – 105.

4. Dabaghyan E. S.

Wenezuela: Chavez zostaje? // Ameryka Łacińska. – 2002. - nr 7. – s. 4 – 20.

5. Vetrova T. N.

Okno na kino meksykańskie // Ameryka Łacińska. – 2002. – nr 6. – s. 103 – 107.

6. Milutin E. V.

„Sovexportfilm” w Nikaragui // Ameryka Łacińska. – 2002. – nr 7. – s. 89 – 94.

7. Vetrova T. N.

Kino argentyńskie w Instytucie Cervantesa // Ameryka Łacińska. – 2002. - nr 7. – s. 87 – 89.

8. Girin Yu. N.

Surrealizm w kulturze Ameryki Łacińskiej // Ameryka Łacińska. – 2002. – nr 7. – s. 95 – 102.

9. Espinel Suarez A.

Temat miłości i śmierci w mitologii Indian kolumbijskich // Ameryka Łacińska. – 2002. – nr 7. – s. 111 – 120.

10. Kultura dominikańska: początki i współczesność // Ameryka Łacińska. – 1983. – nr 8. – s. 75 – 87.

11. Kantor A. M.

O tradycjach i wspólnocie sztuki latynoamerykańskiej // Ameryka Łacińska. – 1981. - nr 10. – s. 88 – 104.

12. Zachowaj światowe dziedzictwo kulturowe: (kultura i sztuka Ameryki Łacińskiej) // Ameryka Łacińska. – 1981. – nr 5. – s. 102 – 110.

13. O tożsamości historycznej i kulturowej Ameryki Łacińskiej // Ameryka Łacińska. – 1981. - nr 2. – s. 71 – 119.

14. Khait V.L.

Stary i Nowy Świat: interakcja kultur: (Rozwój kultury w Ameryce Łacińskiej) // Ameryka Łacińska. – 1993. – nr 6. – s. 56 – 63.

15. Shemyakin Ya.G.

Interakcja międzycywilizacyjna jest siłą napędową i hamulcem procesu powstawania kultury: (kultura Ameryki Łacińskiej) // Ameryka Łacińska. – 1993. – nr 4. – s. 85 – 88.

16. Girin Yu. N.

O problemach interpretacji kultury Ameryki Łacińskiej // Ameryka Łacińska. – 1996. - nr 10. – s. 107 – 111.

17. Aladyn V. G.

Kontynent latynoamerykański w kontekście kultury światowej // Ameryka Łacińska. – 1996. – nr 9. s. 122 – 125.

18. Doświadczenie stosunków międzyetnicznych: (Współdziałanie kultur Ameryki Łacińskiej) // Ameryka Łacińska. – 1997. - nr 2. – s. 70 – 81.

19. Zemskov V. B.

Domingo Faustino Sarmiento: Rytualizm kulturowo-twórczy na tle tradycji: (Jeden z twórców kultury latynoamerykańskiej) // Ameryka Łacińska. - nr 3. – s. 96 – 101, 109.

20. Ermolyeva E. G.

Szkolenie kadr w warunkach reform rynkowych // Ameryka Łacińska. – 1997. – nr 3. – s. 77 – 87.

21. Święto jako fenomen kultury iberoamerykańskiej (Historia świąt masowych) // Ameryka Łacińska. – 1997. - nr 11. – s. 57 – 75.

22. Tananaeva L. I.

O początkach święta Ameryki Łacińskiej // Ameryka Łacińska. – 1998. - nr 1. – s. 4 – 19.

23. Shemyakin Ya.G.

Uniwersalizm i lokalizm w kulturze Ameryki Łacińskiej // Ameryka Łacińska. – 1998. – nr 5. – s. 93 – 104.

24. Shemyakin Ya.G.

Koncepcje typu cywilizacyjnego Ameryki Łacińskiej: Problematyka kulturoznawstwa // Ameryka Łacińska. – 1998. - nr 11. – s. 76 – 82.

24. Shemyakin Ya.G.

O problemie syntezy kulturowej w Ameryce Łacińskiej // Ameryka Łacińska. – 1991. – nr 1. – s. 45 – 47.

25. Shemyakin Ya.G.

Kultura Ameryki Łacińskiej i synkretyzm religijny // Ameryka Łacińska. – 1999 r. – nr 2-3. – s. 95 – 97.

26. Zemskov V. B.

Synteza kulturowa w Ameryce Łacińskiej: utopia kulturowa czy mechanizm kulturotwórczy? // Ameryka Łacińska. – 1999. - nr 4. – s. 94 – 101.

27. Sizonenko A. I.

Rosyjscy naukowcy i Ameryka Łacińska: (Kształtowanie się stosunków naukowych w XIX – pierwszej połowie XX wieku) // Ameryka Łacińska. – 1999 r. – nr 5-6. – str. 172 – 177.

28. Yushkova O. A.

Figurowana ceramika starożytnych kultur peruwiańskich // Ameryka Łacińska. – 1986. – nr 8. – s. 99 – 104.

29. Tananaeva L. I.

Starożytna sztuka peruwiańska (okres przedinkaski) // Ameryka Łacińska. – 2000. - nr 1. – s. 87 – 105.

30. Wyroby ceramiczne starożytnych Majów // Ameryka Łacińska. – 1986. - nr 11. – 1 s. (region); S. 4.

31. La Garza de M.

O religijnym znaczeniu sztuki plastycznej Majów // Biuletyn historii starożytnej. – 1991. – nr 2. – s. 117 – 129.

32. Knorozow Yu.V., Ershova G.G.

Kapłani - astronomowie Majów // Ameryka Łacińska. - nr 1983. - nr 6. – s. 127 – 137.

33. Ershova G. G.

Teksty starożytnych Majów // Ameryka Łacińska. – 1982. – nr 9. – s. 108-133.

34. Jakie miejsce w społeczeństwie Azteków zajmowała muzyka? // Ameryka Łacińska. – 1989. - nr 3. – s. 3. (województwo).

35. Baglay V.E.

Człowiek i jego losy w ideach starożytnych Azteków // Ameryka Łacińska. – 1995. – nr 12. – s. 82 – 91.

36. Vetrova T. N.

Kino argentyńskie: obudź się, kochanie! // Ameryka Łacińska. – 1997. – nr 4. – s. 100 – 109.

37. Sanjines J.

„Kino musi służyć ludziom” (Kino Boliwii) // Ameryka Łacińska. – 1980. – nr 4. – s. 116 – 126.

38. Vetrova T. N.

Ciąg dalszy biografii: (Tydzień kina brazylijskiego) // Ameryka Łacińska. – 1981. - nr 7. – s. 78 – 84.

39. Vetrova T. N., Sukhostat T. N.

Patriarcha kina brazylijskiego (Nelson Pereira Dos Santos) // Ameryka Łacińska. – 1985. – nr 7. – s. 112 – 124.

40. Nowe spojrzenie na kino brazylijskie // Ameryka Łacińska. – 1988. – nr 7. – s. 75 – 82.

41. Vetrova T. N.

Filmy brazylijskiego reżysera w Moskwie (N. P. Dos Santos) // Ameryka Łacińska. – 1997. – nr 7. – s. 82 – 88.

42. Walero A.

O historii kina rosyjskiego // Ameryka Łacińska. – 1980. - nr 12. – s. 134 – 140.

43. Vetrova T. N.

Wzajemne przyciąganie (Garcia Márquez i kino) // Ameryka Łacińska. – 1987. – nr 3. – s. 95 – 108.

44. „...Kubańskie kino fabularne na twórczym rozdrożu” // Ameryka Łacińska. – 1989. – nr 5. – s. 106 – 110.

45. Shatunovskaya I.K.

Kino narodowe: pierwsze kroki: (Nikaragua) // Ameryka Łacińska. – 1980. - nr 7. – s. 67 – 69.

46. ​​​​Vetrova T. N.

Kino chilijskie - po długim milczeniu // Ameryka Łacińska. – 1996. - nr 11. – s. 52 – 60.

47. Silyunas V. Yu.

Groteska i bohaterstwo: filmy latynoamerykańskie na Moskiewskim Festiwalu Filmowym // Ameryka Łacińska. – 1980. - nr 1. – s. 129 – 138.

48. Bykova I. S.

Pierwsza Ameryka Łacińska... [festiwal filmowy] // Ameryka Łacińska. – 1980. - nr 5. – s. 85 – 91.

49. Shatunovskaya I.K.

Kino latynoamerykańskie dzisiaj // Ameryka Łacińska. – 1980. – nr 9. – s. 129 – 137.

50. Shatunovskaya I.K.

Kino latynoamerykańskie: ludzie i losy // Ameryka Łacińska. – 1987. - nr 12. – s. 62 – 74.

51. Shatunovskaya I.K.

Kamera filmowa pisze historię: [kino dokumentalne Ameryki Łacińskiej] // Ameryka Łacińska. – 1981. - nr 11. – s. 118 – 122.

52. Shatunovskaya I.K.

Taszkient – ​​82: Kino narodowe walczy i odzwierciedla // Amerykę Łacińską. – 1982. - nr 11. – s. 109 – 122.

53. Shatunovskaya I.K.

Na XIV Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Moskwie: [Kino Latynoamerykańskie] // Ameryka Łacińska. – 1985. - nr 11. – s. 106 – 117.

54. Konstantinova N. S.

Kraj karnawału [Brazylia] // Ameryka Łacińska. – 1987. – nr 4. – s. 132 – 145.

55. Konstantinova N. S.

Kraj karnawału: [Historia i treść procesji karnawałowych w Brazylii] // Ameryka Łacińska. – 1987. – Nr 4. – S. 132 – 145.

56. Khait V.L.

Karnawalizacja sztuki i architektury Ameryki Łacińskiej // Ameryka Łacińska. – 2000. - nr 4. – s. 66 – 79.

57. Dunaeva K. A.

Odkrywanie na nowo...: Sztuka [Ameryka Łacińska] // Ameryka Łacińska. – 2001. - nr 3. – s. 72 – 82.

58. Khait V.L.

Ojciec współczesnego malarstwa brazylijskiego: [E. Di Cavalcanti] //Ameryka Łacińska. – 1987. – nr 4. – s. 146 – 155.

59. Tananaeva L. I.

O malarstwie kubańskim XIX wieku // Ameryka Łacińska. – 1999. - nr 1. – s. 48 – 71.

60. Sheleshneva N.A.

Grafika argentyńska: ironia społeczna i metafora poetycka // Ameryka Łacińska. – 1986. – nr 8. – s. 105 – 110.

61. Davityants T. D.

Głównym tematem twórczości są dzieci: [O boliwijskim artyście R. Boulangerze] // Ameryka Łacińska. – 1979. – nr 5. – s. 104 – 105.

62. Davityants T. D.

Marina Nunens i rzeźba boliwijska // Ameryka Łacińska. – 1980. – nr 8. – s. 81 – 89.

63. Khait V.L.

Brazylijski artysta: [J. Da Mota e Silva (1914 – 1979)] // Ameryka Łacińska. – 1983. – nr 5. – s. 94 – 106.

64. Krauts T. I.

Bruno Jrji: umiejętności i inspiracja: [O brazylijskim rzeźbiarzu] // Ameryka Łacińska. – 1979. – nr 5. – s. 155 – 164.

65. Khait V.L.

Portinari brazylijski: [Malarstwo Brazylii] // Ameryka Łacińska. – 1980. - nr 2. – s. 101 – 113.

66. Merzhanov S. B.

Oscar Niemeyer - architekt i obywatel // Ameryka Łacińska. – 1987. – nr 9. – s. 71 – 80.

67. Niemeyer O.

„Walka o transformację społeczeństwa jest ważniejsza niż architektura” // Ameryka Łacińska. –1984. - nr 2. – s. 95 – 106.

68. Khait V.L.

„Zrealizowana” utopia [Architekt Oscar Niemeyer. Brazylia] // Ameryka Łacińska. – 1989. – nr 3. – s. 74 – 87.

69. Sukhostat A. A.

Ile aniołów zmieści się na czubku igły?: [O twórczości wenezuelskiego artysty Bracho] // Ameryka Łacińska. – 1995. – nr 8. – s. 94 – 97.

70. Khait V.L.

Nowoczesna architektura [Wenezueli] // Ameryka Łacińska. – 1980. - nr 12. – s. 125 – 133.

71. Sheleshneva N. A.

Malarstwo w poszukiwaniu narodowego wyrazu: [Wenezuela] // Ameryka Łacińska. – 1980. - nr 12. – s. 141-143.

72. Khait V.L.

73. „Kultura narodu rosyjskiego jest mi bliska duchem”: [O kubańskim artyście O. Godinezie] // Ameryka Łacińska. – 1995. – nr 10. – s. 73 – 76.

74. „Architektura to orkiestra, w której brzmi wiele instrumentów”: [A. L. Quintana] // Ameryka Łacińska. – 1986. - nr 1. – s. 124 – 134.

75. Mosquera H.

Młode malarstwo kubańskie: prymitywizm i nowoczesność // Ameryka Łacińska. – 1987 r. – nr 1. – s. 113 – 117.

76. Historia na płótnach kubańskiego artysty [H. M. Fernandez] // Ameryka Łacińska. – 1987. – nr 6. – s. 88.

77. Wasilijewa S. V.

Odzwierciedlaj prawdę życia: [O twórczości kubańskich artystów] // Ameryka Łacińska. – 1988. - nr 12. – s. 108 – 114.

78. Nasz humor z Nues rozdziera uszy: [O twórczości kubańskiego rysownika Rene de la Nues] // Ameryka Łacińska. – 1988. – nr 12. – s. 123 – 130.

79. „Pozostanie w naszej pamięci na zawsze”: (Dedykowany kubańskiemu artyście Rene Portocarrero)

80. Otero L.

Dramat ozdób Portocarrero // Ameryka Łacińska. – 1985. - nr 12. – s. 71 – 74.

81.Barnett M.

Kiedy mitologia żyje w sercu: (O twórczości kubańskiego artysty L. Zúñigi) // Ameryka Łacińska. – 1984. - nr 9. – s. 109 – 111.

82. Otero L.

Wifredo Lam - artysta trzech światów: [Życie i twórczość kubańskiego artysty] // Ameryka Łacińska. – 1985. – nr 2. – s. 90 – 98.

83. Shatunovskaya I.K.

Artysto, dokonaj cudu: [H. David - rysownik] // Ameryka Łacińska. – 1982. – nr 5. – s. 120 – 125.

84. Biełowołow Yu.G.

Artysta zrodzony z rewolucji: [O twórczości kubańskiego artysty A. R. Rivasa] // Ameryka Łacińska. – 1979. - nr 4. – s. 199 – 202.

85. Malarstwo kubańskie przez pryzmat rewolucji // Ameryka Łacińska. – 1982. – nr 11. – s. 130-139.

86. Thomas Sanchez: „...malując pejzaże, poznaję lepiej swoją ojczyznę” // Ameryka Łacińska. – 1984. – nr 4. – s. 84 – 85.

87. Levykin E. V.

Akwarela autorstwa Ignacio Betety // Ameryka Łacińska. – 1985. – nr 10. – s. 120 – 125.

88. Semenova I.K.

Kolory Meksyku: [O artyście I. Barrios] // Ameryka Łacińska. – 1985. – nr 3. – s. 111 – 115.

89. Kosichev L.A.

O losach obrazów Diego Rivery: [Meksyk] // Ameryka Łacińska. – 1985. – nr 1. – s. 126 – 132.

90. Kozlova E. A.

Początki malarstwa Rufino Tamayo: [Meksyk] // Ameryka Łacińska. – 1986. – nr 9. – s. 124 – 134.

91. Artysta – zapaśnik: (wystawa D. A. Siqueirosa w Moskwie) // Ameryka Łacińska. – 1985. – nr 7. – s. 108 – 109.

92. Shatunovskaya I.K.

Nabożeństwo do początków: (O twórczości meksykańskiego artysty J. Soriano) // Ameryka Łacińska. – 1986. – nr 10. – s. 125 – 129.

93. „Dzieło sztuki jest zawsze przesłaniem dla swoich współczesnych”: (wywiad z meksykańskim artystą Victorfederico) // Ameryka Łacińska. – 1986. – nr 5. – s. 119 – 122.

94. Kozlova E. A.

Meksykański Wszechświat: [O twórczości R. Tamayo] // Ameryka Łacińska. – 1990. – nr 3. – s. 111 – 118.

95. Kosichev V. A.

Pędzle i farby Pabla O'Higginsa // Ameryka Łacińska - 1982. - nr 6. – s. 103 – 111.

96. Sheleshneva N. A.

Orozco: u początków malarstwa meksykańskiego XX wieku // Ameryka Łacińska. – 1983. - nr 11. – s. 127 – 129.

97. Sheleshneva N. A., Ilyin S. F.

Artysta-filozof: [O twórczości meksykańskiego artysty A. Bustosa] // Ameryka Łacińska. – 1983. – nr 9. – s. 122 – 130.

98. Sychev S. S.

„Aby świat zatriumfował”: Pamięci D. A. Siqueirosa // Ameryka Łacińska. – 1984. – nr 2. – s. 114 – 124.

99. Beltran A.

„Sztuka ludowa powinna przyczyniać się do rozwoju samoświadomości narodu”: [O sztuce ludowej Meksyku] // Ameryka Łacińska. – 1979. - nr 6. – s. 156 – 164.

100. Wysokość V.L.

Wystawa architektury meksykańskiej // Ameryka Łacińska. – 1982. - nr 11. – s. 106 – 108.

101. Cardenel E.

Kultura nowej Nikaragui // Ameryka Łacińska. – 1980. - nr 11. – s. 5 – 14.

102. Tananaeva L. I.

Powstawanie sztuki kolonialnej w Wicekrólestwie Peru // Ameryka Łacińska. – 2000. - nr 6. – s. 87 – 104., nr 9. – s. 60 – 76.

103. Mironenko O. Yu.

Symbolika i kolor w malarstwie Nelly Loli: [Peru] // Ameryka Łacińska. – 1987. – nr 5. – s. 120 – 126.

104. Garces M.

Sztuka buntownicza [chilijskie malarstwo ścienne] // Ameryka Łacińska. – 1990. – nr 10. – s. 130 – 133.

105. Fedotova E. D., Khan-Magomedova

Sztuka wzywająca do oporu: [Artyści Chile: sztuka na wygnaniu] // Ameryka Łacińska. – 1979. – nr 3. – s. 179 – 183.

106. Carranza S.

„Ocalenie wartości kultury indyjskiej jest obowiązkiem artysty //Ameryka Łacińska. – 1987. - nr 12. – s. 57 – 61.

107. Pynina-Voitsekhovskaya S. V.

Piosenka o Indianach z Ekwadoru (O twórczości artysty Eduardo Kingmana) // Ameryka Łacińska. – 1986. - nr 11. – s. 120 – 120.

108. Sukhostat A. A.

Guayasamin - człowiek, artysta, wojownik // Ameryka Łacińska. – 1982. – nr 10. – s. 99 – 107.

109. Sheleshneva N. A.

Tysiąc rysunków ekwadorskiego artysty: [O. Guasayamina] // Ameryka Łacińska. – 1987. – nr 3. – s. 109 – 119.

110. Petrova T. N.

Sztuka ludowa Ekwadoru // Ameryka Łacińska. – 1989. – nr 5. – s. 126 – 129.

111. Kultura ekwadorska dzisiaj // Ameryka Łacińska. – 1988. – nr 8. – s. 125 – 134.

112. Semenova I.K.

Labirynty koloru ekwadorskiego artysty [V. Bazante] //Ameryka Łacińska. – 1989. - nr 6. – s. 87 – 88.

113. Khait V.L.

Dziesięć wieków architektury kolumbijskiej // Ameryka Łacińska. – 1987. – nr 2. – s. 120 – 126.

114. Khait V.L.

Jak rodzi się oryginalność sztuk pięknych i architektury // Ameryka Łacińska. – 1988. – nr 9. – s. 102 – 115.

115. Khait V.L.

Jak rodzi się oryginalność sztuk pięknych i architektury w Ameryce Łacińskiej // Ameryka Łacińska. – 1989. – nr 4. – s. 100 – 115.

116. Stolbov V. S.

Książka latynoamerykańska w „Fiction” // Ameryka Łacińska. – 1980. - nr 10. – s. 119 – 123.

117. Kofman A.F.

Tango – pieśń: folklor czy literatura?: [Historia tanga argentyńskiego] // Ameryka Łacińska. – 1986. - nr 3. – C 111.

118. Apostolli N.A.

Święta i życie codzienne Teatru Colon: [Z okazji 80-lecia Argentyńskiego Teatru Opery Colon] // Ameryka Łacińska. – 1988. - nr 11. – s. 97 – 99.

119. Piosenkarz Brazylii: [Do 70. rocznicy urodzin J. Amado] // Ameryka Łacińska. – 1982. – nr 8. – s. 89 – 113.

120. Konstantinova N. S.

Teatr brazylijski w poszukiwaniu // Ameryka Łacińska. – 1980. - nr 6. – s. 118 – 130.

121. Vasina E. N.

Teatr - dokument czasu: [Brazylia] // Ameryka Łacińska. – 1987. – nr 5. – s. 110 – 119.

122. Kage H.

Nasze spojrzenie na teatr latynoamerykański // Ameryka Łacińska. – 1993. – nr 1. – s. 78 – 83.

123. Shatunovskaya I.K.

Lot pełen duszy...[Balet Latynoamerykański] // Ameryka Łacińska. – 1985. – nr 10. – s. 126 – 132.

124. Vasina E. N.

Najnowsze trendy w teatrze Ameryki Łacińskiej // Ameryka Łacińska. – 1993. – nr 1. – s. 67 – 72.

125. Ruch teatralny na Kubie dzisiaj // Ameryka Łacińska. – 1981. – nr 8. – s. 115 – 126.

126. Gruszko P.

Strony poezji kubańskiej XX wieku: [Przegląd poezji] // Ameryka Łacińska. – 1980. - nr 6. – s. 105 – 117.

127.Razuvaev V.V.

Teatr w Chile w czasach O’Higginsa (XIX w.) // Ameryka Łacińska. – 1990. - nr 7. – s. 91 – 100.1

128. Kosichev L.A.

Victor Jara – reżyser teatralny: [Chile] // Ameryka Łacińska. – 1981. - nr 6. – s. 103 – 107.

129.Silyunas V. Yu.

Wakacje i koszmary na scenie Teatru Nowego: // Ameryka Łacińska. – 1987. – nr 10. s. 76 – 89.

130. Zemskov V. B.

Literatura latynoamerykańska w kontekście duchowym przełomu XIX i XX wieku. // Ameryka Łacińska. – 1994. - nr 3. – s. 25 86 – 95.

131. Fedosow D. G.

Indianie i tradycje rytualne Wicekrólestwa Peru // Ameryka Łacińska. – 2001. – Nie. 3. – s. 83 – 93.

132. Muzyka Ameryki Łacińskiej // Ameryka Łacińska. – 1989. - nr 1. s. 2 – 3..

133. Semenova I.K.

Nazywano go „muzyczną wielkością” kontynentu [W 100. rocznicę powstania brazylijskiego kompozytora E. Vili – Lobosa] // Ameryka Łacińska. – 1987 r. – nr 4. – s. 156 – 158.

134. Moura R. M.

Popularna muzyka brazylijska w twarzach i gatunkach // Ameryka Łacińska. – 1998. – nr 2. – s. 120 – 124.

135. Gonzalez I., Enriquez A. M.

Ernesto Lecuono: Refleksje z okazji 100. rocznicy urodzin kubańskiego kompozytora i performera // Ameryka Łacińska. – 1995. - nr 10. – s. 71 – 72.

136. Muzyka Silverste Revuelsa: (Do 80. rocznicy urodzin meksykańskiego muzyka // Ameryka Łacińska. –1979. - nr 5. – s. 137 – 154.

137. Kosichev V. A.

Violeta Parra i nowa chilijska piosenka // Ameryka Łacińska. – 1984. – nr 4. – s. 89 – 102.

138. Muzycy rockowi w walce z dyktaturą Pinocheta // Ameryka Łacińska. – 1989. - nr 2. – s. 121 – 124.

139. Shatunovskaya I.K.

Sztuka, która łączy ludzi: [Muzycy z krajów Ameryki Łacińskiej na VII konkursie im. P.I. Czajkowski] // Ameryka Łacińska. – 1983. – nr 1. – s. 110 – 114.

140. „...Muzyka jest żywą duszą ludu”: [O muzyce krajów Ameryki Łacińskiej] // Ameryka Łacińska. – 1985. – 3 2. – s. 77 – 89.

141. Nauka kubańska dzisiaj // Ameryka Łacińska. – 1987. – nr 2. – s. 76 – 78.

142. W interesie narodu: „Kadra krajowa – więcej i lepiej”: [Rozwój szkolnictwa wyższego na Kubie] // Ameryka Łacińska. – 1988. - nr 12. – s. 58 – 63.

143. Glinkin A. N.

Wyższa Rada Uniwersytetów Ameryki Środkowej (HCUC) // Ameryka Łacińska. – 1990. - nr 8. – s. 130 – 131.

144. Kryazheva I. A.

Co niepokoi dziś muzykologów Ameryki Łacińskiej // Ameryka Łacińska. – 1990 r. – nr 6. – s. 107 – 109.

145.Labarka G.

Ameryka Łacińska: ile wydać na edukację? // Ameryka Łacińska. – 1996. - nr 2. – s. 81 – 87.

KULTURA ROSYJSKA

IX – XVII WIEKI

1. Goleizovsky N.K.

Tajemnice Soboru Zwiastowania: nowe rzeczy w historii Rosji // Pytania historyczne. – 1998. - nr 6. – s. 104 – 118.

2. Kultura rosyjska X – XVII w. // historia kultury światowej: Uch. dodatek. Po 4 godzinach Część 2. / wyd. W.D. Rosenfeld. – Grodno, 1998. – s. 119 – 158.

3. Sedov P.V.

Budowa w Moskwie za cara Fiodora Aleksiejewicza // Historia krajowa. – 1998. – nr 6. – s. 150 – 158.

4. Aristova V.V.

Symbolika starożytnej rosyjskiej świątyni // Nauczanie historii w szkole. – 2002. - nr 7. – s. 2 – 15.

5. Przedstawienia mitologiczne w folklorze nierytualnym [Słowian Wschodnich] // Yudin A. V. Rosyjska ludowa kultura duchowa. – M.: Wyżej. szkoła, 1999. – s. 181 – 217.

6. Mitologia Słowian wschodnich // Yudin A.V. Rosyjska ludowa kultura duchowa. M.: Wyżej. szkoła, 1999. – s. 51 – 86.

7. Karawszkin

Filozofia piękna w kulturze starożytnej Rusi // Człowiek. – 1995. – nr 5. – s. 61 – 88.

8. Punkty kulminacyjne i krytyczne duchowości ludowej [Słowianie Wschodni: „świętość”, „święci”, święci głupcy, kultura śmiechu...] // Yudin A.V. Rosyjska ludowa kultura duchowa. – M.: Wyżej. szkoła, 1999. – s. 218 – 284.

9. Rosyjska niezgoda: duchowe poszukiwania zwykłych ludzi [herezje; Staroobrzędowcy i schizma; sekty czasów po Piotrowych] // Yudin A.V. Rosyjska ludowa kultura duchowa. – M.: Wyżej. szkoła, 1999. – s. 285 – 328.

10. Historia kultury rosyjskiej // Borzova E. P. Historia kultury światowej. – St.Petersburg: Wydawnictwo Lan, 2001. – s. 528 – 607.

11. Kultura artystyczna starożytnej i średniowiecznej Rusi // Światowa kultura artystyczna: Studium. zasiłek / wyd. B. A. Ehrengross. – M., 2001. – s. 142 – 192.

12. Kultura starożytnych Słowian. Kultura Rusi Kijowskiej // Kulturologia. Historia kultury światowej. – M., 1995. – s. 73 – 88.

13. Belkin A. A.

Rosyjskie bufony: kultura śmiechu Rusi od jej początków do współczesności // Dydaktyka. – 2000. - nr 1. – s. 17 – 27.

14. Kiseleva M. S.

Epicki bohater i fenomen starożytnej Rusi // Człowiek. – 2000. - nr 3. – s. 73 – 86.

15. Wołoszynow A. V.

„Trójca” Andrieja Rublowa: geometria i filozofia // Człowiek. – 1997. – nr 6. – s. 52 – 74.

16. Suchkow N. P.

Tajemnica „Trójcy” Andrieja Rublowa // Nauka w Rosji. – 1993. – nr 1. – s. 109 – 115.

17. Alpatow M.

„Zwyczaj mądrego artysty”: [O twórczości A. Rublowa] // Rodzina i szkoła. – 1988 r. – nr 6. – s. 17 – 20, 64.

18. Danilova I.

Martwa natura z XVII wieku // Młody artysta. – 2000. – nr 4. – s. 30 – 34.

19. Wagnera G.

Czy Teofan Grek był artystą przedrenesansowym //szt. – 1989 r. – nr 4. – s. 61 – 65.

20. Sztuka staroruska // Ilyina T.V. Historia sztuki. Sztuka domowa: Podręcznik. – M.: Wyżej. szkoła, 2000. – s. 5 – 86.

21. Selezneva I. A.

Pałacowe komnaty złote i srebrne w pierwszej połowie XVII wieku // Zagadnienia historyczne. – 1999. – nr 10. – s. 138 – 143.

22. Karpow G. M.

Literatura, teatr i muzyka w Rosji w XVII wieku // Nauczanie historii w szkole. – 1994. – nr 1. – s. 49.

23. Muryanov M. F.

Fragment historii kultury starożytnych Słowian // Slawistyka radziecka. – 1984 r. – nr 1.

24. Sacharow A. M.

Rosyjska kultura duchowa XVII wieku // Zagadnienia historyczne. – 1975. – nr 7. – s. 95 – 115.

25. Rumyantseva V. S.

Szkoła rosyjska XVII wieku // Zagadnienia historyczne. – 1978. - nr 6. – P 214 – 220.

26. Żylina N.

Rosyjski wzór biżuterii // Ojczyzna. – 2002 r. – nr 11/12. – s. 161 – 165.

27. Medyncewa A.

Imarek napisał: Żywe Słowo Starożytnej Rusi //Ojczyzny. – 2002 r. – nr 11/12. – s. 148 – 152.

28. Powietkin W.

Demoniczne naczynia z witriolem: w co grali starożytni Nowogrodzcy // Rodina. – 2002 r. – nr 11/12. – s. 153 – 157.

29. Rybina E.

Nie językiem: (Życie i wypoczynek starożytnych Nowogrodów) // Ojczyzna. – 2002 r. – nr 11/12. – s. 138 – 142.

30. Darkevich V. P.

Jedność i różnorodność starożytnej kultury rosyjskiej (koniec X – XIII w.) // Zagadnienia historyczne. – 1997. – nr 4. – s. 36 – 52.

31. Perkhavko V. B.

Kupcy i początek „światowości” kultury rosyjskiej // Nauczanie historii w szkole. --2002. - nr 5. – s. 2 – 11.

32. Nikiforow K.

Jak płonie złota trumna...: Kaplica Iveron: od zagłady do odrodzenia // Ojczyzna. – 2002. – nr 3. – s. 92 – 94.

33. Eliseev S.

Narodziny katedry: (Katedra Wniebowzięcia Kremla Moskiewskiego; Arystoteles Fioravanti – o niej) // Spotkania z historią: eseje popularnonaukowe. – M., 1988. – s. 75 – 91.

34. Kultura rosyjska XIV – XVIII wieku // Kulturologia. Historia kultury światowej. M., 1995. – s. 88 – 114.

35. Liban N. I.

Powstanie państwa moskiewskiego. Rozkwit kultury. Koniec XIV wieku // Literatura rosyjska. – 1998. - nr 2. – s. 6 – 13.

Inteligencja u władzy: Rząd Tymczasowy w 1917 r. Międzynarodowe seminarium historyków w Petersburgu. Materiał przygotowali S. M. Lyandres (USA), A. V. Smolin, V. Yu Chernov (St. Petersburg) // Historia krajowa. – 1999. - nr 4. – s. 103 – 113.

36. Shrader Yu.A.

Dwoistość lat sześćdziesiątych: (Z historii inteligencji radzieckiej) // Nowy Świat. – 1992. – nr 5. – s. 238 – 244.

37. Bayrau D.

Inteligencja i władza: doświadczenia radzieckie // Historia wewnętrzna. – 1994. – nr 2. – s. 122 – 135.

38. Lebiediew W.

Losy inteligencji rosyjskiej: (Aspekt historyczny) // Recenzja literacka. – 1990. – nr 9. – s. 3 – 10.

39. Markova E. V., Volkov V. A., Rodny A. N., Yasny V. K.

Losy inteligencji w obozach w Workucie. 1930 – 1950 // Historia nowa i najnowsza. – 1999. - nr 5. – s. 52 – 78.

IKONOPTACJA ROSYJSKA

1. Tarasow O. Yu.

Emblematyka w barokowym malarstwie ikonowym XVII – XVIII w. //Slawistyka. – 1998. - nr 4. – s. 24 – 31.

2. Aristova V.V.

Stara rosyjska ikona. Symbolika i ikonografia // Nauczanie historii w szkole. – 2002. - nr 9. – s. 2 – 13.

3. Elizbarashvili N.

„Wielki Męczennik Jerzy” w Kachetii: Losy jednej z ikon – Szymon Uszakow // Muzeum Radzieckie. – 1991. - nr 3. – s. 12 – 16.

4. „Trójca” Rublowa – z Galerii Trietiakowskiej do kościoła?: Materiały okrągłego stołu // Muzeum Radzieckie. – 1991. - nr 6. – s. 26...

5. Kochetkov I.

Zespół rozproszony: ...ikonostas z 1497 r. Katedra Wniebowzięcia Klasztoru Kirilo-Belozersky // Muzeum Radzieckie. – 1991. - nr 5. – s. 34 – 37.

6. Pligin V.

O tajemnicach starożytnych ikon: (O pochodzeniu i autorstwie ikonostasu katedry Zwiastowania na Kremlu moskiewskim) // Nauka i religia. – 1991. - nr 8. – s. 30 – 35.

7. Wtyczka V.A.

O pochodzeniu „Trójcy” Rublowa // Historia ZSRR. – 1987. – nr 2. – s. 64 – 80.

Było to stulecie, w którym tempo rozwoju cywilizacji zachodniej coraz bardziej przyspieszało, następowało kształtowanie się społeczeństwa przemysłowego, a gospodarka rynkowa umacniała się i rozwijała. Jednym z najważniejszych czynników wpływających na wszystkie sfery życia była rosnąca dynamika postęp naukowy i techniczny. XIX wiek dał światu parowiec, lokomotywę parową, transport samochodowy, telegraf, telefon, radio, fotografię, nagrywanie dźwięku i kino. W miastach pojawia się oświetlenie elektryczne. Rośnie prestiż nauk ścisłych i technicznych, wprowadza się edukację na poziomie podstawowym jako obowiązkową dla wszystkich.

Zmienia się także struktura społeczna społeczeństwa: maleje liczba osób pracujących w rolnictwie i zamieszkujących wieś; rośnie liczba mieszkańców miast, w życiu gospodarczym ustala się równość klas, postępuje proces stawania się społeczeństwem demokratycznym.

Najważniejszą cechą kultury zachodniej tego czasu jest wyjątkowa różnorodność nurtów i gatunków w sztuce i literaturze. Wiele z nich zostało odziedziczonych przez kulturę XIX wieku z stuleci poprzednich: był to klasycyzm, sentymentalizm i przedromantyzm. Początki innych stylów sięgają XIX wieku.

Na początku stulecia, na gruncie przedromantyzmu, A romantyzm, którego cechami są zaprzeczenie sztywnym ramom klasycyzmu, pragnienie wolności, ironia wobec postępu burżuazyjnego, bolesna rozbieżność między rzeczywistością idealną a społeczną. Realizm, który powstał na początku stulecia i szybko stał się wiodącym ruchem artystycznym, dał znakomite rezultaty we wszystkich rodzajach sztuki. Wyróżniała go chęć wiernego odzwierciedlenia rzeczywistości, a jednocześnie obecność w dziele wysokiego ideału autorskiego, odwzorowanie typowych postaci i sytuacji, a zarazem indywidualizacja w ich przedstawieniu. Naturalizm wywodzi się z idei całkowitego zdeterminowania losu, woli i świata duchowego człowieka przez jego środowisko społeczne, dziedziczność i fizjologię. Dążąc do obiektywnego i beznamiętnego przedstawienia rzeczywistości, przyrodnicy upodabniali się do naukowców, a swoje metody artystyczne do metod analizy naukowej. Symbolizm zbudowany na założeniu, że istnieje rzeczywistość ukryta przed bezpośrednią wiedzą człowieka; celem sztuki jest przebicie się do tych ukrytych rzeczywistości; Tę „idealną istotę świata” można poznać za pomocą symboli – idei wykraczających poza granice percepcji zmysłowej. Przedstawiciele impresjonizm starali się uchwycić realny świat w jak najbardziej naturalnej postaci – w całym jego pięknie i zmienności z minuty na minutę, by oddać w malarstwie swoje ulotne wrażenia i nastroje. Kontynuacją i w pewnym sensie zaprzeczeniem impresjonizmu postimpresjonizm, które charakteryzowało się poszukiwaniem trwałych zasad istnienia, stabilnych materialnych i duchowych esencji świata.

Wiek XIX przyniósł wiele wielkich nazwisk. Wśród nich w literaturze są Mark Twain, Honoré de Balzac, Prosper Merimee, François de Chateaubriand, Gustave Flaubert, Guy de Maupassant, Emile Zola, George Byron, Walter Scott, Charles Dickens, Victor Hugo, George Sand, Heinrich Heine, Ernst Theodore Amadeus Hoffmanna; w muzyce - Robert Schumann, Franz Schubert, Richard Wagner, Ludwig van Beethoven, Franz Liszt, Frederic Chopin, Giuseppe Verdi, Claude Debussy, w malarstwie - Auguste Ingres, Eugene Delacroix, Gustave Courbet, Käthe Eolwitz, Edouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Paul Gauguin, Paul Cezanne, Van Gogh, w rzeźbie - Auguste Rodin, w nauce - Charles Darwin, Louis Pasteur, Max Planck, Bernhard Riemann, Pierre i Marie Curie, Wilhelm Roentgen.

W architekturze początku XIX wieku głównym stylem był klasycyzm, na bazie którego powstał styl imperium — ostatni etap rozwoju klasycyzmu w architekturze. Styl Empire charakteryzują masywne, monumentalne formy, bogaty wystrój i aktywne wykorzystanie dziedzictwa artystycznego kultury starożytnej Europy, zwłaszcza starożytnego Rzymu. Przykłady budynków w stylu Empire były ucieleśnieniem idei władzy państwowej i chwały wojskowej. Popularna była budowa łuków triumfalnych i kolumn w stylu starożytnego Rzymu. W połowie stulecia nadchodzi czas eklektyzmu w architekturze, styl ten staje się popularny historyzm, wyrażając chęć ukazania genezy architektury narodowej i wskazania jej głównych cech.

W drugiej połowie XIX wieku wprowadzenie do praktyki budowlanej nowych materiałów i technologii znacznie rozszerzyło możliwości funkcjonalne i artystyczne architektów. Rozpoczyna się budowa nowych typów budowli, czego przykładem jest słynna Wieża Eiffla w Paryżu (1889).

Kultura zachodnioeuropejska XIX wieku

Wstęp

W rozwoju literatury i sztuki zachodnioeuropejskiej XIX wieku. - okres pojawienia się dzieł, które stały się ogromnym dobrem kulturowym i podbojem ludzkiego geniuszu, choć warunki rozwoju były złożone i sprzeczne.

Czynniki wpływające na główne procesy i kierunki twórczości artystycznej były zróżnicowane. Obejmowały one zmiany w podstawowych stosunkach, w życiu politycznym, rozwój nauki, rewolucję przemysłową i jej skutki, a także aspekt religijny.

1. Główne procesy i kierunki życia społeczno-politycznego, naukowego i religijnego

Wśród czynników społeczno-ekonomicznych i politycznych decydujące znaczenie miały rewolucje społeczne i ruch rewolucyjny. W 19-stym wieku rewolucje burżuazyjne ogarnęły wiele krajów europejskich i stanowiły jeden z najważniejszych etapów walki klasowej. Przyczynili się do ustanowienia i rozwoju kapitalizmu, rozwiązania palących problemów historycznych, w szczególności zjednoczenia Włoch i Niemiec, oraz rozbudzili w postępowej ludzkości pragnienie wolności od ucisku społecznego i niesprawiedliwości.

Rewolucja przemysłowa, która zakończyła się w XIX wieku, wywarła ogromny wpływ na rozwój świata zachodnioeuropejskiego. Rewolucja przemysłowa doprowadziła do znaczącej restrukturyzacji pracy i świata obiektywnego. Jej bezpośrednim skutkiem jest bezprecedensowy wzrost produktywności pracy społecznej. Praktyczne potrzeby stymulowały szybki rozwój nauki. XIX wiek - to rozkwit klasycznych nauk przyrodniczych, stworzenie jednolitego systemu nauk. W tym czasie związek nauki z produkcją staje się coraz bliższy. Pojawiają się pierwsze laboratoria badawcze pracujące dla przemysłu. Odkrycia z różnych dziedzin nauk przyrodniczych w coraz większym stopniu wpływają na rozwój wiodących gałęzi przemysłu: metalurgii, energetyki, budowy maszyn, budowy instrumentów, transportu i przemysłu chemicznego.

Do najbardziej uderzających osiągnięć rewolucji przemysłowej XIX wieku. Obejmuje to wykorzystanie energii elektrycznej w przemyśle, nowe środki komunikacji (telegraf, telefon), urządzenia napędowe maszyn roboczych, w wielu procesach technologicznych różnych gałęzi przemysłu, przy tworzeniu żarówek do oświetlania pomieszczeń i ulic. Stworzenie lokomotywy parowej, silnika spalinowego, telefonu, radia, kina i wielu innych rzeczy oznaczało rewolucję w nauce i technologii.

Rozpoczęło się tworzenie społeczeństwa przemysłowego, radykalnie różniącego się od poprzedzającego go społeczeństwa przedindustrialnego. Produkcja przemysłowa, związana ze stale rozwijającą się technologią, wypuszczeniem na rynek nowych towarów i powstaniem sektora usług, jak podkreślał K. Marx, odegrała wielką rolę cywilizacyjną. Wyrywając ogromne masy ludzkie z dotychczasowych struktur społecznych, podważając same te struktury, industrializacja staje się siłą napędową wprowadzającą masy w nowe relacje i przyzwyczajającą je do nowego sposobu życia, rytmu pracy, dyscypliny, poszerza umiejętność czytania i pisania oraz horyzonty istnienie.

Burzliwe procesy polityczne i społeczne z góry zdeterminowały zmiany w formach rządów w wielu krajach. Szczególnie znaczące wstrząsy przeżyła Francja, gdzie w ciągu stulecia dwukrotnie powołano Dyrektoriat, Konsulat, Cesarstwo, przywrócono dynastię Burbonów, dwukrotnie proklamowano Republikę, a nawet doszło do Komuny Paryskiej, kiedy klasa robotnicza przejęła władzę moc przez krótki czas.

W XIX wieku miały miejsce ciągłe przewroty rewolucyjne. w nauce. W tym okresie historycznym sławę nauki dokonali R. Mayer (1814-1878), J. Joule (1819-1889), G. Helmholtz (1821-1894), którzy odkryli prawa zachowania i transformacji energii, co zapewniło ujednolicona podstawa dla wszystkich dziedzin fizyki i chemii. Duże znaczenie dla zrozumienia świata miało stworzenie przez T. Schwanna (1810-1882) i M. Schleidena (1804-1881) teorii komórkowej, która ukazała jednolitą strukturę wszystkich żywych organizmów. Karol Darwin (1809-1882), twórca teorii ewolucji w biologii, wprowadził ideę rozwoju w naukach przyrodniczych. Dzięki okresowemu układowi pierwiastków odkrytym przez genialnego rosyjskiego naukowca D.I. Mendelejewa (1834-1907) udowodniono wewnętrzne powiązanie pomiędzy wszystkimi znanymi rodzajami materii. Odkrycie elektronu, radu, przemiany pierwiastków chemicznych, utworzenie teorii względności przez A. Einsteina (1879-1955) i teorii kwantów przez M. Plancka (1858-1947) stanowiły przełom w dziedzinie fizyki mikroświat i duże prędkości.

W 19-stym wieku nastąpił znaczący rozwój myśli filozoficznej. Został on przygotowany według nauk I. Kanta (1724-1804) i I. Fichtego (1762-1814). Na ich podstawie stworzono teorię romantyczną, położono podwaliny filozofii obiektywno-idealistycznej, sformalizowanej w harmonijnym nauczaniu F.V. Schellinga (1775-1854). Schelling widział w sztuce sferę, w której przezwyciężane są przeciwieństwa tego, co teoretyczne i moralno-praktyczne; zasada estetyczna jawi się jako „równowaga”, pełna harmonia świadomego i nieświadomego działania, zbieżność natury i wolności, triumf uczuć i zasad moralnych.

Koncepcja obiektywno-idealistyczna została rozwinięta w pracach największego niemieckiego filozofa G. Hegla (1770-1831), który nadał jej pełnię w postaci podstawowych praw dialektyki. Podobnie jak Schelling, Hegel bronił idei stopniowego rozwoju ludzkości i zasady historyzmu. Co więcej, zasada historyzmu jest najpełniej rozwinięta w dziełach Hegla. Całą historię ludzkości postrzegał jako pojedynczy proces, w którym każda epoka zajmuje szczególne miejsce i wpływa na dalszy rozwój.

Dialektyka ukształtowała się nie tylko w integralnych systemach filozoficznych, jej elementy przenikały i wzbogacały różne formy kultury duchowej.

W przeciwieństwie do stanowisk Hegla, pojawiła się jednocześnie koncepcja idealistyczna, odrzucająca ideę możliwości postępu historycznego, której zwolennikami byli F.R. de Chateaubriand (1768-1848) i A. Schopenhauer (1788-1860).

XIX wiek dali światu K. Marksa i F. Engelsa, którzy w połowie stulecia stworzyli doktrynę materialistyczną. K. Marks (1818-1883) i F. Engels (1820-1895) uznali prymat materii i posługując się dialektyką heglowską, rozwinęli koncepcję materializmu historycznego, zgodnie z którą historia ludzkości jawi się jako zmiana formacji (metod produkcji) i walki klas. Ich nauczanie, które uległo dalszemu rozwojowi, przeszło do historii pod nazwą marksizm.

Wpływowy w XIX wieku. istniał także ruch filozoficzny związany z nazwiskiem O. Comte'a (1798-1857). Comte jest twórcą pozytywizmu, który powstał w latach 30. XX wieku. XIX w., a następnie modernizowany w związku z rozwojem nauki. Pozytywizm jest doktryną, według której prawdziwą wiedzą może być jedynie wiedza empiryczna oparta na doświadczeniu i jej dokładnym opisie. Comte przyznał nawet, że dotychczasowa filozofia, jako szczególne studium rzeczywistości, nie ma prawa do samodzielnego istnienia.

XIX wiek a zwłaszcza jego pierwsza połowa jest okresem ogólnego zainteresowania nauk historycznych. Niemal we wszystkich krajach powstają towarzystwa historyczne, otwierają się muzea i ukazują się czasopisma. Odkrycie zasady historyzmu i myślenia dialektycznego umożliwiło opracowanie naukowych zasad historii. Misję tę realizował francuski historyk Francois Guizot (1787-1874), który był twórcą przedmarksistowskiej teorii walki klas.

Osiągnięcia naukowe XIX wieku. zajmował się także lingwistyką (np. J.F. Champollion (1790-1832) rozszyfrował egipskie hieroglify), archeologią; Położono podwaliny pod folklorystykę naukową, historię sztuki i krytykę literacką. Tworzy się zespół humanitarnych dyscyplin naukowych; Nauki ekonomiczne osiągają znaczny poziom, rodzi się socjologia. Pod wpływem tendencji ateistycznych w społeczeństwie Kościół przeżywa poważny kryzys. Do Europy przenikają nowe religie, rodzą się koncepcje rozdziału Kościoła od państwa, wolności sumienia, religii, sekularyzacji oświaty itp. Procesy sekularyzacji podważają wpływ religii jako zasady integrującej. Osłabiają się konflikty religijne, ale jednocześnie podważane jest poczucie jedności wierzących. Procesy te nie oznaczają zerwania więzi społecznych, lecz w dużym stopniu zmieniają charakter tych więzi. Jedność społeczeństwa kształtuje się w dużej mierze jako jedność narodowa. Wzrost mobilności społecznej, czyli przemieszczania się ludności pomiędzy miastem a wsią oraz różnymi obszarami, zbliża do siebie różne grupy ludności. Jednocześnie następuje zbliżenie kulturowe w płaszczyźnie pionowej, gdyż warstwy o różnym statusie materialnym zaczynają się komunikować w ramach tej samej działalności zawodowej.

Rozwój produkcji oznaczał wprowadzanie coraz bardziej złożonych technologii, co było niemożliwe bez pewnego minimum edukacji publicznej. Oświecenie przyczyniło się do zniesienia wielu średniowiecznych pozostałości w sferze prawa, postępowania sądowego, sztuki, moralności i kultury politycznej. Doprowadziło to do stopniowej demokratyzacji społeczeństwa, w miarę jak coraz szersze kręgi ludności zaczynały korzystać z ochrony prawnej, zyskiwały możliwość uczestniczenia w życiu obywatelskim i mogły angażować się w dorobek kulturalny.

Zatem struktura przemysłowa społeczeństwa oznaczała głęboką jakościową przemianę nie tylko charakteru produkcji, ale także panujących struktur społecznych i kultury społeczeństwa. Wielkie zmiany jakie zaszły w XIX wieku. w rozwoju filozofii, nauki i techniki, wywarł ogromny wpływ na rozwój literatury i sztuki w Europie Zachodniej.

W rozdziale tym zawarto materiał dotyczący rozwoju sztuki w krajach Europy Zachodniej w XIX wieku. usystematyzowane według głównych kierunków i typów stylistycznych. Charakteryzowane i analizowane dzieła artystyczne i literackie zaczerpnięte są wybiórczo z historii tego kraju Europy Zachodniej, w którym osiągnięto najwybitniejsze wyniki i który wniósł najbardziej znaczący wkład w rozwój określonego rodzaju sztuki i twórczości artystycznej.

Wspólna cecha rozwoju kultury światowej w XIX wieku. nastąpił stały wzrost międzynarodowej wymiany kulturalnej. Sprzyjał temu szybki rozwój światowych kontaktów gospodarczych, usprawnienie środków transportu, łączności i wzajemnej informacji.

Zastanówmy się nad istotą i treścią najważniejszych nurtów rozwoju kultury europejskiej w XIX wieku.

2. Klasycyzm

Jako styl artystyczny klasycyzm (od łacińskiego classicus - wzorowy) zaczął kształtować się w sztuce europejskiej w XVII wieku. Najważniejszą jego cechą było odwołanie się do zasad sztuki antycznej: racjonalizmu, symetrii, kierunku, powściągliwości i ścisłej zgodności treści dzieła z jego formą. Styl ten rozwinął się we Francji, odzwierciedlając ustanowienie absolutyzmu w tym kraju.

W rozwoju klasycyzmu można wyróżnić dwa etapy: wiek XVII. i XVIII - początek XIX wieku. W XVIII wieku klasycyzm stał się stylem paneuropejskim i wiązał się z burżuazyjnym oświeceniem. W tym czasie stał się wyrazicielem ideałów obywatelskich i burżuazyjnych aspiracji rewolucyjnych.

Zasady klasycyzmu opierają się na ideach filozoficznego racjonalizmu, który broni idei rozsądnego wzorca świata i pięknej, uszlachetnionej natury. Według tej koncepcji dzieło sztuki jest owocem rozumu i logiki, który zwycięża lub pokonuje postrzegany zmysłowo chaos i płynność życia. Dla klasycystów wartość estetyczną ma tylko to, co ponadczasowe, czyli niezniszczalne.

Klasycyzm wysunął nowe standardy etyczne, przywiązując dużą wagę do społecznej i edukacyjnej funkcji sztuki. Bohaterowie klasycyzmu są odporni na zmienne koleje i okrucieństwo losu. Dla nich to, co ogólne, jest wyższe od tego, co osobiste, namiętności są podporządkowane obowiązkowi, rozsądkowi i interesowi publicznemu.

Estetyka klasycyzmu, oparta na orientacji na zasadę racjonalną, określiła odpowiednie wymagania, czyli reguły normatywne. Ustalono ścisłą hierarchię gatunków. Tym samym w malarstwie obrazy historyczne, mityczne i religijne uznano za gatunki „wysokie”. Do „niskich” zaliczano pejzaż, portret i martwą naturę. To samo podporządkowanie gatunków zaobserwowano w literaturze. Tragedię, epopeję i odę uznawano za „wysokie”, a komedię, satyrę i bajkę za „niskie”. W dziełach rzeźbiarskich i malarskich ustalono wyraźne rozgraniczenie planów i gładkość form. Jeśli w figurach był ruch, nie zakłócał on ich spokojnej posągowości i plastycznej izolacji. Aby wyraźnie wyróżnić obiekty, zastosowano kolor lokalny: brązowy dla bliży, zielony dla środka, niebieski dla tła.

Klasycyzm charakteryzował się cechami utopizmu, idealizacji i abstrakcji, które nasiliły się w okresie jego upadku. W połowie XIX wieku. klasycyzm przerodził się w martwy akademizm.

Mimo że istniały cechy wspólne, klasycyzm nie był zjawiskiem jednorodnym. I tak we Francji okres rewolucji poprzedził i towarzyszył mu rozwój klasycyzmu republikańskiego, a w latach Dyrektoriatu, a zwłaszcza Konsulatu i Cesarstwa Napoleońskiego, klasycyzm utracił ducha rewolucyjnego i zamienił się w nurt konserwatywny. We Włoszech, Hiszpanii i krajach skandynawskich rozwinął się nowy klasycyzm, czasem pod bezpośrednim wpływem sztuki francuskiej, a czasem niezależnie od niej, a nawet ją w czasie poprzedzający.

1 Literatura

Jednym z przedstawicieli klasycyzmu w literaturze był wielki Johann Wolfgang Goethe (1749-1832), twórca niemieckiej literatury nowożytnej. Był jedyną postacią Oświecenia, która mogła obserwować w XIX wieku. odbicie wszystkich ideałów poprzedniej epoki. Goethe rozpoczął karierę literacką od buntu, uczestnicząc w latach 70. w romantycznym ruchu literackim „Burza i Drang”. W 1774 roku napisał powieść autobiograficzną „Cierpienia młodego Wertera”. Dzieło Goethego „Elegie rzymskie” (1790), powstałe w tzw. okresie „klasycyzmu weimarskiego”, należy do Goethego. Jest przesiąknięta elementarnym materializmem. Dramat „Ernani” (1788) naznaczony jest tendencjami antyfeudalnymi i antytyranskimi.

Wyjątkowy talent poetycki, wszechstronne wykształcenie, doświadczenie świadka wielkich ruchów historycznych – to wszystko dało mu możliwość wnikliwego spojrzenia na problemy nadchodzącego stulecia. Czując złożoność i niespójność nowej rzeczywistości, Goethe nie przestaje wierzyć w ludzkie możliwości i racjonalne zasady wszechświata. Szczytem twórczości Goethego jest filozoficzne rozumienie życia - tragedia „Faust” (1808). Mówi nie tylko o Niemczech, ale o całej ludzkości, o jej ciągłym wznoszeniu się do wyższych form świadomości i życia.

Faust to ucieleśnienie burzliwej, niespokojnej, samotnej osobowości, która przechodzi długą i boleśnie trudną drogę poszukiwania celu swego istnienia, sensu historii. Poszukuje prawdy i szczęścia nie tylko dla siebie, ale dla wszystkich ludzi i jest gotowy walczyć o swoje przekonania. Dzieło to ucieleśnia postępowe aspiracje ludzkości wyłaniającej się z ciemności średniowiecza.

W pierwszych latach XIX w. Twórczość kontynuował Johann Friedrich Schiller (1759-1805), niemiecki poeta, dramaturg i teoretyk sztuki oświeceniowej. On, podobnie jak Goethe, jest twórcą niemieckiej literatury klasycznej. Sława przyszła do Schillera natychmiast. Stosunek Schillera do rewolucji francuskiej nie był jednoznaczny. Pomimo jej życzliwego przyjęcia Schiller potępiła rewolucjonistów za okrucieństwo i terror, choć Konwent przyznał autorce „Zbójców” wysoki tytuł Obywatela Republiki Francuskiej.

Na początku XIX wieku. Schiller napisał tragedie „Maria Stuart” i „Dziewica Orleańska”, dramat ludowy „William Tell”, uznawany za potężny hymn na cześć wolności zdobytej walką.

Republikański klasycyzm we Francji znalazł odzwierciedlenie w dramatach M.Zh. Cheniera (1764-1811). Jest także autorem hymnów i rewolucyjnej tragedii patriotycznej „Caius Gracchus” (1792). W sztuce „Karol IX, czyli lekcja dla królów” (1789) i innych gloryfikuje republikanów i patriotów, potępia arystokratów, fanatyzm religijny i ignorancję. Chenier pisał także sztuki o treści alegorycznej.

Najbardziej uderzającą francuską poezją liryczną epoki rewolucyjnej jest poezja jego brata André Chéniera (1762-1794). W sztuce starożytnej widział ucieleśnienie cnoty i wolności, a także triumf zasady zmysłowej. Komponował elegie, w których wychwalał ziemską miłość i radość życia, antycypując poezję romantyczną. Pisał ody polityczne i cykl polityczny „Iambas”. Po rewolucji opowiadał się za monarchią konstytucyjną, został aresztowany i zgilotynowany.

2 Sztuka wynalazcza

W rozwoju światowej kultury artystycznej XIX wieku. Wyjątkowo ważną i wybitną rolę odegrali malarze, rzeźbiarze i graficy francuscy. Gwałtowna zmiana form politycznych w tym kraju dała początek całemu szeregowi rewolucji zarówno w życiu artystycznym, jak i ruchach artystycznych. Pod względem odwagi poszukiwań ideologicznych i twórczych w sztukach pięknych żaden kraj nie mógł się równać z Francją.

Liderem francuskiego klasycyzmu w malarstwie jest Jacques Louis David (1748-1825). Z mównicy Konwentu Rewolucyjnego i z mównicy Klubu Jakobinów uznano go za artystę, „którego geniusz przybliżył rewolucję”.

Dzieło Davida ucieleśniało epokę heroiczną. Artysta wskrzesił idee starożytności, postrzegając ją jako przykład obywatelstwa. „Przysięga Horacjuszy” to jego najsłynniejsze dzieło. Trzej bracia Horatii, wyruszając w obronę rodzinnego miasta, przyjmują miecze od ojca i składają przysięgę. Ich jednomyślność wyraża się w zdecydowanym kroku w stronę mieczy, który bracia podejmują jednocześnie. Ten obraz brzmi jak wezwanie do broni, do akcji rewolucyjnej i patriotycznej.

Ogromny obraz Davida „Koronacja Napoleona” łączy w sobie błyskotliwe umiejętności portrecisty i malarza historycznego. Wśród obrazów historycznych znajduje się „Andromacha opłakująca śmierć Hektara”, którego kompozycja rozkłada się jak antyczna płaskorzeźba.

Obraz „Konsul Brutus skazujący swoich synów na śmierć” był odbierany w malarstwie jako „Zdobycie Bastylii”.

W latach rewolucji Dawid był organizatorem życia artystycznego, twórcą portretów i obrazów historycznych poświęconych wydarzeniom współczesnym. Jednym z jego najlepszych obrazów jest „Śmierć Marata”, w którym morderstwo polityczne interpretowane jest za pomocą środków starożytnej tragedii. Surowa prawda życia, tragiczny dźwięk, prostota i zwięzłość kompozycji, powściągliwość koloru, rzeźbiarska monumentalność form czynią to płótno pomnikiem rewolucji.

Portrety wykonane przez Davida podkreślają społeczną istotę modela, ucieleśniając ideę charakteru i działalności człowieka (np. Portret „Doktora A. Leroya”. Artysta stworzył realistyczne portrety - „Warzywniak ”, „Stary człowiek w czarnym kapeluszu”, który zapoczątkował nowy XIX-wieczny realizm

Uczeń Davida, malarz, rysownik i muzyk Jean Auguste Ingres (1780-1867) był genialnym mistrzem kompozycji i rygorystycznego, pięknego rysunku. Jest autorem obrazów o tematyce historycznej i religijnej („Ślub Ludwika XIII”, „Apoteoza Homera”).

Zapisał się w historii sztuki francuskiej jako pierwszorzędny portrecista realistyczny.

W swoim najlepszym dziele „Portret Bertina” artysta daje głęboko uogólniony i żywy obraz duchowego i moralnego charakteru francuskiej burżuazji. Ingres to natchniony poeta pięknych aktów (cykle „Odalisques”, „Wielki Kąpiący”), autor błyskotliwych portretów ołówkiem. Rysunek jest prawdziwym sprawdzianem umiejętności artysty” – powiedział inż. Jego późnoklasycystyczne tendencje wywarły ogromny wpływ na rozwój akademizmu w sztuce francuskiej.

3 Rzeźba

Niewiele w tej formie sztuki stworzyli klasycyści. W Niemczech jest to I.G. Shadov (1764-1850), bliski klasycyzmowi oświeceniowemu. Jest autorem dzieł monumentalnych i dekoracyjnych (kwadryga na Bramie Brandenburskiej w Berlinie), posągów i popiersi portretowych.

Włoski rzeźbiarz A. Cakova (1757-1822) wykonał nagrobek papieża Klemensa XIII oraz mitologiczną statuę „Kupid i Psyche”, a także rzeźbiarskie portrety szlachty.

Przedstawicielem późnego klasycyzmu jest Duńczyk B. Thorvaldsen (1768-1844). Jego prace charakteryzują się ścisłą harmonią, plastyczną kompletnością, zimną powściągliwością i idealizacją obrazów („Janson”, „Merkury z fajką”).

W historii kultury francuskiej teatr zajął jedno z pierwszych miejsc. Wychował całą plejada wybitnych dramaturgów i aktorów. Na scenie francuskiej rozwinęły się i osiągnęły doskonałość niemal wszystkie ruchy artystyczne, rozwinęły się wszystkie gatunki teatralne. Rozwinęły się tu także nowe formy organizacji teatralnej, na przykład nowy teatr prywatny, przedsiębiorczy i komercyjny.

A w dramaturgii, w sztuce aktorskiej w czasie rewolucji, wyłonił się nowy styl rewolucyjnego klasycyzmu, budzący bohaterstwo i uczucia patriotyczne mas. Na scenie wystawiano klasyczne tragedie. W latach dyktatury jakobińskiej podejmowano próby stworzenia teatru masowej propagandy.

Reakcja termidoriańska ożywiła sentymentalizm wraz z gloryfikacją moralności rodzinnej. Zadaniem teatru w okresie dyrektoriatu było okiełznanie zapędów rewolucyjnych mas i zaszczepienie w nich wiary w idealność ustroju burżuazyjnego. Ta zmiana pomysłów znalazła odzwierciedlenie w nowym gatunku melodramatu, który powstał w latach rewolucji. Jeśli początkowo melodramat miał orientację antyklerykalną lub antydespotyczną, wówczas traci swą buntowniczą treść i zastępuje konflikty społeczne moralnymi, ukazującymi okrucieństwa jednostek.

W latach rewolucji narodził się taki gatunek spektaklu teatralnego jak wodewil. Przeszedł drogę podobną do rozwoju melodramatu. Nasycony pogodnym dowcipem, stracił później ducha walki i dziennikarską bystrość, stając się gatunkiem czysto rozrywkowym.

W czasach Cesarstwa Napoleońskiego uprawnienia nabyte przez teatry na mocy dekretu o wolności teatrów zostały ograniczone. Przywrócono przywileje teatrów głównych, a przede wszystkim francuskiego teatru narodowego – Comédie Française, założonej w 1680 roku. Dramaturgia okresu cesarstwa wpisywała się w kanony klasycyzmu, ale pozbawiona była ideologii demokratycznej, antyklerykalnej i antymonarchistycznej cechy.

Najważniejsza postać teatru francuskiego końca XVIII i początku XIX wieku. był F.J. Talma (1763-1826) – największy aktor rewolucyjnego klasycyzmu. Humanistyczne aspiracje pomogły mu pokonać ograniczenia pompatycznej, oficjalnej sztuki okresu porewolucyjnego. Występował w tragediach Szekspira, tworzył obrazy ludzi niespokojnych, rozdartych wewnętrznymi sprzecznościami, tonących w świecie zła i egoizmu. Zreformował klasycystyczną technikę aktorską, ustanowił autentyczny kostium antyczny i dał potężny impuls rozwojowi teatru francuskiego na drodze romantyzmu.

5 Twórczość muzyczna

W dziedzinie muzyki klasycyzm przełomu XVIII i XIX wieku. przybrała nowe formy, co wiązało się z Wielką Rewolucją Francuską. Formy te projektowano dla masowego odbiorcy i służyły rewolucyjnym ideałom. Kompozytorzy tego stylu i czasu – F.Zh. Gosseca (1734-1829) i E. Megula (1763-1817). Żywe przykłady „opery zbawienia” – gatunku, który powstał podczas rewolucji francuskiej, którego cechą charakterystyczną jest idea walki z tyranią i pomyślnego wyniku – „ocalenia”: „Lodoiska”, „Dwa dni ” L. Cherubiniego (1760-1842) itp.

Ideały te znalazły swój kulminacyjny wyraz w twórczości L. Beethovena, choć jego późniejsze dzieła charakteryzowały się cechami romantyzmu.

3. Romantyzm

Ogromnych kataklizmów społecznych, które wstrząsnęły najpierw Francją, a potem całą Europą, nie można było postrzegać racjonalnie, analitycznie, beznamiętnie. Rozczarowanie rewolucją jako sposobem na zmianę egzystencji społecznej spowodowało ostrą reorientację samej psychologii społecznej, zwrot zainteresowania z życia zewnętrznego człowieka i jego działalności w społeczeństwie na problemy duchowego, emocjonalnego życia jednostki.

Próby przełamania jednostronności racjonalizmu i modelowania holistycznej, harmonijnej osobowości w kulturze artystycznej wyznaczyły główne kierunki jej rozwoju w XIX wieku. Najpierw podążała drogą romantyzmu (francuski romantisme; od średniowiecza roman – powieść), a następnie, gdy możliwości romantyzmu w dużej mierze się wyczerpały, drogą społeczno-analitycznej sztuki realizmu.

Sztukę romantyczną cechuje: niechęć do mieszczańskiej rzeczywistości, zdecydowane odrzucenie racjonalistycznych zasad mieszczańskiego oświecenia i klasycyzmu, nieufność wobec kultu rozumu, jaki cechował oświecicieli i pisarzy nowego klasycyzmu.

Moralny i estetyczny patos romantyzmu wiąże się przede wszystkim z afirmacją godności ludzkiej osobowości, wewnętrznej wartości jej życia duchowego i twórczego. Znalazło to wyraz w wizerunkach bohaterów sztuki romantycznej, którą cechuje ukazywanie niezwykłych charakterów i silnych namiętności oraz dążenie do nieograniczonej wolności. Rewolucja głosiła wolność jednostki, ale ta sama rewolucja zrodziła ducha zachłanności i egoizmu. Te dwie strony osobowości (patos wolności i indywidualizmu) przejawiały się bardzo kompleksowo w romantycznej koncepcji świata i człowieka.

Romantycy zaprzeczali potrzebie i możliwości obiektywnego odzwierciedlenia rzeczywistości. Dlatego za podstawę sztuki głosili subiektywną dowolność twórczej wyobraźni. Fabuła dzieł romantycznych została dobrana tak, aby uwzględniała wyjątkowe wydarzenia i niezwykłą scenerię, w której działali bohaterowie.

Pochodzący z Niemiec, gdzie położono podwaliny romantycznego światopoglądu i romantycznej estetyki, romantyzm szybko rozprzestrzenia się w całej Europie. Obejmował wszystkie dziedziny kultury duchowej: literaturę, muzykę, teatr, nauki humanistyczne, sztuki plastyczne. W pierwszej połowie XIX w. W Europie istniała filozofia romantyczna: Johann Gottlieb Fichte (1762-1814), Friedrich Wilhelm Schelling (1775-1854), Arthur Schopenhauer (1788-1860) i Søren Kierkegaard (1813-1855). Ale jednocześnie romantyzm nie był już stylem uniwersalnym, jakim był klasycyzm, i nie wpłynął znacząco na architekturę, wpływając głównie na sztukę ogrodniczą i architekturę małych form.

1 Literatura

Niemiecki romantyzm wydał na świat tak wybitnych pisarzy, jak Jean Paul (1763-1825), Heinrich von Kleist (1777-1811).

Heinrich von Kleist był utalentowanym dramaturgiem, autorem opowiadań i poetą. Jego twórczość związana jest z epoką wojny wyzwoleńczej od Napoleona. Jest autorem dramatów „Amphitryon”, „Schentesileia”, „Kätchen of Heilbronn”, w których ukazuje tragiczną samotność człowieka ogarniętego maniakalną namiętnością. Dla bohaterów tych dzieł świat jest niezrozumiały, pędzą między bliskością śmierci a jej pociąganiem. Kleist pisał także komedie („Rozbity dzbanek”), w których w prześmiewczy sposób przedstawiał patriarchalny porządek urzędników sądowych.

Szczytem romantyzmu jest dzieło Ernsta Theodora Amadeusa Hoffmanna (1776-1822). Najważniejszy pisarz niemieckiego romantyzmu, Hoffmann był niezwykle utalentowany – był zarówno utalentowanym muzykiem, jak i znakomitym karykaturzystą. Jego dzieła charakteryzują się dramatyzmem i sarkazmem, liryzmem i groteską („Diabelski eliksir”, „Złoty garnek”, „Władca pcheł”). Zderzając rzeczywistość ze światem fantazji, Hoffman często interpretuje fantazję ironicznie, co obnaża wewnętrzną słabość fantastyczności i nakreśla przejście do rzeczywistości. Jego elementy satyry są szczególnie widoczne w znakomitej bajce „Mały Tsakhes” (1819), w której autor ironicznie ukazuje rolę złota w społeczeństwie klasowym.

Ogromną rolę w twórczości Hoffmanna odegrała muzyka. Wizerunek muzyka był dla Hoffmanna synonimem marzyciela i obraz ten przewija się przez większość jego dzieł i kontrastuje z wulgarnym filisterem filisterem. Muzyk wędrowny, szlachetny pasjonat, niepraktyczny w życiu codziennym, gardzący bogactwem materialnym, kocha sztukę i w niej odnajduje najwyższy sens życia.

W latach 1821-1822 Hoffmann napisał książkę „Notatki kota Murra”, w której kompozytor Kreisler konfrontuje się z kotem Murrem, ucieleśniającym świat bezskrzydłych filistynistów.

Hoffmann jest jednym z twórców niemieckiej romantycznej estetyki i krytyki muzycznej. Jest autorem jednej z pierwszych oper romantycznych – Ondyny.

W pierwszej połowie XIX w. Heinrich Heine (1797-1856) był wielkim niemieckim poetą, który w swojej twórczości łączył romantyzm i ironię. Heine był poetą rewolucyjnej demokracji. W wielu swoich wierszach opiera się na pieśniach ludowych, dzięki rozwojowi motywów, których osiąga niezwykłą naturalność, klarowność i prostotę.

Po rewolucji lipcowej 1830 r. i znajomości z Marksem w twórczości poetyckiej Heinego zaczęły pojawiać się bojowe nuty rewolucyjne. Szczytem rozwoju ideologicznego wielkiego poety były „Wiersze współczesne” (1839–1846) i wiersz „Niemcy. Opowieść zimowa” (1844). Szczególne miejsce w „Wierszach współczesnych” zajmują „Tkacze”, w których Heine poetycko wyraża ideę historycznej misji proletariatu jako demaskatora systemu burżuazyjnego. W Zimowej opowieści Heine wyśmiewa przestarzały świat feudalny i broni idei rewolucyjnej walki o zjednoczone Niemcy.

Wiadomo, że rewolucja 1848 roku w Niemczech została pokonana. Stało się to dla Heinego źródłem duchowej tragedii. Jednak rozczarowany demokracją burżuazyjną Heine nie podzielał stanowiska klasy robotniczej, obawiając się egalitarnych tendencji komunistycznych wśród robotników. Uznając zwycięstwo proletariatu za sprawiedliwe, Heine obawiał się go i wierzył, że będzie to oznaczać śmierć sztuki. Ostatni tomik wierszy Heinego, Romansero (1851), zawiera ideę triumfu zła nad dobrem. Ale Heine pozostaje bezkompromisowy wobec reakcyjnych Niemiec.

W Anglii wpływ lirycznego romantyzmu George'a Noela Gordona Byrona (1766-1824) był ogromny. Jego wiersz „Pielgrzymka Childe Harolda” był poetyką romantycznego buntownika-indywidualisty, którego wizerunek był typowy dla epoki ponapoleońskiej. W centrum twórczości Byrona znajduje się obraz ponurego, zawiedzionego i samotnego bohatera, uciekającego z cywilizowanego społeczeństwa na Wschód, gdzie wciąż można odnaleźć pasje i jasne uczucia. W tak zwanych wschodnich wierszach „Giaour”, „Korsarz”, „Narzeczona z Abydos”, „Dara” i innych bohater Byrona staje się bardziej aktywny, walczy ze wschodnim władcą, despotą i tyranem. Siła tych wierszy tkwi zatem w niezłomności protestu społecznego. Jednak w epoce reakcji w poezji Byrona pojawiają się cechy pesymizmu.

- „Manfred” i „Kain”. Jednym z najlepszych dzieł poety jest powieść wierszowana „Don Juan”, która pozostała niedokończona. Byron broni w nim swojego ideału

Wolność polityczna, ale zdaniem poety można ją urzeczywistnić jedynie na łonie natury, z dala od tyranii cywilizowanego społeczeństwa. Aktywny humanizm i prorocza przewidywalność uczyniły Byrona władcą myśli ówczesnej Europy.

Angielski romantyzm reprezentują także J. Keathe (1795-1821) i P.B. Shelleya (1792-1822). John Keate jest autorem patriarchalno-utopijnej idylli „Endymion”, będącej wyrazem protestu przeciwko purytańskiej bigoterii. Ody „Ogień” i „Psyche” wychwalają kult piękna i harmonii w przyrodzie. Kite jest autorem symboliczno-alegorycznego poematu „Hyperion”.

Percy Bishoo Shelley jest autorem alegorycznego poematu „Królowa Mab”, który obnaża zepsucie współczesnego społeczeństwa. W wierszu „Powstanie islamu” Shelley usprawiedliwia brutalne obalenie despotyzmu. W tragedii „Cenci” i w poemacie lirycznym „Prometeusz bez ograniczeń” dał filozoficzne rozumienie problemów wolności i tyranii.

Jednak wraz ze śmiercią tych poetów angielski ruch romantyczny zanika.

We Francji, pierwsza trzecia wieku HEC. Głównym kierunkiem w literaturze był romantyzm. Na wczesnym etapie rozwoju centralną postacią był François René de Chateaubriand (1768-1848). Reprezentował konserwatywne skrzydło tego nurtu. Wszystko, co napisał, jest polemiką z ideami Oświecenia i rewolucji. Traktat „Duch chrześcijaństwa” wychwala „piękno religii” i uzasadnia pogląd, że katolicyzm powinien być podstawą i treścią sztuki. Według Chateaubrianda zbawienie człowieka polega jedynie na zwróceniu się ku religii. Chateaubriand pisał w pompatycznym, kwiecistym, fałszywie przemyślanym stylu.

Zwolenniczką idei liberalnych była Germaine de Stael (1766-1817), która wiele zrobiła dla uzasadnienia zasad romantyzmu. W powieściach „Delfin” i „Corinna” pisarka broni prawa kobiety do wolności uczuć, a także ukazuje zderzenie ludzkiej osobowości z podstawami społeczeństwa burżuazyjno-szlacheckiego. W 1803 roku Napoleon wydalił ją z Paryża za wypowiadanie się w obronie wolności politycznej:

Naród ma szczególne właściwości tylko wtedy, gdy jest wolny.

Twórczość Alfreda de Vigny'ego (1797-1863) wpisuje się w nurt konserwatywnego romantyzmu. Pisał wiersze, dramaty i powieść historyczną „Święty Mars”, która opowiada o spisku szlachty przeciwko kardynałowi Richelieu. W centrum dzieła znajduje się samotna, dumna osoba, która gardzi tłumem.

Twórczość Alfreda de Musseta (1810-1857) zajmuje szczególne miejsce we francuskim romantyzmie. W „Opowieściach hiszpańskich i włoskich” autor ironicznie interpretuje motywy romantyczne. Bohaterami jego spektakli są młodzi ludzie, niezadowoleni z rzeczywistości, skłóceni z nią i nie potrafiący się z nią rozstać. W powieści „Wyznanie stulecia” opowiada o przedstawicielu pokolenia lat 30., głęboko rozczarowanym prozaiczną rzeczywistością burżuazyjnej Francji.

W literaturze francuskiej XIX wieku. podkreślają postępowy romantyzm, którego przedstawicieli uważa się za Hugo i George Sand.

Victor Hugo (1802-1885) przeszedł trudną ścieżkę rozwoju. Na początku swojej kariery wychwalał lilie burbońskie i pobożność katolicką, od połowy lat dwudziestych był zwolennikiem idei liberalno-demokratycznych. W 1827 roku sformułował założenia nowej, romantycznej dramaturgii. Krytykuje zasady „trzech jedności” i sprzeciwia się ustalonemu w klasycyzmie ścisłemu rozróżnieniu gatunków. Hugo domagał się wolności i naturalności, nie zaprzeczając znaczeniu „lokalnego kolorytu” i dostrzegał możliwość połączenia tragizmu z komizmem. Manifest ten, sformułowany przez Hugo we wstępie do spektaklu „Cromwell”, odegrał pozytywną rolę w wyzwoleniu literatury z kanonów klasycyzmu.

Do wybitnych powieści Hugo należą „Notre-Dame de Paris”, „Pracownicy morza”, „Człowiek, który się śmieje”. Szczególne miejsce zajmuje powieść „Les Miserables”, która porusza najbardziej palące problemy społeczne XIX wieku. Pokazując niesprawiedliwość i przywary społeczeństwa burżuazyjnego, Hugo nie traci wiary w możliwość moralnej odnowy człowieka pod wpływem człowieczeństwa i miłosierdzia. Losy bohaterów powieści Jeana Valjeana i Fantyny pisarka ukazuje na tle szerokiej publiczności. Uroczy wizerunek chłopca Gavroche stał się żywym ucieleśnieniem rewolucyjnego ducha ludzi na kartach powieści.

W 1874 roku ukazała się ostatnia powieść Hugo, „Dziewięćdziesiąty trzeci rok”, poświęcona rewolucji francuskiej. Hugo sympatyzuje po stronie idei rewolucyjnych, nie udaje mu się jednak rozwiązać sprzeczności pomiędzy walką rewolucyjną, która prowadzi do śmierci ludzi, a humanitarnym poczuciem terroru i miłosierdzia.

Przedstawicielka nurtu demokratycznego w romantyzmie, George Sand (właściwa Aurora Dudevant) (1804-1876), poruszała w swoich pracach palące problemy społeczne. W pisanych na początku swojej kariery powieściach „Indiana”, „Walentynka”, „Lelia”, „Jacques” poruszała kwestię pozycji kobiety w rodzinie i społeczeństwie, przeciwstawiając się moralności burżuazyjnej. Wiele jej dzieł ma charakter autobiograficzny. W powieściach z lat 40. „Wędrujący uczeń”, „Młynarz z Anjibo”, „Grzech pana Antoine’a”, skierowanych przeciwko egoizmowi właścicieli i cywilizacji burżuazyjnej, która przynosi ludziom cierpienie, wizerunki bohaterów z ludu okazuje się ze współczuciem.

Najważniejszymi dziełami pisarza są powieści „Consuelo” i „Horacy”. Jeśli pierwszym jest problem i losy sztuki w społeczeństwie klasowym, to w „Horacym” obalony zostaje typ burżuazyjnego indywidualizmu.

W powieści „Mauprat” J. Sand napisał:

Nie możemy wyrwać ani jednej strony ze swojego życia, ale możemy wrzucić całą księgę w ogień.

2 Twórczość muzyczna

Romantyczny kierunek w muzyce okazał się niezwykle bogaty w wybitne talenty. W Niemczech jest to niemiecki kompozytor, krytyk muzyczny, przedstawiciel estetyki romantyzmu Robert Schumann (1810-1856), twórca programowych cykli fortepianowych („Motyle”, „Karnawał”, „Fantastyczne utwory”, „Kreisleriana”), liryczno-dramatyczne cykle wokalne, opera „Genovena”, oratorium „Raj i Peri” i wiele innych dzieł.

Pierwszymi przedstawicielami opery romantycznej w Niemczech byli E.T.A. Hoffmanna (opera „Ondyna”) i K.M. Webera (1786-1826). Weber walczył o niemiecką narodową sztukę operową i w swojej twórczości odzwierciedlał pragnienie narodu niemieckiego wyzwolenia i zjednoczenia kraju. Twórczość Webera wyznaczyła główne kierunki niemieckiej opery romantycznej: opera ludowo-legendarna i baśniowa (Free Shooter, Oberon), opera o średniowiecznej fabule rycerskiej (Euryanthe), pisana jako wielka opera, w której dialogi mówione zastępowane są recytatywami . Muzykolodzy uważają, że z tej opery prowadzi bezpośrednia droga do Tannhäusera i Lohengrina Wagnera.

Romantyczne opery pisali także R. Schumann i F. Flotow (Aleksandra Stradella, Marta). O. Nikołaj (1810-1849) napisał operę komiczną „Wesołe kumoszki z Windsoru” na podstawie fabuły komedii Szekspira.

Kierunek romantyczny reprezentowany jest w twórczości wielkiego niemieckiego kompozytora, dyrygenta, muzykologa, reformatora sztuki operowej Ryszarda Wagnera (1813-1883), jednej z największych postaci w historii światowej kultury muzycznej. Jego opery są powszechnie znane: „Rienzi”, „Latający Holender”, „Tannhäuser”, „Lohengrin”, „Tristan i Izolda”, tetralogia „Pierścień Nibelungów” (cztery opery: „Das Rheingold”, „Walkiria ”, „Zygfryd”, „Śmierć bogów”), tajemnica „Parsifal”. Twórczość Wagnera wzbogaciła światową sztukę operową o wybitne osiągnięcia w dziedzinie wyrazu muzycznego i dramaturgii. Stworzył tzw. dramaty muzyczne z nowym rodzajem melodii – „melodią nieskończoną”. Jego opery to gigantyczne poematy wokalno-symfoniczne, nie mające odpowiednika w historii opery. Muzykę Wagnera wyróżnia ogromna ekspresja, bogactwo orkiestrowe i harmoniczne. Jego twórczość wywarła wpływ na światową sztukę muzyczną kolejnych czasów.

W 19-stym wieku Wiodącymi niemieckimi teatrami operowymi były Opera Drezdeńska, opera dworska w Weimarze, opery berlińskie i Opera Lipska. W latach 1872-1876. Według planu R. Wagnera wybudowano Bayreuth Theatre (Dom Ceremonialnych Przedstawień), przeznaczony do wystawiania jego oper.

Przedstawicielem nurtu romantycznego w sztuce muzycznej Francji jest kompozytor i dyrygent Hector Berlioz (1803-1869). Jest właścicielem „Symfonii fantastycznej”, „Symfonii żałobnej i triumfalnej”, opery-duologii „Trojany” (według Wergiliusza), Requiem i symfonii dramatycznej „Romeo i Julia”. W ostatnim okresie swojej twórczości Berlioz stworzył pełną wdzięku i humoru operę komiczną Beatrycze i Benedykt, opartą na fabule komedii Szekspira Wiele hałasu o nic.

Cechy narodowe francuskiego teatru muzycznego XIX wieku. swoje odzwierciedlenie w gatunku opery komicznej. Jest to przede wszystkim opera D.F. Aubert (1782-1871) „Fra Diavolo”. Wraz z dramatopisarzem E. Scribem Ober stał się twórcą nowego typu opery komicznej, charakteryzującej się bardzo zabawnymi fabułami przygodowymi i szybko rozwijającą się akcją. Muzyka Obera jest elegancka, melodyjna, wyróżnia się żywiołowością i różnorodnością form. Napisał 36 oper, w tym „Brązowy koń” i „Czarne Domino”.

Ober jest także jednym z twórców gatunku grand opera (wielka opera). Jego opera „Niemowa z Portici” („Fenella”) ma fabułę historyczną, ujawnioną poprzez rytmiczne intonacje pieśni ludowych, tańców i muzyki Wielkiej Rewolucji Francuskiej. Twórczość Obera wpłynęła na późniejszy rozwój oper gatunku heroicznego i romantycznego.

J. Meyerbeer (1791-1864), kompozytor, pianista i dyrygent, stworzył dzieła z gatunku grand opera. Powstanie romantycznego teatru muzycznego we Francji wiąże się z jego operą Robert Diabeł. Napisał także opery „Hugonoci” i „Prorok”. W takich dziełach jak „Dinara” i „Afrykanka” pojawiły się już cechy opery lirycznej.

Opery pierwszej połowy XIX wieku. - monumentalne, romantyczne przedstawienia komponowane o tematyce historycznej.

Przebudzenie życia społecznego i politycznego Włoch, które nastąpiło po Wielkiej Rewolucji Francuskiej, spowodowało punkt zwrotny w rozwoju włoskiej sztuki narodowej – narodził się nowy kierunek w gatunku operowym. Jej założycielem był G. Rossini (1792-1868), który już w swoich pierwszych operach „Tancred” i „Włoch w Algierze” podjął próbę zreformowania opery. Rossini przekształcił nie tylko gatunek opery seria, dramatyzując ją i poszerzając środki wyrazu artystycznego, ale także operę buffa, wzbogacając jej treść realistyczną i zaostrzając rysy satyryczne.

Rossini sięgnął po dzieła Woltera, Szekspira, W. Scotta i Beaumarchais. Udało mu się rozwinąć i udoskonalić niemal wszystkie formy operowe - arie, zespoły, chóry, recytatywy. Wzbogacono część orkiestrową. Wprowadzając innowacje, Rossini rozwinął i zachował wiodącą tradycję włoskiej opery – wokalną melodyjność jej muzyki, ograniczając jednocześnie arbitralność solistów i nadużywanie koloratury. Arcydziełem opery buffa Rossiniego i całej światowej sztuki muzycznej jest „Cyrulik sewilski”, w którym znaczenie fabuły łączy się z żywą jasnością i ostrością cech.

Twórczość Rossiniego wpłynęła na rozwój francuskiej opery heroiczno-romantycznej.

We włoskiej sztuce muzycznej XIX wieku. kierunek romantyczny reprezentują dzieła V. Belliniego i G. Donizettiego. Są naśladowcami G. Rossiniego. Najlepszą operą V. Belliniego (1801-1835) jest „Norma”, która ucieleśniała marzenie kompozytora o wyzwoleniu ojczyzny. Istotne znaczenie polityczne ma także inna opera kompozytora – „Purytanie”.

Twórczość Belliniego wyróżnia głęboki liryzm, pasja i wyrazistość melodii. Cechuje go romantyczne uniesienie. Wniósł ogromny wkład w rozwój bel canto.

G. Donizetti (1797-1848) – autor wspaniałych oper, m.in. „Łucji z Lammermooru”, „Don Pasquale”, „Ulubieńca”, „Córki Pułku”, „Lindy z Chamounix”, „Elisir Miłości”, itp. Są pogodne, teatralne, pełne wyrazistych, łatwych do zapamiętania melodii, mają kontrastujące charaktery. Kompozytor tworzył w różnych gatunkach operowych (melodramat, opera historyczno-bohaterska, liryczno-dramatyczny, komiks, opera buffa). Opery Donizettiego oparte są na dziełach V. Hugo, W. Scotta i J. Byrona. Donizetti ma hojny dar melodii i jest mistrzem sztuki bel canto.

Idee romantyzmu znalazły odzwierciedlenie w twórczości węgierskiego kompozytora, pianisty i dyrygenta Franciszka Liszta (1811-1886). Stworzył oratorium „Symfonia Fausta”, 13 programowych poematów symfonicznych, 19 rapsodii, etiud, walców i innych dzieł muzycznych.

Przedstawicielem romantyzmu był polski kompozytor i pianista Fryderyk Chopin (1810-1849). Napisał dwa koncerty, trzy sonaty, cztery ballady, scherzo, szereg utworów improwizowanych, nokturny, etiudy, walce i pieśni.

3.3 Sztuki wizualne

Kompozytorzy ci są chlubą nie tylko kultury europejskiej, ale i światowej. Tendencje romantyczne dały o sobie znać także w malarstwie. Początek romantyzmu w malarstwie francuskim wiąże się z twórczością Theodore’a Gericaulta (1791-1824). Jednym z jego głównych dzieł jest płótno „Tratwa Meduzy”, przedstawiające ludzi rozbitków i zagubionych w oceanie. Obraz ten jest manifestem romantyzmu w malarstwie. Géricault był już wolny od wpływów klasycystycznych oraz podziału tematycznego i gatunkowego w wzniosłość i podłość. Artysta odnalazł więc w prawdziwym życiu coś heroicznego i znaczącego. A w nowej sztuce ucieleśnia wyjątkową intensywność akcji, która zburzyła równowagę kompozycji i sprawiła, że ​​rysunek stał się nierówny. Artysta odnajduje dla siebie ekspresja szybki rytm, intensywność kontrastów światłocienia, czemu sprzyja bogata malowniczość koloru.

Pod koniec życia Gericault wykonał wspaniałe portrety osób chorych psychicznie, które z realistyczną siłą odzwierciedlały ból danej osoby. Ponadto malował sceny codzienne i pejzaże („Epsom Derby”). Twórczość Géricaulta wywarła wpływ na realistów połowy XIX wieku.

Najbardziej niezwykłym zjawiskiem romantyzmu jest malarstwo Eugene'a Delacroix (1798-1863), który często malował płótna na podstawie poezji Byrona i stworzył szereg kompozycji historycznych. Arcydziełem jego twórczości jest obraz „Wolność prowadząca naród”, namalowany u szczytu wydarzeń rewolucyjnych 1830 r. i ucieleśniający buntowniczy patos charakterystyczny dla romantyzmu. Delacroix odrzucił dogmat akademicki, ale nie zmienił swojego pragnienia sztuki starożytnej. Obraz ten łączy w sobie cechy współczesnej paryżanki z klasycznym pięknem i potężną siłą Nike z Samotraki.

Od lat 20 XIX wiek Delacroix stał się uznanym liderem w tym kierunku. Broniąc nieograniczonej wolności twórczej, romantycy dążyli do intensywnie wyrazistego, ekscytującego przedstawienia natury. Namiętny temperament i niepohamowana wyobraźnia artysta wyraża się w pracach odtwarzających obrazy historii. Literatura Wschodu, klasyczna i współczesna. Są to „Algierskie kobiety” i najlepsze z jego dzieł historycznych – „Zdobycie Konstantynopola przez krzyżowców”.

Obraz „Masakra na Chios” przesiąknięty jest marzeniem o wolności, które przedstawia epizod walki narodu greckiego z jarzmem tureckim.

Delacroix uważany jest za twórcę malarstwa historycznego New Age.

Romantycy sprawili, że sztuka graficzna stała się bardziej powszechna i demokratyczna, tworząc nowe, elastyczne formy w litografii i drzeworycie książkowym.

Ze szkołą romantyczną kojarzona jest także twórczość największego rysownika graficznego Honore’a Daumiera (1808-1879). Uważany jest za wielkiego artystę, którego twórczość przypada na punkt zwrotny od epoki romantyzmu do rozkwitu realizmu w latach 40. i 70. XX wieku. XIX wiek Dzięki wprowadzeniu litografii do sztuki jego dzieła takie jak „Łono legislacyjne”, „Ulica Transnopen”, „Drukarz, który bronił wolności prasy” stały się bardzo powszechne.

Jego obrazy i akwarele „Burlak”, „Zupa”, „Samochód III klasy” są pełne głębokich, skupionych uczuć, poświęconych trudnemu życiu zwykłych ludzi, wielkości ich drogi życiowej („Ciężkie brzemię”) i czystości swojego wewnętrznego świata („Praczka”). Powszechne oburzenie budzi treść obrazu „Powstanie”.

Malarz Daumier odznaczał się monumentalną integralnością i ostrością percepcji, szybkością ekspresji i liryczną czułością.

4 Architektura

W architekturze XIX w. Romantyzm, jak już wspomniano, nie stworzył własnej szkoły, jednak w krajach uprzemysłowionych, zwłaszcza w Anglii, architektura przemysłowa zaczęła się szybko rozwijać. Zbudowany w latach 30-40-tych. dworce, mosty, fabryki przewidywały niekiedy rozwiązania charakterystyczne dla końca XIX wieku. Szybki rozwój miast doprowadził do konieczności rewitalizacji starych dzielnic oraz budowy nowych alei i arterii komunikacyjnych. Tak więc w 1853 roku rozpoczęła się przebudowa Paryża, zmieniając jego wygląd nie do poznania.

Historycy sztuki uważają, że romantyzm zakorzenił się w architekturze angielskiej, tworząc imponujący i imponujący styl neogotycki. Co więcej, w Anglii w stylu gotyckim budowano kościoły, budynki mieszkalne i budynki użyteczności publicznej.

W połowie XIX wieku. architekci C. Barry i O. Pugin zbudowali okazały zespół londyńskiego parlamentu, w skład którego wchodziła średniowieczna kaplica Henryka VII. Ten spektakularny i majestatyczny budynek nad brzegiem Tamizy stał się organiczną częścią angielskiej stolicy.

W 1861 roku wzniesiono w Londynie kolejną romantyczną budowlę – Pałac Kryształowy (główny pawilon Wystawy Światowej). Zbudowany z żelaza i szkła, stał się zwiastunem architektury XX wieku. Jednocześnie ażurowa konstrukcja pałacu nawiązywała do tak ukochanego w Anglii stylu gotyckiego. Autorem projektu Crystal Palace był ogrodnik J. Paxton, który wykorzystał swoje doświadczenie przy budowie szklarni. Ten Kryształowy Pałac wzbudził podziw nowatorskiego architekta XX wieku. Corbusiera, jednak w 1936 roku pałac spłonął.

Do powstania teatru postępowo-romantycznego we Francji przyczyniła się twórczość takich pisarzy postępowych, jak Stahl, Stendhal, Hugo i Merimee.

Szczytem dramaturgii jest dramat V. Hugo, w którym wyraźnie ujawniły się cechy postępowego romantyzmu (namiętny humanizm, potępienie klas rządzących, współczucie dla zwykłych ludzi, pragnienie prawdy historycznej, wysoka poezja). Jego najlepsze sztuki to „Marion de Lorme”, „Ernani”, „Król się bawi”, „Maria Tudor”, „Ruy Blas”.

Największy sukces odnieśli aktorzy Frederic Lemaitre, Pierre Bocage i Elisa Rachel (1821-1958), którzy wskrzesili tradycję klasycystyczną u szczytu romantyzmu, podkreślając motywy walki tyranów w tragediach wielkich klasyków. W czasach rewolucyjnych 1848 roku Rachel wykonała Marsyliankę, co było jej największym osiągnięciem aktorskim.

Na początku XIX wieku. Sztuki klasyczne i tłumaczone wystawiane były głównie na scenach Anglii. Wybitnym aktorem był E. Keene, przedstawiciel ruchu romantycznego, którego styl gry cechował się siłą i wolnością od krępujących norm klasycyzmu.

W Niemczech w pierwszej ćwierci XIX w. teatr rozwijał się w kierunku romantycznym. Pisarze romantyczni A.V. i F. Schlegeli, L. Tieck, G. Kleist, E.T.A. Hoffman podkreślał syntetyczny charakter sztuki teatralnej, zaprzeczał stylizacji, codzienności, rozpoznawał aktorów, których grę wyróżniała wewnętrzna prawda i temperament. Najlepszymi aktorami w tym czasie byli I. Fleck i L. Devrient. Swoją sztuką, wyrażającą protest przeciwko niesprawiedliwości społecznej, torowali drogę XIX-wiecznemu realizmowi. Wybitny niemiecki aktor lat 30. K. Seidelman stworzył potężne, ostro indywidualne postacie, dokonując prawdziwej transformacji.

Ogólnie rzecz biorąc, romantyzm przyczynił się do głębszej wiedzy filozoficznej, wieloaspektowego artystycznego uogólnienia procesu rozwoju człowieka i świata ze wszystkimi związanymi z nimi sprzecznościami. Wzbogacił kulturę o odwieczne wartości duchowe i wytyczył nowe ścieżki jej rozwoju.

Romantyzm zyskał szczególnie żywy wyraz w balecie. Balet romantyczny powstał we Francji na przełomie drugiej i trzeciej połowy XIX wieku. i rozprzestrzenił się po całej Europie. Wraz z ustanowieniem romantyzmu w przedstawieniach baletowych tancerz objął wiodącą pozycję, rozwinęła się technika skoków i powstała technika tańca na palcach (pointy), co otworzyło nowe możliwości wyrazu. Pierwszym, który zastosował taniec na pointach, był jeden z najsłynniejszych, najwybitniejszych przedstawicieli tego kierunku w balecie – włoska tancerka Maria Taglioni (1804-1884). Stworzyła wiele ról, m.in. tytułową rolę w Sylfidzie, wystawionej po raz pierwszy w Operze Paryskiej.

Tańce zespołowe wywodzą się z baletu romantycznego – formy tańca unisono corps de ballet, która będzie rozwijana przez cały XIX wiek. Zespół taneczny był masą tancerzy działających synchronicznie, tworzących symetryczne grupy i towarzyszących solistom tańca. Cechy te szczególnie wyraźnie ujawniły się w balecie „Giselle” kompozytora A. Adama, wystawionym w Paryżu w 1841 roku przez choreografów J. Perraulta i J. Corallę.

4. Realizm

W 19-stym wieku po raz pierwszy w historii ludzkości konstytuuje się globalny system gospodarczy, a najbardziej zróżnicowane warstwy rzeczywistości włączają się w sferę produkcji społecznej. W związku z tym temat sztuki rozszerza się: wciągane są w niego procesy społeczne (analiza socjologiczna), najsubtelniejsze niuanse ludzkiej psychologii (analiza psychologiczna), przyroda (pejzaż) i świat rzeczy (martwa natura), nabierając wartości estetycznej. Głębokim przemianom ulega także główny przedmiot sztuki – człowiek, którego powiązania społeczne nabierają uniwersalnego, prawdziwie globalnego charakteru. Wszystkie te zmiany dały początek nowemu typowi artystycznej koncepcji świata, ucieleśnionej w realizmie, który wyłonił się jako ruch w latach 30. i 40. XX wieku. XIX wiek

W świetle realistycznym zjawiska rzeczywistości jawią się w całej ich złożoności, wszechstronności i bogactwie właściwości estetycznych. Typizacja staje się zasadą uogólnienia. Prawdziwość szczegółów i przedstawienie typowych postaci działających w typowych okolicznościach to główne zasady realizmu. Realizm nie przeciwstawiał się romantyzmowi, był jego sojusznikiem w walce z idealizacją mieszczańskich stosunków społecznych, o narodową i historyczną oryginalność dzieł sztuki (smak miejsca i czasu). W połowie stulecia dominującym nurtem w kulturze europejskiej stał się realizm.

Realizm narodził się we Francji i Anglii w warunkach ustalonych stosunków kapitalistycznych. Społeczne sprzeczności i mankamenty ustroju kapitalistycznego zdeterminowały ostro krytyczny stosunek do niego pisarzy realistów. Potępiali karczowanie pieniędzy, rażącą nierówność, egoizm i hipokryzję. W swej ideologicznej celowości staje się realizmem krytycznym. Jednocześnie twórczość wielkich pisarzy realistycznych przesiąknięta jest ideami humanizmu i sprawiedliwości społecznej.

4.1 Literatura Francji

Przykład poezji realistycznej w XIX-wiecznej Francji. był poeta Pierre Jean de Beranger (1780-1857). Występował w czasach monarchii napoleońskiej, a w 1813 roku w pieśni „Król Iveto” potępiał militarne przygody Napoleona i jego politykę podatkową. Podczas Restauracji stał się prawdziwym poetą-wojownikiem. Jego zabawne piosenki z tego okresu wyśmiewały bogatych i odnoszących sukcesy mieszczan. Pieśń polityczna Berangera jest pełna demokracji i naznaczona żywym humorem narodowym.

Genialnym przedstawicielem realizmu krytycznego był Stendhal (właściwy Henri Bayle, 1783-1842). Pisarza podziwiali ludzie o aktywnym, silnym charakterze. Takich bohaterów widział wśród postaci renesansu („Kroniki włoskie”), u Szekspira, wśród współczesnych.

Jedną z najwybitniejszych powieści Stendhala jest „Czerwona i czarna” (1830). Bohaterem powieści jest Julien Sorel, żarliwy miłośnik epoki napoleońskiej, człowiek o wzniosłej i wrażliwej duszy, pragnący pokonać bezwładne środowisko społeczne. Tego jednak nie czyni, gdyż klasy panujące nie przyjęły go, z urodzenia plebejusza. W powieści „Klasztor w Parmie” pisarz potępia epokę reakcyjną, która z góry przesądziła o tragedii inteligentnych, utalentowanych, głęboko odczuwających ludzi.

Szczytem, ​​najwyższym punktem rozwoju realizmu zachodnioeuropejskiego jest dzieło Honore de Balzac (1799-1850). Według planu Balzaca jego główne dzieło, epopeja „Komedia ludzka”, miała składać się ze 143 ksiąg, odzwierciedlających wszystkie aspekty życia społeczeństwa francuskiego. Balzac poświęcił wszystkie swoje siły temu gigantycznemu dziełu, stworzył 90 powieści i opowiadań.

W tej epopei powieści łączy wspólna koncepcja i wiele postaci. Zawiera takie powieści jak „Nieznane arcydzieło”, „Shagreen Skin”, „Eugenie Grande”, „Père Goriot”, „Cesar Birotteau”, „Lost Illusions”, „Cousin Bette” i wiele innych. Epos jest realistycznym obrazem o ogromnym zasięgu, odzwierciedlającym moralność i sprzeczności życia społecznego Francji. Balzac obdarza swoich bohaterów inteligencją, talentem i silnym charakterem. Jego prace są głęboko dramatyczne, ukazują siłę „zasady pieniądza”, rozbijającej stare więzi patriarchalne i rodzinne, podsycającej płomienie egoistycznych namiętności.

Mistrzem opowiadania był Prosper Merimee (1803-1870), wybitny pisarz realista. Jego opowiadania są lakoniczne, surowe, eleganckie. Charakteryzują się silnymi i żywymi postaciami, integralną naturą zdolną do silnych uczuć - „Carmen” (która stała się podstawą opery Bizeta o tym samym tytule), „Columbo”, „Falcone”. Nawet w tych opowiadaniach, w których pisarz przedstawia romantycznych bohaterów i romantyczne sytuacje, akcja nie zostaje przeniesiona na płaszczyznę romantyczną, ale podawana jest realistyczna motywacja.

Merimee pisał także sztuki. Do wybitnych dzieł pisarza należy kronika „Żakeria”, przedstawiająca ruch chłopski w XIV wieku. Napisał jedyną wielką powieść „Kronika czasów Karola IX”, która opowiada o zmaganiach katolików z protestantami oraz wydarzeniach Nocy Św. Bartłomieja. Autor demaskuje fanatyczną nietolerancję.

W związku ze zmianą stanowiska politycznego burżuazji po rewolucji 1848 r. i odmową współpracy z klasą robotniczą, w literaturze francuskiej pojawia się nowy typ realizmu krytycznego - pisarze odmawiają tworzenia potężnych obrazów, a pojęcie typowości zostaje zredukowane do tego, co najpowszechniejsze, zwyczajne. Ogólnie rzecz biorąc, sztuka jest jeszcze bliższa życiu.

Największym przedstawicielem nowego etapu realizmu był Gustave Flaubert (1821-1880). Stosunek pisarza do warstw społecznych ludności był sprzeczny: przez całe życie nienawidził burżuazji, traktował masy z pogardą, a działalność polityczną uważał za bezcelową. Dlatego Flaubert wzywa artystę, aby „weszedł do wieży z kości słoniowej” i służył pięknu. Pomimo niemożności utrzymania tego stanowiska Flaubert przedstawił niezwykle krytyczny obraz burżuazyjnej wulgarności, nie pozostając z dala od walki społecznej. Jednym z wybitnych dzieł Flauberta jest powieść „Madame Bovary”. W centrum powieści znajduje się wizerunek kobiety ze środowiska mieszczańskiego. Wychowana na literaturze romantycznej, ginie w zderzeniu z mieszczańską rzeczywistością. Powieść „Edukacja uczuć” przedstawia moralność prowincji i Paryża, moralną znikomość burżuazji. Powieść ta rozwija wątek młodego człowieka, ospałego, bezwładnego, niezdolnego do czynnej aktywności. Powieści „Salambo”, „Legenda o św. Julianie Miłosiernym” i „Herodiada” powstały w oparciu o tematykę historyczną, w której z naukowym obiektywizmem przywrócono sytuację z odległych epok. Pisarz osiągnął niezwykłą dokładność w oddawaniu realistycznych szczegółów, głębię analizy psychologicznej ujawniał się w monologu wewnętrznym.

Orientacja antyburżuazyjna i wnikliwa analiza społeczna są także charakterystyczne dla Guya de Maupassanta (1850-1893). Jego najlepsze dzieła to powieści „Życie”, „Drogi przyjacielu”, „Mont-Ariol”, „Pierre i Jean”. Maupassant jest mistrzem opowiadania i opowiadania. Pisarz starał się przeciwstawić prawdzie naturalnych uczuć człowieka duchowej nędzy, chciwości burżuazyjnego właściciela i jego oszukańczej moralności.

2 Literatura Anglii

Szkockiego pisarza Waltera Scotta (1771-1832) zbliżyło do romantyków zainteresowanie średniowieczem. Na początku swojej kariery twórczej kolekcjonował szkocki folklor i pisał romantyczne wiersze. Jego realistyczna proza ​​przyniosła mu światową sławę.

Walter Scott jest twórcą gatunku powieści historycznej, łączącego w sobie tendencje romantyczne i realistyczne. Śmierć szkockiego klanu została przedstawiona przez pisarza w powieściach „Waverley” i „Rob Roy”. Powieści „Ivanhoe” i „Quentin Durward” malują obraz średniowiecznej Anglii i Francji. Powieści „Purytanie” i „Legenda Montrose” ukazują walkę klasową, która toczyła się w Anglii w XVII-XVIII wieku.

Twórczość W. Scotta charakteryzuje się szczególną kompozycją powieściową, z góry określoną poprzez uwypuklenie opisu życia, sposobu życia i zwyczajów samego ludu, a nie królów, generałów i szlachty. Jednocześnie, przedstawiając życie prywatne, pisarz odtwarza obraz wydarzeń historycznych.

Jednym z najwybitniejszych twórców literatury światowej jest Charles Dickens (1812-1870), twórca i lider realizmu krytycznego w literaturze angielskiej, wybitny satyryk i humorysta. Jego wczesne dzieło „Notatki klubu Pickwick” przedstawia wciąż patriarchalną Anglię. Śmiejąc się z dobroduszności, łatwowierności i naiwności swojego bohatera, Dickens współczuje mu, podkreślając jego bezinteresowność, uczciwość i wiarę w dobroć.

Kolejna powieść, Przygody Olivera Twista, przedstawia kapitalistyczne miasto ze slumsami i życiem biednych. Pisarz wierząc w triumf sprawiedliwości zmusza swojego bohatera do pokonania wszelkich przeszkód i osiągnięcia osobistego szczęścia.

Jednak dzieła Dickensa są pełne głębokiego dramatu. Pisarz podał całą galerię nosicieli zła społecznego, którymi są przedstawiciele klasy burżuazyjnej. To lichwiarz Ralph Nickleby, okrutny nauczyciel Oquirs, hipokryta Pecksniff, mizantrop Scrooge i kapitalista Bounderby. Największym osiągnięciem Dickensa jest wizerunek pana Dombeya (powieść Dombey i syn) – człowieka, dla którego umarły wszelkie uczucia, a jego samozadowolenie, głupota, egoizm i bezduszność wynikają z przynależności do świata właścicieli.

Takie cechy Dickensa, jak nie do wykorzenienia optymizm, bystry i bardzo narodowy humor, trzeźwe, realistyczne spojrzenie na życie - wszystko to czyni go największym pisarzem ludowym Anglii po Szekspirze.

Współczesny Dickensowi, William Thackeray (1811-1863), w swojej najlepszej powieści „Vanity Fair” obrazowo i w przenośni obnaża wady społeczeństwa burżuazyjnego. W tym społeczeństwie każdy odgrywa przypisaną mu rolę. Thackeray nie widzi pozytywnych bohaterów, ma tylko dwie kategorie postaci – zwodzicieli i oszukanych. Ale pisarz dąży do prawdy psychologicznej, unika charakterystycznej dla Dickensa groteski i przesady. Thackeray z pogardą traktuje burżuazyjno-szlachetną elitę społeczeństwa, ale jest obojętny na życie klas niższych. Jest pesymistą, sceptykiem.

Pod koniec XIX wieku. Realistyczny kierunek literatury angielskiej reprezentowała twórczość głównie trzech pisarzy, którzy zdobyli światową sławę: Johna Galsworthy'ego (1867-1933), George'a Bernarda Shawa (1856-1950), Herberta George'a Wellsa (1866-1946).

I tak D. Galsuori w trylogii „Saga Forsyte’ów” i „Współczesna komedia” dał epicki obraz moralności burżuazyjnej Anglii końca XIX i początku XX wieku. ukazanie destrukcyjnej roli zaborczości zarówno w życiu publicznym, jak i prywatnym. Pisał dramaty. Zajmował się dziennikarstwem, gdzie bronił zasad realizmu. Jednak w trylogii „Koniec rozdziału” pojawiły się tendencje konserwatywne.

D.B. Shaw to jeden z założycieli i pierwszych członków socjalistycznego „Towarzystwa Fabiańskiego”, twórca dyskusji dramatycznych, w centrum których zderzenie wrogich ideologii, bezkompromisowe rozwiązanie problemów społecznych i etycznych („Dom wdowca ”, „Zawód pani Warren”, „Wózek z jabłkami”). Metodę twórczą Shawa charakteryzuje paradoks jako środek obalenia dogmatyzmu i uprzedzeń (Androkles i lew, Pigmalion), tradycyjnych idei (sztuki historyczne Cezar i Kleopatra, Święta Joanna).

Jego sztuki łączą w sobie komedię z aspektami politycznymi, filozoficznymi i polemicznymi, a ich celem jest oddziaływanie na świadomość społeczną i emocje widza. Bernard Shaw – laureat Nagrody Nobla w 1925 r. Był jednym z tych, którzy z radością powitali Rewolucję Październikową.

Shaw napisał ponad 50 sztuk teatralnych i jako dowcipny człowiek stał się tematem rozmów w całym mieście. Jego dzieła są pełne aforyzmów i przesiąknięte mądrymi myślami. Oto jeden z nich:

W życiu zdarzają się dwie tragedie. Jednym z nich jest sytuacja, gdy nie możesz osiągnąć tego, czego chcesz całym sercem. Po drugie, kiedy to osiągniesz.

G.D. Wells to klasyka literatury science fiction. W powieściach „Wehikuł czasu”, „Niewidzialny człowiek”, „Wojna światów” pisarz oparł się na najnowszych koncepcjach naukowych. Pisarz łączy problemy, przed którymi staje człowiek w związku z postępem naukowym i technologicznym, ze społecznymi i moralnymi prognozami rozwoju społeczeństwa:

Historia ludzkości w coraz większym stopniu staje się rywalizacją pomiędzy edukacją a katastrofą.

3 Literatura krajów skandynawskich

W ostatniej tercji XIX w. Literatura krajów skandynawskich zyskuje światowy oddźwięk. Są to przede wszystkim dzieła pisarzy norweskich Henrika Ibsena (1828-1906), Bjornstjorna Martiniusa Bjornsona (1832-1910), Knuta Hamsuna (1859-1952).

W swoich ostro satyrycznych dramatach „Dom lalki” („Nora”), „Duchy”, „Wróg ludu” G. Ibsen wzywał do wyzwolenia ludzkiej osobowości od obłudnej moralności burżuazyjnej. Jego dzieła stanowią jedno z najwyższych osiągnięć realistycznego dramatu zachodnioeuropejskiego.

Założycielem norweskiego dramatu i realizmu krytycznego jest B.M. Bjornsona (laureata Nagrody Nobla 1903). Swoje społecznie krytyczne poglądy odzwierciedlał w dramatach „Upadłość”, „Poza naszą siłą” oraz w poezji.

K. Hamsun jest autorem powieści psychologicznych „Głód”, „Tajemnice”, „Victoria”, które przedstawiają bunt jednostki przeciwko środowisku filistyńskiemu. Praca rolnika została przez niego gloryfikowana w sztuce „Soki ziemi”, za którą Hamsun otrzymał w 1920 roku Nagrodę Nobla. Nienawiść Hamsuna do systemu kapitalistycznego doprowadziła do jego fascynacji ideami nazistowskimi. Spektakl „U bram królestwa” odzwierciedla tendencje antydemokratyczne. Został skazany za współpracę z nazistami podczas II wojny światowej.

4 Sztuka muzyczna

We Włoszech w XIX w. W warunkach reakcji politycznej opera okazała się najpopularniejszym i demokratycznym gatunkiem sztuki teatralnej. Szczyt realizmu w muzycznej sztuce operowej XIX wieku. - twórczość wielkiego włoskiego kompozytora Giuseppe Verdiego (1813-1901), ściśle związanego z włoskim ruchem wyzwoleńczym („Nabucco”, „Lombardowie w pierwszej krucjacie”). W takich dziełach operowych jak Ernani, Makbet i Bitwa pod Legnano wyraża się protest przeciwko wszelkiej przemocy i uciskowi. Przedstawieniom oper Verdiego, przepojonych ideami walki o wyzwolenie i zjednoczenie Włoch, towarzyszyły burzliwe demonstracje patriotyczne.

Problematyka nierówności społecznych jest treścią oper Verdiego „Luisa Miller”, „Rigoletto”, „Il Trovatore”, „La Traviata”, które wyrażają liryczną stronę twórczości wielkiego mistrza. Temat bohatersko-historyczny jest realistycznie ucieleśniony w operach „Nieszpory sycylijskie”, „Ballo in Masquerade”, „Siła przeznaczenia”, „Don Carlos”.

Arcydziełami realizmu operowego są opery Verdiego Aida, Otello i Falstaff. Są to dramaty muzyczne z ciągłym rozwojem akcji. Sceny są konstruowane swobodnie, z elastycznym przejściem od recytatywu do monologu, od solówki do zespołu. Ważne miejsce zajmuje orkiestra. Verdi w swojej twórczości łączy w sobie muzykę z dramatyczną akcją. Demokracja i głębokie człowieczeństwo twórczości Verdiego przyniosły mu wielką popularność. Jego opery stale znajdują się w repertuarze oper na całym świecie.

Opery włoskie wprowadziły w życie nowe zasady wykonawstwa wokalnego i scenicznego: dramatyczną ekspresję śpiewu, umiejętności aktorskie śpiewaka, historyczną dokładność scenografii i kostiumów. Wybitnymi wokalistami, przedstawicielami bel canto o światowej sławie byli śpiewacy A. Patti, G. Pasta, I. Colbran i inni, śpiewacy M. Battistini, F. Galli i inni.

W tym samym okresie w operze pojawił się nowy kierunek - weryzm (włoski verismo, od vero - prawdziwy, prawdziwy). Jej przedstawicielami są kompozytorzy R. Leoncavallo (1857-1919), P. Mascagni (1863-1945), W. Giordano (1867-1948), G. Puccini (1858-1924). Dzieła tych mistrzów oparte są na realistycznych historiach; prawdziwe odzwierciedlenie duchowego świata zwykłych ludzi; muzyka ekspresyjna emocjonalnie, brak wysokiej idei społecznej. Rozwinął się także pewien styl wykonawczy - przesadna ekspresja, napięcie sentymentalne, ostry dramat. Do najlepszych dzieł tego kierunku zalicza się „Honor wiejski” Mascagniego i „Pagliacci” Leoncavallo. Dzięki głębi psychologicznej twórczość G. Pucciniego, który napisał „Cyganerię”, „Toscę”, „Cio-chio-san”, przekracza granice weryzmu.

We Francji rozwinęła się opera liryczna, różniąca się od wielkiej opery bardziej intymną tematyką i fabułą zapożyczoną z literatury klasycznej. Są to opery „Manon” i „Werther” J. Masseneta, „Faust” i „Romeo i Julia” C. Gounoda, „Hamlet” A. Thomasa i in.. Powstały opery liryczne o egzotycznej tematyce orientalnej. Są to „Lakmé” L. Delibesa, „Poławiacze pereł” i „Djamile” J. Bizeta, „Samson i Dolila” C. Saint-Saensa. Opery liryczne wiernie i subtelnie ucieleśniają ludzkie doświadczenia. Przedstawienie życia codziennego charakteryzuje się poezją. Język muzyczny tych oper jest demokratyczny i bliski folklorowi miejskiemu.

Opera J. Bizeta „Carmen” uznawana jest za szczyt realizmu opery francuskiej. Twórczość Bizeta cechuje wyrafinowanie form i klarowność przekazu. Bohaterami opery są prości ludzie o silnych i sprzecznych charakterach. Ta opera ucieleśnia hiszpański narodowy smak muzyczny. Zawiera intensywny przebieg wydarzeń dramatycznych i różnorodnych scen ludowych. To jedna z najpopularniejszych oper na świecie. LICZBA PI. Czajkowski uznał to za „arcydzieło w pełnym tego słowa znaczeniu”.

Połowa XIX wieku stał się czasem narodzin nowego gatunku muzycznego – operetki – opery lekkiej, obejmującej zarówno taniec, jak i dialog (wywodzący się z opery komicznej). Ojczyzną operetki jest Francja, a jej założycielami są kompozytorzy F. Herve i J. Offenbach.

Kompozytor, organista, śpiewak, librecista F. Herve (1825-1892) w wielu dziełach parodiował tradycyjne formy operowe. Napisał operetki „Mały Faust” i „Mademoiselle Nitouche”.

Kompozytor, dyrygent, wiolonczelista J. Offenbach (1819-1880) przyniósł światową sławę operetkom „Orfeusz w piekle”, „Piękna Helena”, „Życie paryskie”, „Pericola” itp. Wiele z nich to parodia mieszczańskiego -społeczeństwo arystokratyczne. Muzyka Offenbacha jest elegancka, wyróżnia się zabawną i pikantną melodią: ognistymi tanecznymi rytmami. Opera „Opowieści Hoffmanna” przesiąknięta jest liryzmem i romantyzmem. Twórczość Offenbacha zadecydowała o dalszym rozwoju nie tylko francuskiej operetki, ale także ukształtowaniu się tego gatunku w innych krajach.

Operetki francuskich kompozytorów „Córka Madame Ango”, „Girofle-Girofle” C. Lecoqa i „Dzwony Corneville” R. Plunketa cieszą się nadal popularnością w wielu krajach.

W Austrii na początku XIX w. Wraz z Wiedniem Salzburg, Seisenstadt, Esterhasa i inne stały się centrami muzycznymi.W 1869 roku otwarto Wiedeńską Operę Dworską, teatr ten stał się wiodącym teatrem muzycznym w kraju. W jego repertuarze dominowały opery francuskie i włoskie. W ostatniej tercji XIX w. Rozwinęła się operetka wiedeńska. Jej założyciele:

F. Suppe (1819-1895), autor „Pięknej Galatei”, „Boccaccio” i jednej ze swoich najlepszych operetek – „Donna Juanita”; I. Strauss (syn) (1825-1849) - jego najlepsze dzieła „Baron cygański”, „Nietoperz” itp. Głównym kompozytorem tego gatunku jest K. Milleker (1842-1899) - autor operetek „The Bat” Uczeń żebrak”, „Gasparon”, „Biedny Jonathan”.

W twórczości tych kompozytorów szeroko wykorzystuje się melodie ludowe, rytmy taneczne, a operetki wyróżniają się melodią.

Walce wiedeńskie („Błękitny Dunaj”, „Opowieści Lasu Wiedeńskiego” i in.) przyniosły także I. Straussowi światową sławę, dzięki której zyskał miano „Króla Walców”.

W gatunku operetkowym działał także K. Zeller (1842-1898), autor operetek „Sprzedawca ptaków” i „Martin Górnik”.

Pomimo tego, że dla twórczości angielskich kompozytorów XIX wieku. Ogólnie rzecz biorąc, kultura operowa w Anglii, charakteryzująca się brakiem jasno określonego charakteru narodowego, rozwijała się szybko. Covent Garden Theatre był największym teatrem w Anglii i gościł w nim występy włoskiej Opery Królewskiej.

W 1856 roku powstała Królewska Opera Angielska. Pod koniec XIX wieku. Rozpoczął się okres, który przeszedł do historii pod nazwą angielskiego renesansu muzycznego – wzrasta zainteresowanie kompozytorów tematyką narodową.

W latach 60. i 70. na scenach teatrów angielskich wystawiano operetki francuskie, później pojawiła się operetka angielska. Twórcą narodowej operetki angielskiej jest kompozytor A. Sullivan (1842-1900). We współpracy z W. Gilbertem napisał operetki „Fartusz”, „Piraci z Penzas”, „Mikado”, „Cierpliwość” i inne.

5 Sztuk pięknych

W tego typu sztuce główną cechą realizmu jest zrozumienie społecznego charakteru człowieka. Jednak w malarstwie realizm jest bliżej kojarzony ze środkami wizualnymi, które tworzą iluzję wizualnej autentyczności niż w literaturze.

Nurt realistyczny w malarstwie francuskim ugruntował swoją pozycję w połowie XIX wieku. po rewolucji 1848 r. Nigdy w historii sztuki francuskiej walka między dwoma obozami, dwiema zasadniczo przeciwstawnymi kulturami artystycznymi nie była tak intensywna jak w tym okresie. Najlepsze cechy Francuzów i ich zaawansowanej sztuki ucieleśniali tacy artyści jak Millet, Courbet, Manet i Carnot. Nie pozwolono im uczestniczyć w wystawach i byli prześladowani w gazetach i czasopismach. Sprzeciwiały się im masy handlarzy dziełami sztuki, ulubieńcy Napoleona III i cała reakcyjna burżuazja Drugiego Cesarstwa.

J.F. Millet (1814-1875) w swoich epicko monumentalnych obrazach pełnych prawdy życiowej ukazywał chłopstwo francuskie, jego pracę, siłę moralną („Zbieracze uszu”, „Angelus”).

Gustave Courbet (1819-1877) w „Kruszarni kamienia” i „Dziewistach” pokazał spokojną i pewną godność ludzi pracy, a w „Pogrzebie w Ornans” – znaczenie życia codziennego, choć zaczynał od romantycznie podekscytowanych obrazów („Portret Chopina”). Jego twórczość to walka o idee demokratyczne, zasady realizmu, sztukę prawdziwą, bliskość sztuki do życia. Prace Courbeta wyróżniają się statycznymi formami i bogatą kolorystyką. Jako pierwszy użył słowa „realizm” w odniesieniu do malarstwa. Courbet nadał scenom rodzajowym monumentalne znaczenie, które wcześniej było dozwolone jedynie w malarstwie historycznym.

Millet i Courbet stali się prekursorami impresjonizmu.

Dzieła Edouarda Maneta (1832-1883) poświęcone są Paryżowi. Jest jednym z najwybitniejszych kolorystów w świecie sztuki. Na jego obrazach z niesamowitą czujnością i świeżością przekazywana jest prawdziwa charakterystyka wszelkiego rodzaju mieszkańców Paryża („Śniadanie w studiu”, „Czytanie”, „W łodzi”, „Nana”), które do dziś przekazują pojawienie się ówczesnej Francji. Choć Manet w swoich pierwszych obrazach próbował na nowo przemyśleć wizerunki i tematykę dawnych mistrzów w duchu nowoczesności („Obiad na trawie”, „Olimpia”), to zaczął tworzyć obrazy o tematyce codziennej, historycznej i rewolucyjnej. Najsilniejszą kartą w historii francuskiego realizmu krytycznego jest jego ostatni obraz „Bar w Folies Bergere” opowiadający o samotności ludzkiej egzystencji. Przewidując impresjonizm, zwrócił się ku lekkiemu malarstwu plenerowemu („Argenteuil”).

Malarstwo angielskie rozkwitło w XIX wieku. przez pierwszą trzecią stulecia. Jest to związane z rozwojem genialnego malarstwa pejzażowego.

Jednym z najoryginalniejszych artystów swoich czasów był William Turner (1775-1851). Dużo podróżował po Europie, a jego krajobrazy nabrały romantycznego akcentu („Wrak statku”). Odważne w kolorze i świetle poszukiwania, ze zniekształconą skalą obiektów, jego obrazy są niejako poprzednikami impresjonizmu („Deszcz, para i prędkość”). Zasłynął także jako malarz historyczny, tworząc pejzaże ze scenami mitologicznymi lub historycznymi („Ogród Hesperyd”, „Dydona budująca Kartaginę” itp.).

Twórczość Johna Constable'a (1776-1837), jednego z najwybitniejszych artystów angielskich, była głęboko realistyczna. Jego sztuka jest prawdziwa, demokratyczna, nawiązuje do humanistycznego liryzmu natury. Jako pierwszy wprowadził użycie malarzy XIX wieku. szkice. Poranna rosa, południowy upał, wilgotna zielona trawa, najsubtelniejsza harmonia jesiennych odcieni, promienna świeżość lata – wszystko to poetycko odbija się w jego pejzażach. Przedstawia gliniaste zbocza, porośnięte wrzosami nieużytki, zgniłe kłody, pniaki na zacienionym brzegu rzeki, wodne łąki i chmurę unoszącą się wysoko na niebie. Artysta gloryfikował człowieka i jego twórczość.

Do jego najlepszych dzieł należą: „Wóz z sianem przejeżdżający przez brod”, „Skaczący koń”, „Pole zboża”, „Zatoka Weymouth” itp. J. Constable odegrał ważną rolę w rozwoju europejskiego malarstwa plenerowego.

6 Dzieła F. Goi

Po śmierci Velazqueza w 1660 roku sztuka hiszpańska przez sto lat znajdowała się w stanie głębokiego upadku. I dopiero pod koniec XVIII - na początku XIX wieku. zacofana Hiszpania nieoczekiwanie wydała na świat genialnego artystę, który stał się nie tylko jednym z najwybitniejszych malarzy i grafików w Hiszpanii, ale także wywarł głęboki wpływ na całą sztukę europejską XIX i XX wieku – Francisco Goya (1746-1828). Stworzył ogromną liczbę pięknych fresków, obrazów, rycin, litografii i rysunków.

Artysta zaczynał od wielobarwnych i odświętnych szkiców dla Królewskiej Manufaktury Gobelinów w latach 90-tych. XVIII wiek stał się artystą ekspresyjnym, głęboko tragicznym. Na początku XIX wieku. Goya doszedł do wyraźnej i jasnej świadomości swoich sympatii i antypatii społecznych oraz do głębokiego sformułowania filozoficznych zagadnień walki dobra ze złem. Bezwarunkowo stanął po stronie ludu, który walczył z interwencją napoleońską („Rozstrzelanie rebeliantów”, cykl rycin „Katastrofy wojenne”). W tych latach stworzył inspirujące realistyczne dzieła gloryfikujące naród hiszpański („Kuźnia”, „Dziewczyna z dzbanem”). Goya malował obrazy pełne złej, oskarżycielskiej ironii („Rodzina króla Karola IV”) i gloryfikujące urodę, zdrowie i siłę moralną narodu hiszpańskiego („Kobieta w żółtej chustce”, „Maja ubrana”, „Maja naga „). Wspaniały portret „Isabel Cobos de Porcel” przedstawia kobietę pełną ognia, wewnętrznej siły, niezależności i poczucia wysokiej godności. To nie tylko klasyczny narodowy typ hiszpańskiej urody, ale także głęboko indywidualny charakter.

Twórczość Goi przepojona jest prawdziwie narodowym duchem, ale jednocześnie różni się od dzieł jego współczesnych. Jego prace inspirujące przedstawiają swoje czasy, często odwołując się do alegorii lub złożonych fantastycznych obrazów. Stworzył słynną serię rycin „Caprichos” (czyli kaprys, grę fantazji) - na 80 arkuszach przed widzem ukazuje się straszny świat potworów i dziwaków. Ostra satyra społeczna artysty skierowana jest przeciwko bezprawiu, przesądom, ignorancji i głupocie. Ryciny te zawierają oskarżenie pod adresem Kościoła, szlachty i władców. Artystyczny język „Caprichos” w przewrotny sposób łączył groteskę z rzeczywistością, ostrą satyrę i wnikliwą analizę rzeczywistości.

W okresie ugruntowania się realizmu w sztuce teatralnej Francji zaczął się rozwijać realizm krytyczny i zaczęto przezwyciężać upodobanie romantyków do ukazywania jedynie wyjątkowych osobowości. Aktor Frederic Lemaitre stworzył typ społeczny, który w postrzeganiu współczesnych stał się symbolem burżuazyjnej monarchii lipcowej.

W przededniu rewolucji 1848 roku ponownie rozległ się temat heroiczny, który, jak zauważyła, w jej twórczości podjęła wielka tragiczna aktorka Eliza Rachel. Jednak po rewolucji repertuar teatralny ponownie doznał regresu, nasiliły się tendencje opiekuńcze, burżuazyjno-apologetyczne.

W czasach Komuny Paryskiej rząd próbował przekształcić teatr w środek edukacji publicznej, jednak po jego klęsce teatr francuski uległ ideologicznemu zubożeniu. A w twórczości czołowych aktorów tragicznych teatru Comedie Française zaczęły dominować cechy akademickie. Wybitna francuska aktorka Sarah Bernhardt (1844-1923) zadebiutowała w Comedie Française w 1862 roku. W jej repertuarze znalazły się role tragicznych bohaterek z repertuaru klasycznego i współczesnego: Fedry, Andromachy (sztuki Racine’a), Zairy (sztuka Woltera ), Desdemona, Doña Salt (Hernani autorstwa Hugo). Jedną z najlepszych ról aktorki jest Margarita Gautier w sztuce „Dama kameliowa” A. Dumasa syna. Twórczość Bernarda była przykładem doskonałości technicznej, miała piękny głos, wyrafinowaną dykcję i plastyczność.

Na początku XIX wieku. Sztuka klasycystyczna przygotowała powstanie włoskiego stylu tragicznego, rozwiniętego na kanwie rewolucyjnego repertuaru romantycznego i szekspirowskiego. Romantyczny bohater teatru włoskiego przepełniony był obywatelskim obowiązkiem i chęcią bezinteresownej służby ojczyźnie. Znani tragikowie to aktorzy E. Rossi, T. Salvini (1820-1915), aktorka A. Ristori. Główną cechą tego kierunku włoskiej szkoły scenicznej jest tworzenie silnych postaci o silnej woli i autentyczności psychologicznej. Talent tych aktorów ujawnił się ze szczególną siłą w sztukach Szekspira. Sztuka tych aktorów w rozwoju teatru zachodnioeuropejskiego obejmowała całą epokę.

W 1843 roku w Anglii zniesiono monopol teatrów Drury Lane i Covent Garden. Dzięki temu wszystkie inne teatry mogły wystawiać sztuki dowolnego gatunku. W Londynie zbudowano kilka nowych budynków teatralnych.

Pod koniec XIX wieku. Europejska dramaturgia realistyczna, w szczególności dramaturgia Ibsena, ma znaczący wpływ na teatr angielski. Dramaturgię B. Shawa, D. Galsworthy'ego, G. Ibsena promowały nowy „Teatr Niezależny”, „Teatr Nowego Wieku”, „Towarzystwo Teatru Literackiego”, „Old Vic” itp.

W podzielonych politycznie Niemczech życie teatralne skupiało się w małych miasteczkach, w których teatry dworskie wykonywały repertuar klasyczny.

Zniesienie monopoli teatrów dworskich w 1869 r. doprowadziło do powstania wielu teatrów komercyjnych i obniżenia poziomu artystycznego repertuaru. Walka o powstanie spektakli jako dzieła jednoscenicznego rozpoczęła się w Teatrze Meiningen, który w 1871 roku stał się teatrem miejskim. Najwięksi aktorzy w Niemczech połowy i końca XIX wieku. byli B. Davison, A. Mashkovsky, E. Possart.

Wielcy tragikowie I. Kainz i A. Zorma błyszczeli w sztukach G. Ibsena i G. Hauptmanna.

Na przełomie wieków Berlin stał się centrum teatralnym Niemiec. W 1883 r. otwarto Teatr Niemiecki, w 1889 r. Teatr Wolny, który propagował dramaturgię Ibsena, Hauptmanna, E. Zoli, L. Tołstoja.

Na początku XIX wieku. Życie teatralne Austrii naznaczone było wielkim twórczym rozkwitem teatrów przedmieść, co wiązało się z działalnością dramaturga F. Raymonda i aktora I.N. Nestroja. Jednak po rewolucji 1848 roku teatry te utraciły swój demokratyczny charakter, a w ich repertuarze dominowały sztuki rozrywkowe.

W drugiej połowie XIX w. Teatr Burg zajmował czołowe miejsce w życiu teatralnym Austrii. Jej dyrektor G. Laube ustanowił na scenie klasykę. W latach 70-80. Teatr kierowany był przez F. Dilgenstedta, który wystawił cykl tragedii szekspirowskich, sztuki Ibsena, Gogola, Turgieniewa, L. Tołstoja.

Kolebką współczesnego baletu europejskiego są Włochy. Balet włoski opierał się na tradycjach starożytnej pantomimy i tańca oraz bogatej kulturze tańca ludowego. Na przełomie XVIII-XIX w. Rozpoczął się nowy etap w rozwoju włoskiego baletu, zbiegający się z okresem walki wyzwoleńczej narodu włoskiego. Spektakle powstały w oparciu o zasadę efektywnego baletu, bogatego w dramaturgię, dynamikę i ekspresję. Balety takie wystawiali G. Joey i S. Vigano, występowali w nich tancerze pantomimy.

Za największy ośrodek sztuki baletowej w Europie uznawano teatr La Scala, w 1813 roku przy teatrze utworzono szkołę baletową.

W drugiej połowie XIX w. we Włoszech, podobnie jak w innych krajach Europy Zachodniej, nastąpił upadek sztuki baletowej. W tym czasie ukształtował się wirtuozowski styl wykonawstwa. Uwaga skupiona jest na pokonywaniu trudności technicznych, a wyrazistość dramatyczna schodzi na dalszy plan. W latach 80-tych XIX wieku. Wystawiane były przede wszystkim przedstawienia urzekające, nacechowane natrętnością i z reguły pozbawione treści ideowych. Jednak absolwenci szkoły baletowej La Scala pod koniec stulecia, C. Brianza, P. Legnani, V. Zucchi, zasłynęli nie tylko najwyższą techniką, ale także wybitnym talentem dramatycznym. To Pierina Legnani jako pierwsza na świecie wykonała 32 fouetté. Uczeń szkoły La Scala, E. Cecchetti, stał się sławnym tancerzem-nauczycielem, z którym później doskonaliła swoje umiejętności taneczne niezrównana Anna Pavlova.

5. Nowe kierunki w kulturze zachodnioeuropejskiej końca XIX wieku.

W drugiej połowie XIX w. W Europie Zachodniej Francja staje się centrum kulturalnym, ustanawia się demokracja burżuazyjna i pojawiają się pierwsze cechy kształtującej się świadomości masowej. Koncentracji mieszkańców miast towarzyszy dynamizacja życia związana z rozwojem przemysłu, transportu, komunikacji, przyspieszeniem tempa ewolucji społecznej i postępem naukowym.

Przepływ informacji gwałtownie wzrósł, co skłoniło do podjęcia prób stworzenia globalnego systemu informacyjnego. Nie było jeszcze radia ani telewizji, ale telegraf elektryczny przybliżał już odległe zakątki globu, a rosnący nakład gazet przyczynił się do szerszego rozpowszechniania informacji.

Nauki społeczne i humanistyczne zmuszone były uwzględnić czynnik masy. Dystrybucja i konsumpcja dzieł sztuki od połowy XIX wieku. Wyróżnia się przede wszystkim gwałtownie postępującą demokratyzacją. Literatura zajmuje czołowe miejsce, rozwija się wydawnictwo, pojawia się wiele nowych czasopism o niespotykanych dotąd nakładach.

Już w poprzedniej epoce nastąpiło zróżnicowanie funkcji w działalności twórczej: oprócz artystów powstał specjalny korpus pośredników – wydawców, handlarzy dziełami sztuki, przedsiębiorców itp. Motorem dystrybucji dzieł sztuki stało się zainteresowanie komercyjne. Przedsiębiorca starał się zadowolić wszystkie gusta, dlatego zachęcano do tworzenia produktów niskiej jakości i pseudoartystycznych. Było to w XIX wieku. kultura masowa zaczyna się ze wszystkimi swoimi sprzecznościami i wadami.

Wychodząc od realizmu i romantyzmu, wyłaniają się nowe teorie artystyczne i estetyczne, które cieszą się coraz mniejszą lub większą popularnością. Następcą niektórych tradycji romantycznych było powstałe w Anglii w 1842 roku „Bractwo Prerafaelitów” – stowarzyszenie poetów i artystów: poety i malarza D.P. Rosseti (1828-1882), poetka K. Rosseti (1830-1879), malarze Des.E. Millais (1842-1896) i E. Burne-Jones (1821-1878), artysta, projektant, pisarz W. Morris (1834-1896). Prerafaelici łączyli odrzucenie współczesnej cywilizacji z idealizacją średniowiecza i wczesnego renesansu oraz żądaniami estetyzacji życia. Dążyli do ożywienia „naiwnej religijności” w sztuce. Idee prerafaelitów w dużym stopniu wpłynęły później na rozwój symboliki w literaturze angielskiej (O. Wilde), stylu secesyjnego w sztukach pięknych i dekoracyjnych.

1 Symbolizm

Jako nowy kierunek w sztuce symbolika pojawiła się w Europie na przełomie XIX i XX wieku. Do najwybitniejszych przedstawicieli symboliki francuskiej należeli poeci Paul Verlaine (1844–1896), Stéphane Mallarmé (1842–1898), Arthur Rimbaud (1854–1891) i inni.

P. Verlaine (zbiory wierszy „Wielkie uroczystości”, „Romanse bez słów”, „Mądrość”) wprowadził do poezji lirycznej złożony świat uczuć i przeżyć, nadając wierszowi subtelną muzykalność.

Twórczość O. Mallarmégo charakteryzuje się skomplikowaną składnią, inwersjami i chęcią przekazania tego, co „nadzmysłowe”. Widać to wyraźnie we fragmentach dramatycznych „Herodiady” i zbiorze „Wiersze”.

Jedną z głównych postaci poezji francuskiej jest A. Rimbaud, autor tomików poezji i prozy „Przez piekło” i „Iluminacja”, przesiąkniętych nielogicznością, „pękniętymi” myślami, antymieszczaństwem i proroczym patosem:

Sam poeta naraża się na podatność – poprzez długie, wyczerpujące i starannie przemyślane zaburzenie wszystkich zmysłów.

Symbolika rozpowszechniła się w innych krajach: w Niemczech - w twórczości Stefana George'a (1868-1933), w Austrii - Hugo Hofmannsthal (1874-1923) i Rainer Maria Rilke (1875-1926), w Belgii - Maurice Maeterlinck (1862- 1949)), Georgesa Rodenbacha (1855-1898).

S. Gheorghe bronił kultu „czystej sztuki” i jej mesjańskiej roli w zbiorach „Siódmy pierścień” i „Gwiazda Unii”. Był pod wpływem F. Nietzschego (zbiór „Nowe Królestwo”).

Teksty i dramaturgia G. Hofmannsthala („Każdy człowiek”) są przesiąknięte symboliką.

Motywem przewodnim twórczości Rilkego jest pragnienie przezwyciężenia samotności poprzez miłość do ludzi i zjednoczenie się z naturą. Jego prace („Księga obrazów”, „Księga godzin”) łączą filozoficzną symbolikę, muzykalność i plastyczność. Powieść pamiętnikowa „Notatki Malte Laurids Brigge” antycypuje prozę egzystencjalistyczną.

Swój protest przeciwko przyziemności naturalizmu wyraził M. Maeterlinck w swojej poetyce symbolistycznej. Jest autorem sztuk „Siostra Beatrice”, „Monna Vanna”, „Blue Bird”. Maeterlincka – laureata Nagrody Nobla z 1911 r

Twórczość największego poety symbolistycznego J. Rodenbacha, autora powieści symbolistycznych „Martwa Brugia” i „Dzwonnik”, ma charakter religijno-mistyczny.

Symboliści, skupiając swoją uwagę na wyrazie artystycznym poprzez symbolikę „rzeczy samych w sobie” i idei wykraczających poza ludzką percepcję zmysłową, starali się przebić rzeczywistość widzialną do „rzeczywistości ukrytych”, ponadczasowej idealnej esencji świata, jego „niezniszczalności” uroda. Tutaj wyraźnie ujawniły się już wiodące nurty sztuki współczesnej - tęsknota za duchową wolnością, tragiczna zapowiedź katastrof społecznych, nieufność do odwiecznych wartości kulturowych i duchowych, mistycyzm.

Bolesny upadek cywilizacji jest rzeczą oczywistą, bezdyskusyjną dla wybitnego francuskiego poety Charlesa Baudelaire'a (1821-1867). Jest zwiastunem francuskiej symboliki. Jego główna książka otrzymała tytuł prowokacyjny, ale doskonale korespondujący ze skondensowaną tragiczną wizją świata – „Kwiaty Zła”. To nienawiść do świata burżuazyjnego, anarchiczny bunt, tęsknota za harmonią. Poeta łączy te uczucia z uznaniem nieprzezwyciężalności zła:

Prawdziwi podróżnicy to ci, którzy wyruszają w podróż, zostawiając przeszłość za sobą.

2 Naturalizm

W tradycji realistycznej następuje charakterystyczna dla końca XIX w. przemiana – degeneracja realizmu w naturalizm.

Zwolennicy tego kierunku wywodzili się z idei całkowitego zdeterminowania losu, woli i świata duchowego człowieka przez środowisko społeczne, życie codzienne, dziedziczność i fizjologię. W latach 80-tych XIX wieku. naturalizm staje się wpływowym ruchem w literaturze francuskiej. Najwybitniejszym przedstawicielem i teoretykiem tego ruchu jest Emile Zola (1840-1902). W swoim głównym dziele - dwudziestotomowej serii powieści „Rugon-Macquart” Zola namalował szeroką panoramę społeczeństwa francuskiego, obejmującą życie wszystkich warstw ludności kraju. W swoich najlepszych powieściach: „Brzuch Paryża”, „Pułapka”, „Germinal”, „Pieniądze” i „Klęska” pisarz z wielką realistyczną siłą przedstawił sprzeczności społeczne. Jednak koncepcja praw społecznych jako praw biologicznych ograniczała jego realizm.

Innymi znanymi przedstawicielami naturalizmu w literaturze byli: francuscy bracia Edmond (1822-1896) i Jules (1830-1876) Goncourt, Niemcy Arnaud Holtz (1863-1929), Gerhart Hauptmann (1862-1946), Belg Camille Lemonnier ( 1844-1919).

W powieściach braci Goncourt („Germinie Lacerte”, „Rene Mauprin”) życie różnych warstw społeczeństwa ukazane jest zarówno metodami realistycznymi, jak i naturalistycznymi. W 1879 roku, po śmierci brata, Edmond Goncourt napisał opowiadanie „Bracia Zemgano”. Zgodnie z wolą Edmonda Goncourta powstała (1903) Akademia Goncourtów, która corocznie przyznaje nagrodę za najlepszą powieść roku we Francji.

Arno Holtz - teoretyk przyrodnika. Opublikował zbiór wierszy „Księga czasu”, a także wspólnie z I. Schlafem zbiór opowiadań „Papa Gamley” i dramat „Rodzina Zelike’ów”.

Twórca niemieckiego naturalizmu G. Hauptmann, autor dramatów „Przed wschodem słońca”, „Róża Bernd”, „Przed zachodem słońca”, komedii „Płaszcz bobra”, w której krytyka społeczna sąsiaduje z absolutyzacją praw biologicznych, symboliką (bajkowo-dramat „Zatopiony dzwon”). Później w jego twórczości pojawiły się tendencje mistyczne. Jest autorem dramatu „Tkacze” o polskim powstaniu tkaczy śląskich. Laureat Nagrody Nobla z 1912 r

Naturalistyczny ruch w sztuce był heterogeniczny. Obok cech realistycznych, demokratycznych często dominowały tendencje dekadenckie z wrodzoną beznadziejnością, niemoralnością i zatraceniem ducha.

3 Impresjonizm

Pod wpływem przedstawicieli malarstwa realizmu krytycznego (Courbet, Daumier) pojawił się nowy kierunek w sztuce - impresjonizm (od francuskiej impresja - impresja). Postawy estetyczne tego kierunku cechowała chęć łączenia zadań poznawczych z poszukiwaniem nowych form wyrazu niepowtarzalnego, subiektywnego świata artysty, oddania ulotnych spostrzeżeń oraz uchwycenia świata rzeczywistego w całej jego zmienności i mobilności. Jej historia jest stosunkowo krótka – zaledwie 12 lat (od pierwszej wystawy malarstwa w 1874 r. do ósmej w 1886 r.).

Impresjonizm jest reprezentowany w twórczości takich artystów jak Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Degas, Camille Pissarro i innych, którzy zjednoczyli się, by walczyć o odnowienie sztuki przeciwko oficjalnemu akademizmowi w twórczości artystycznej. Po ósmej wystawie w 1886 roku grupy te uległy rozwiązaniu, wyczerpawszy możliwości rozwoju w obrębie jednego kierunku w malarstwie.

Claude Monet (1840-1926) to czołowy przedstawiciel impresjonizmu, autor pejzaży o subtelnej kolorystyce, wypełnionych światłem i powietrzem. W cyklach płócien „Stogi siana” i „Katedra w Rouen” starał się uchwycić ulotne, chwilowe stany środowiska świetlno-powietrznego o różnych porach dnia. Od nazwy pejzażu Moneta „Impresja. Wschodzące słońce” wzięła się nazwa ruchu – impresjonizm. W późniejszym okresie w twórczości C. Moneta pojawiły się cechy dekoratyzmu.

Camille Pissarro (1830-1903) - przedstawiciel impresjonizmu, autor lekkich, czysto kolorowych pejzaży („Zaorana ziemia”). Jego obrazy charakteryzują się delikatną, powściągliwą paletą. W późnym okresie swojej twórczości zwrócił się ku obrazowi miasta – Rouen w Paryżu („Boulevard Montmartre”, „Pasaż Opery w Paryżu”). W drugiej połowie lat 80. pod wpływem neoimpresjonizmu. Działało to również jako harmonogram.

Twórcze pismo Edgara Degasa (1834-1917) charakteryzuje się nienaganną precyzyjną obserwacją, najsurowszym rysunkiem, błyszczącym, wyjątkowo pięknym kolorem. Zasłynął dzięki swobodnie asymetrycznej kompozycji kątowej, znajomości mimiki, póz i gestów osób różnych zawodów oraz precyzyjnym cechom psychologicznym: „Niebiescy Tancerze”, „Gwiazda”, „Toaleta”, „Prasownice”, „Odpoczynek Tancerzy” ”. Degas jest wspaniałym mistrzem portretu. Pod wpływem E. Maneta przeszedł do gatunku codziennego, przedstawiającego paryski tłum uliczny, restauracje, wyścigi konne, tancerze baletowe, praczki i chamstwo zadowolonej z siebie mieszczanki. Jeśli prace Maneta są jasne i wesołe, to w Degas są zabarwione smutkiem i pesymizmem.

Pierre Auguste Renoir (1841-1919) wraz z C. Monetem i A. Sisleyem stworzyli rdzeń ruchu impresjonistycznego. W tym okresie Renoir pracował nad rozwojem żywego, kolorowego stylu artystycznego z „piórkowym pociągnięciem pędzla” (znanym jako tęczowy styl Renoira); tworzy wiele zmysłowych aktów („Kąpiący się”). W latach 80. w swoich pracach coraz bardziej skłaniał się ku klasycznej wyrazistości obrazów. Przede wszystkim Renoir uwielbiał malować obrazy dziecięce i młodzieżowe oraz spokojne sceny z życia Paryża („Parasole”, „Moulin de la Galette”, „J. Samary”). Jego prace charakteryzują się jasnymi i przezroczystymi pejzażami oraz portretami, które gloryfikują zmysłowe piękno i radość bycia. Ale Renoir ma następujący pomysł.”

Od czterdziestu lat podróżuję, aby odkryć, że czerń jest królową wszystkich kolorów.

Z impresjonizmem ściśle związana jest także twórczość Henriego Toulouse-Lautreca (1864-1901). Pracował w Paryżu, gdzie malował tancerzy i śpiewaków kabaretowych oraz prostytutki w swoim własnym, specyficznym stylu, charakteryzującym się jasną kolorystyką, odważną kompozycją i znakomitą techniką. Jego plakaty litograficzne cieszyły się dużym powodzeniem.

Impresjonizm można spojrzeć znacznie szerzej – jako styl, w którym nie ma jasno określonej formy, temat ujęty jest we fragmentarycznych pociągnięciach, które natychmiastowo chwytają każdą chwilę, odkrywając jednak ukrytą jedność i połączenie. W tym szerszym znaczeniu impresjonizm przejawiał się nie tylko w malarstwie, ale także w innych formach sztuki, w szczególności w rzeźbie.

Tak więc wielki francuski rzeźbiarz Auguste Rodin (1840-1917) był współczesnym i sojusznikiem impresjonistów. Jego dramatyczna, namiętna, bohatersko wysublimowana twórczość gloryfikuje piękno i szlachetność człowieka, jest przesiąknięta impulsem emocjonalnym (grupa „Kiss”, „Myśliciel” itp.) Charakteryzuje się odwagą realistycznych poszukiwań, żywotnością obrazów i energetyczne modelowanie obrazowe. Rzeźba ma płynną formę, nabiera pozornie niedokończonego charakteru, co upodabnia jego twórczość do impresjonizmu, a jednocześnie pozwala stworzyć wrażenie bolesnego narodzin form z elementarnej, amorficznej materii. Rzeźbiarz połączył te cechy z dramatyzmem projektu i chęcią refleksji filozoficznej („Epoka brązu”, „Mieszkańcy Calais”). Artysta Claude Monet nazwał go „największym z wielkich”. Rodin napisał:

Rzeźba to sztuka wcięć i wypukłości.

W 19-stym wieku stworzony przez tak znanych rzeźbiarzy jak Francois Rud (1784-1855) - twórca płaskorzeźby „Marsylianka” na Łuku Triumfalnym w Paryżu, przedstawiającej postać Wolności na czele rewolucjonistów; zwierzęcy Bari; mistrz realistycznego portretu rzeźbiarskiego Dolu.

Ale dopiero Rodin wprowadził coś nowego do plastycznej sztuki modelarstwa, rozszerzył jej zakres i wzbogacił język. Popiersia portretowe Rodina charakteryzują się ostrością i rzetelnością w oddaniu charakteru przedstawianej osoby, jej wewnętrznego świata („J. Dolu”, „A. Rochefort”). Twórczość Rodina była nowatorska, owocna, dała impuls artystycznym poszukiwaniom wielu mistrzów rzeźby europejskiej XX wieku.

Wpływ impresjonizmu można prześledzić w twórczości wielu pisarzy, artystów, kompozytorów reprezentujących różne metody twórcze, w szczególności braci Goncourt, K. Hamsuna, R.M. Rilke, E. Zola, Guy de Maupassant, M. Ravel, C. Debussy i inni.

Claude Debussy (1862-1918) - twórca muzycznego impresjonizmu. Ucieleśniał w muzyce ulotne wrażenia, najsubtelniejsze odcienie ludzkich emocji i zjawisk naturalnych. Współcześni uważali preludium do „Popołudnia Fauna” za swoisty manifest muzycznego impresjonizmu. Tutaj objawiła się niestabilność nastrojów, wyrafinowanie, wyrafinowanie, kapryśna melodia i kolorowa harmonia. Jednym z najważniejszych dzieł Debussy'ego jest opera „Pelléas et Mélisande” na podstawie dramatu M. Maeterlincka. Kompozytor kreuje esencję niejasnego, symbolicznie zamglonego tekstu poetyckiego. Największym dziełem symfonicznym Debussy'ego są trzy szkice symfoniczne „Morze”. W kolejnych latach w twórczości Debussy’ego pojawiły się cechy neoklasycyzmu.

Francuski kompozytor i pianista Maurice Ravel (1875-1937) kontynuował i rozwijał poszukiwania Debussy'ego w zakresie muzyki impresjonistycznej.

Jego dzieła charakteryzują się zmysłowością, egzotyczną harmonią i wspaniałymi efektami orkiestrowymi (balet „Daphnis i Chloe”, bolerko na orkiestrę).

4 Postimpresjonizm

Główne cechy impresjonizmu rozwinęły się w postimpresjonizmie. Wybitnymi przedstawicielami tego nurtu byli artyści P. Cezanne, V. Van Gogh, P. Gauguin. Zaczęli pracować jednocześnie z impresjonistami i byli pod ich wpływem w swojej twórczości. Każdy z nich reprezentował jednak błyskotliwą indywidualność i pozostawił głęboki ślad w sztuce.

I tak Paul Cezanne (1839-1906) w swoich wczesnych pracach zwrócił się ku technikom malarskim dawnych mistrzów („Orgia”), pozostając pod wpływem G. Courbeta („Piec w pracowni”). Od lat 70 Własny system obrazkowy Cezanne’a nabierał kształtu, osiągając dojrzałość pod koniec lat 80. W tym czasie Cezanne odszedł od impresjonizmu. Uważnie poszukiwał nie zmienności kolorów, ale stabilnych wzorów strukturalnych, pozbawionych znikomości, harmonijnej równowagi natury, jedności jej form we wszystkich gatunkach (portret, kompozycja figuratywna, pejzaż, autoportret, martwa natura). Jest autorem takich obrazów jak „Brzegi Marny”, „Brzoskwinie i gruszki”, „Pierrot i Arlekin”. Cezanne operował przede wszystkim gradacją trzech podstawowych kolorów – zielonego, niebieskiego i żółtego. Ma odważny, lakoniczny design.

Twórczość Cezanne’a znalazła wielu naśladowców i naśladowców i wywarła ogromny wpływ na malarstwo XX wieku.

Paul Gauguin (1848-1903) to jeden z najwybitniejszych przedstawicieli postimpresjonizmu, bliskiego symbolice i stylowi secesyjnemu. Używał syntetycznych uogólnień koloru i linii. Głównym tematem obrazów Gauguina jest życie i legendy ludów Oceanii (Tahiti), poetycki świat harmonii człowieka z naturą. Jego obrazy, dekoracyjne i pełne symboliki, charakteryzują się bogatą, czystą kolorystyką. Chcąc zbliżyć się do tradycji artystycznych rodzimej sztuki, Gauguin świadomie zdecydował się na prymityzację formy. Ma niezwykle uproszczony rysunek, kształty obiektów są celowo płaskie, kolory są czyste i jasne. Kompozycje mają charakter dekoracyjny. Gauguin jest autorem takich obrazów jak „Ford”, „Czy jesteś zazdrosny?” Na Tahiti napisał jedno ze swoich arcydzieł „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”

Szczytem postimpresjonizmu jest dzieło Vincenta van Gogha (1853-1890). W jego twórczości można wyróżnić dwa okresy: pierwszą połowę lat 80. i ostatnie trzy lata jego życia, kiedy był poważnie chory. Pomimo krótkiego okresu swojej twórczości artysta stworzył dzieła, które pozostawiły niezatarty ślad w kulturze światowej. Twórczość Van Gogha ma charakter pesymistyczny, niespokojny, bolesny i ekspresyjny. W jego pracach pojawia się albo zachwyt życiem, światem, albo poczucie samotności i dokuczliwa melancholia. Jego obrazy „Chaty”, „Sypialnia”, przedstawiające proste domy lub pokoje, są pełne dramatyzmu. Wrażenie napięcia potęguje specjalna technika nakładania farby ostrymi, czasem zygzakowatymi lub równoległymi pociągnięciami, prowadzącymi przy przedstawianiu np. ziemi lub chaty w jednym kierunku, a nieba w drugim, przeciwnym. Z niezwykłą przenikliwością percepcji maluje przyrodę (kwiaty, drzewa, trawę), architekturę, ludzi („Auvers po deszczu”, „Kościół w Auvers”, „Portret doktora Gacheta”). Jego pejzaże malowane w Arles przepojone są namiętną miłością do życia. Zawierają w sobie połączenie jasnej kolorystyki, wyrazistego rytmu rysunków i odważnych, swobodnych rozwiązań kompozycyjnych („Nocna kawiarnia”, „Czerwone winnice w Arles”).

Van Gogh za życia nie cieszył się żadną sławą. Jego ogromny wpływ na sztukę dał się odczuć znacznie później.

I w ogóle twórczość postimpresjonistów wyrażała dominujące motywy i nastroje swoich czasów i wywarła ogromny wpływ na rozwój kultury artystycznej przełomu XIX i XX wieku.

sztuka zachodnioeuropejski klasycyzm realizm

Teatr zachodnioeuropejski również doświadczył wpływu symboliki i dekadencji. Postacie tego ruchu wzywały do ​​stworzenia teatru syntetycznego, w którym przedstawienia łączyłyby słowa, kolor i muzykę. Symboliści widzieli swój cel w wywieraniu wpływu na widza za pomocą obrazów, które nie podlegają określonemu dekodowaniu semantycznemu. Jednocześnie bronili zasady autonomii twórczości reżysera i artysty w stosunku do dramatu, który stanowi ideową podstawę spektaklu. Jeśli aktorzy teatru realistycznego tworzyli wielopłaszczyznowe, autentyczne obrazy, to symboliści starali się skontrastować to z jednostronnym, poetycko przekształconym obrazem-symbolem.

Postaci symbolistyczne, takie jak S. Mallarmé, M. Maeterlinck, G. Craig (1872-1966) preferowały teatr lalek i chciały zastąpić postacie występujące w spektaklu „maską” lub „supermarionetką”.

Środki wizualne (malownicze mise-en-scène, rzeźbiarskie pozy, muzyka, kolor) musiały zostać podporządkowane stworzeniu mistycznej atmosfery, aby zaszczepić widzowi poczucie iluzorycznego charakteru otaczającej rzeczywistości.

Symboliści starali się przywrócić różnego rodzaju przedstawienia średniowieczne (tajemnice, cuda itp.), wykorzystując techniki i style sceniczne różnych epok.

W tym okresie powstało wiele teatrów studyjnych (zwłaszcza w Paryżu), których repertuar obejmował mistyczne i poetyckie sztuki-legendy P. Quillarda, C. Mendesa, sztuki Maeterlincka; czytano dzieła C. Baudelaire'a, A. Rimbauda, ​​P. Verlaine'a, S. Mallarmégo.

Obok sztuk dekadenckich pojawiały się dramaty Ibsena, B. Bjornsona, wczesne sztuki A. Strindberga (1849-1912), a także R. Rolaana (1866-1944) i M. Gorkiego.

Wniosek

Kultura artystyczna XIX wieku. rozwijała się pod wpływem różnych czynników politycznych, ekonomicznych, społecznych, religijnych i narodowych. Szczególne znaczenie dla jej rozwoju miała Wielka Rewolucja Francuska, która głosiła idee wolności, równości i braterstwa. Rewolucja postawiła sobie za zadanie przygotowanie społeczeństwa do przyjęcia wielkiej idei jednej rodziny ludzkiej. W historii ludzkości była to nowa idea, nowy ideał.

Ponieważ praktyka znacznie odbiegała od ideałów głoszonych przez rewolucję, rozwijająca się w tym okresie sztuka krytycznie pojmowała rzeczywistość, dlatego krytyka była charakterystyczna dla kultury artystycznej XIX wieku.

Literatura, która zdeterminowała życie artystyczne tego stulecia, zajęła czołową pozycję wśród wszystkich rodzajów twórczości artystycznej.

Oprócz sztuki słowa, XIX w. stworzył wspaniałe przykłady twórczości muzycznej i scenicznej. W muzyce sztuka operowa i baletowa, a także dzieła symfoniczne osiągnęły wyżyny.

W dziedzinie sztuk plastycznych największe osiągnięcia należy do malarstwa. Krytyk sztuki Lionello Venturi zauważył: „... pod względem liczby i umiejętności genialni malarze XIX wieku mogą porównywać się z malarzami któregokolwiek z poprzednich stuleci”.

W 19-stym wieku ostatecznie wyłoniła się jako samodzielny rodzaj sztuki pięknej, grafika, co ułatwiło wynalezienie litografii – grawerowania w kamieniu.

Cecha rozwoju kultury i sztuki XIX wieku. to różnorodność ruchów i stylów, metod i form artystycznych, która zmieniała się dosłownie co dekadę.

Rozwój niektórych rodzajów sztuki przebiegał nierównomiernie w poszczególnych krajach. Jeśli w skali i poziomie rozwoju sztuki muzycznej pierwszeństwo miały Włochy, Niemcy i Francja, to w twórczości literackiej - Francja i Anglia. Największe osiągnięcia w malarstwie osiągnęły Francja i Hiszpania.

Nosił XIX wiek. i straty zarówno w niektórych dziedzinach sztuki, jak i w dorobku poszczególnych krajów.

Przewaga krytycznego światopoglądu z góry przesądziła o niemożliwości stworzenia wielkiego stylu architektonicznego. Za najnowsze osiągnięcie historycy sztuki uznają wybitne zespoły architektoniczne stylu neoklasycystycznego powstałe na przełomie XVIII i XIX wieku. W 19-stym wieku sukcesy urbanistyki utylitarnej nie powstrzymywały postępu architektury artystycznej – królował eklektyzm i zapożyczanie z wcześniejszych stylów architektonicznych.

To samo stało się z rzeźbą monumentalną. Najlepsze z tego, co stworzyli rzeźbiarze XIX wieku. należy do gatunku rzeźby sztalugowej.

Z tego niewiele, co odsłoniła architektura, najlepsze osiągnięto w Anglii, a w sztuce rzeźbiarskiej – we Francji.

Pomimo różnorodności stylów, które rozwinęły się w XIX wieku, za wiodący uważa się kierunek artystyczny realistyczny, który dał znakomite rezultaty we wszystkich rodzajach sztuki i literatury.

Literatura

1. Kultura staroruska: literatura i sztuka. Włączone (CD). - M.: DirectMedia, 2004.

Ionin L.G. Socjologia kultury. - M.: Logos, 1998.

Kadyrow A.M. Kultura Rosji końca XIX i początku XX wieku. „Srebrny wiek” kultury rosyjskiej. - Ufa: UGATU, 2002.

Knabe G.S. Rosyjska starożytność. Treść, rola i losy dziedzictwa antycznego w kulturze rosyjskiej: Konspekt wykładu. - M.: Rosyjski. państwo humanista uniwersytet, 2000.

Kononenko B.I. Duży objaśniający słownik kulturoznawstwa. - M.: Wydawnictwo LLC „Veche”, Wydawnictwo LLC AST, 2003.

Korovina S.V. Wielobarwne życie duchowe społeczeństwa. - Ufa: Baszkirski Uniwersytet Państwowy, 2003.

Krawczenko, AI Kultura: słownik. - M.: Projekt Akademicki, 2000.

Krinichnaya N.A. Mitologia rosyjska: świat obrazów folklorystycznych. - M.: Projekt Akademicki, 2004.

Kulturologia. XX wiek: słownik. - St. Petersburg: Książka uniwersytecka, 1997.

Lichaczew D.S. Ulubione: Wielkie dziedzictwo. Klasyczne dzieła literatury starożytnej Rusi. Uwagi o języku rosyjskim. - Petersburg: „Logos”, 1998.

Łotman Yu.S. Semiosfera. - Petersburg: Sztuka, 2001.

Korepetycje

Potrzebujesz pomocy w studiowaniu jakiegoś tematu?

Nasi specjaliści doradzą lub zapewnią korepetycje z interesujących Cię tematów.
Prześlij swoją aplikację wskazując temat już teraz, aby dowiedzieć się o możliwości uzyskania konsultacji.

Wstęp.
Kultura XIX wieku jest kulturą utrwalonych stosunków burżuazyjnych. Jest to okres pojawienia się dzieł, które stały się ogromnym dobrem kulturowym i podbojem ludzkiego geniuszu, choć warunki rozwoju były złożone i sprzeczne. Czynniki wpływające na główne procesy i kierunki twórczości artystycznej były zróżnicowane.
Wśród czynników społeczno-ekonomicznych i politycznych decydujące znaczenie miały rewolucje społeczne i ruch rewolucyjny. W XIX wieku rewolucje burżuazyjne ogarnęły wiele krajów europejskich. Przyczynili się do ustanowienia i rozwoju kapitalizmu, rozwiązania palących problemów historycznych i rozbudzili w postępowej ludzkości pragnienie wolności od ucisku społecznego i niesprawiedliwości.
Rewolucja przemysłowa, która zakończyła się w XIX wieku, wywarła ogromny wpływ na rozwój świata zachodnioeuropejskiego. Jej bezpośrednim skutkiem jest bezprecedensowy wzrost produktywności pracy społecznej. Rozwój produkcji pobudził szybki rozwój nauki. R. Mayer, J. Joule, G. Helmholtz odkryli prawa zachowania i transformacji energii, zapewniając jednolitą podstawę dla wszystkich dziedzin fizyki i chemii. A. Einstein stworzył teorię względności, M. Planck – teorię kwantową, która doprowadziła do przełomu w dziedzinie mikroświata i dużych prędkości. Dokonano wielu innych wielkich odkryć w różnych dziedzinach nauki. Stworzenie lokomotywy parowej, silnika spalinowego, telefonu, radia i kina zrewolucjonizowało naukę i technologię. Rozpoczęło się tworzenie społeczeństwa przemysłowego. Produkcja przemysłowa odegrała wielką rolę cywilizacyjną.
W XIX wieku nastąpił znaczący rozwój myśli filozoficznej. Został on przygotowany według nauk I. Kanta i I. Fichtego. Na ich podstawie stworzono teorię romantyczną, położono podwaliny filozofii obiektywno-idealistycznej, sformalizowanej w harmonijnym nauczaniu F.V. Schelling. Koncepcja obiektywno-idealistyczna została rozwinięta w pracach największego niemieckiego filozofa G. Hegla, który nadał jej pełnię w postaci podstawowych praw dialektyki. W przeciwieństwie do stanowisk Hegla, pojawiła się jednocześnie koncepcja idealistyczna, której zwolennikami byli F. R. de Chateaubriand i A. Schopenhauer.
Wiek XIX dał światu K. Marksa i F. Engelsa, którzy w połowie stulecia stworzyli doktrynę materialistyczną. Wykorzystując dialektykę heglowską, rozwinęli oni koncepcję materializmu historycznego. Ich nauczanie przeszło do historii pod nazwą „marksizm”.
Wpływowy w XIX wieku był ruch filozoficzny O. Comte'a, który był twórcą pozytywizmu - doktryny, według której prawdziwą wiedzą może być jedynie wiedza empiryczna oparta na doświadczeniu i jej dokładnym opisie.
W XIX w. pod wpływem tendencji ateistycznych w społeczeństwie Kościół przeżył poważny kryzys. Do Europy przenikają nowe religie, rodzą się koncepcje rozdziału Kościoła od państwa, wolności sumienia, wyznania, sekularyzacji oświaty. Procesy te osłabiają wpływ religii na społeczeństwo.
Tym samym wielkie przemiany, jakie zaszły na początku XIX wieku w rozwoju filozofii, nauki i technologii, wywarły ogromny wpływ na rozwój literatury i sztuki w Europie Zachodniej. Wspólną cechą kultury światowej w tym czasie był stały rozwój międzynarodowej wymiany kulturalnej. Sprzyjał temu szybki rozwój światowych kontaktów gospodarczych, usprawnienie środków transportu, łączności i wzajemnej informacji.
Zastanówmy się nad istotą i treścią różnych kierunków rozwoju kultury europejskiej w XIX wieku.

1. CECHY KULTURY ZACHODNIE EUROPEJSKIEJ XIX WIEKU.
Kultura tego okresu charakteryzuje się odbiciem wewnętrznych sprzeczności społeczeństwa burżuazyjnego. Zderzenie przeciwstawnych tendencji, walka głównych klas - burżuazji i proletariatu, polaryzacja społeczeństwa, szybki rozwój kultury materialnej i początek alienacji jednostki zdeterminowały charakter kultury duchowej tamtych czasów.
W 19-stym wieku Z pojawieniem się maszyny wiąże się radykalna rewolucja, która alienuje człowieka od natury, przełamując utarte wyobrażenia o jego dominującej roli i zamienia człowieka w istotę zależną od maszyny. W warunkach nasilającej się mechanizacji człowiek schodzi na peryferie życia duchowego, odrywa się od swoich duchowych podstaw. Miejsce rzemiosła związanego z osobowością i twórczością mistrza zajęła monotonna praca.
Kultura duchowa XIX wieku. rozwinęła się i funkcjonowała pod wpływem dwóch ważnych czynników: sukcesów na polu filozofii i nauk przyrodniczych. Wiodąca dominująca kultura XIX wieku. była nauka.
Różne orientacje wartościowe opierały się na dwóch pozycjach wyjściowych: z jednej strony ustanowieniu i utwierdzeniu wartości burżuazyjnego stylu życia, a z drugiej - krytycznym odrzuceniu społeczeństwa burżuazyjnego. Stąd pojawienie się w kulturze XIX wieku tak odmiennych zjawisk: romantyzmu, realizmu krytycznego, symbolizmu, naturalizmu, pozytywizmu itp. Kultura europejska XIX wieku. jest odzwierciedleniem tych sprzecznych zasad, które reprezentuje rozwinięte społeczeństwo burżuazyjne, niemniej jednak nie ma sobie równych pod względem głębokości penetracji egzystencji i duchowego świata człowieka oraz twórczych napięć w nauce, literaturze, filozofii i sztuce. W rozwoju filozofii XIX wieku. Można wyróżnić trzy definiujące kierunki: klasyczną filozofię niemiecką, filozofię dialektyczno-materialistyczną, filozofię pozytywizmu.
Niemiecka filozofia klasyczna stanowi najważniejsze osiągnięcie burżuazyjnej myśli filozoficznej. Będąc ideologią niemieckiej burżuazji, historycznie postępową jak na swoje czasy, odzwierciedlała zarówno wyjątkowe warunki rozwoju kapitalizmu w Niemczech pod koniec XVIII i na początku XIX wieku, jak i główne zmiany społeczno-gospodarcze, jakie miało miejsce w bardziej rozwiniętych krajach Europy.
Formowanie się niemieckiej filozofii klasycznej nastąpiło pod wpływem rewolucyjnych zmian we Francji, rewolucji przemysłowej w Anglii i specyfiki sytuacji społeczno-politycznej w Niemczech, które znajdowały się w stagnacji gospodarczej. Myśl filozoficzna Niemiec odzwierciedlała specyfikę światopoglądu swoich czasów i nie stanowiła jednej całości. I. Kant był dualistą, I. Fichte był idealistą subiektywnym, F. Schelling i G. Hegel byli idealistami obiektywnymi, L. Feuerbach był materialistą i ateistą. Ale łączyła ich linia sukcesji. Zasadniczym kierunkiem rozwoju niemieckiej filozofii klasycznej było badanie form uniwersalności, które u Kanta i Fichtego uważano za formy myślenia, u Schellinga i Hegla za formy bytu, rzeczywistości, rzeczywistości duchowej. Klasyczną filozofię niemiecką łączy idea rozwoju, dialektyka. Klasyczną filozofię niemiecką uzupełnia największy materialista L. Feuerbach, którego system filozoficzny ukształtował się na bazie szkoły heglowskiej. Filozofia ta zdeterminowała myślenie stulecia i stała się metodologiczną podstawą rozwoju kultury duchowej w XIX wieku. Jej problemy są przede wszystkim problemami ludzkimi, rozwiązywanymi poprzez tworzenie systematycznego obrazu świata. Prawie wszystkie systemy relacji „świat-człowiek” proponowane przez filozofów niemieckich (z wyjątkiem idei L. Feuerbacha) mają charakter idealistyczny w ich próbie wyjaśnienia raz na zawsze miejsca i celu człowieka. Ogromnym osiągnięciem niemieckiej filozofii klasycznej jest doktryna rozwoju, dialektyka, która przybrała formę wiedzy naukowej i stała się metodą badawczą.
Znaczący wkład w rozwój kultury ma filozofia i teoria marksistowska, które odcisnęły swoje piętno na myśleniu filozoficznym i artystycznym XIX wieku. Dokument programowy – „Manifest Partii Komunistycznej” – przedstawił nowy światopogląd, który rozszerzył się na obszar życia społecznego. Twórczo przerabiając idee klasycznej filozofii niemieckiej, angielskiej ekonomii politycznej, francuskiego i angielskiego utopijnego socjalizmu, Marks i Engels odkryli prawa rozwoju społecznego i wskazali proletariatowi opartą na nauce ścieżkę poprawy warunków jego istnienia. Ponadto filozofia marksizmu ma znaczenie historyczne i kulturowe dla rozwoju wszelkich badań naukowych, w tym badań w dziedzinie kultury. Na tej teorii opiera się metoda materializmu dialektycznego, uniwersalna metoda badania rozwijającego się obiektu naturalnego, wyobrażalnego lub społecznego. W oparciu o tę metodę sztuka realistyczna zwróciła się w stronę odzwierciedlenia sprzeczności wewnętrznego świata człowieka i jego sprzecznych powiązań z procesami życia społecznego. Los marksizmu jest dramatyczny, ale jego rola w kulturze jest niezaprzeczalna. Świadomość pozytywistyczna rozwinęła się pod wpływem filozofii pozytywistycznej. Konflikt ideałów humanistycznych z prozaiczną codziennością zaowocował uznaniem faktu naukowego. Pozytywizm opierał się na filozofii New Age, na programie praktycznej dominacji nauki jako racjonalnego systemu eksperymentalnej rzetelnej wiedzy, odrzucając idee metafizyczne i stając się prekursorem scjentyzmu. W rozwoju nurtów krytycznych w kulturze XIX wieku. były dwa etapy. Pierwszy wiązał się z ruchem rewolucyjnym, drugi - z pojawieniem się i rozprzestrzenianiem idei socjalistycznych oraz kryzysem duchowym społeczeństwa burżuazyjnego, czyli z niedowierzaniem w możliwość postępu duchowego, w wykonalność ideałów humanistycznych. Wszystko to doprowadziło do pojawienia się pesymizmu, apatii i obojętności, co znalazło odzwierciedlenie w takich formach kultury artystycznej, jak impresjonizm, naturalizm, symbolika, estetyzm i dekadencja.
Impresjonizm rozwinął się pod wpływem pozytywizmu. Koncentrując się na precyzyjnym utrwaleniu „faktu” (momentu w obrazie rzeczywistości) i odrzucając szerokie uogólnienia, światopogląd impresjonizmu nie był w stanie wyrobić sobie trwałych wzorców. Ruch ten opierał się na najnowszych odkryciach naukowych z zakresu biologii, fizjologii, fizyki i chemii, w zakresie badania wrażeń dźwiękowych i wizualnych – naturalizmu.
Najwyraźniej uwidocznił się w nim wpływ pozytywizmu. Jego credo brzmi: „Natura taka, jaka jest”. Przyrodnicy odrzucili arbitralność wyobraźni i porównali twórczość pisarzy i artystów z twórczością badaczy przyrody – przyrodników. Efektem takiego działania jest obserwacja poprzez temperament. Dosłowne odzwierciedlenie biologicznego aspektu życia ludzkiego znalazło wyraz w profanacji sztuki, która z góry przesądziła o jej skandalicznym sukcesie wśród burżuazji, w wyłonieniu się estetyki „sztuki fizjologicznej”.
Ale najbardziej znacząca zmiana w kulturze duchowej XIX wieku. a życiem społeczeństwa była formacja romantyzmu, który domagał się holistycznego światopoglądu i stylu myślenia wraz z innymi - klasycyzmem i realizmem.
Romantyzm jest zjawiskiem generowanym przez system burżuazyjny. Jako światopogląd i styl twórczości artystycznej odzwierciedla swoje sprzeczności: przepaść między tym, co powinno być, a tym, co jest, ideałem i rzeczywistością. Świadomość nierealizacji humanistycznych ideałów i wartości Oświecenia dała początek dwóm alternatywnym stanowiskom ideologicznym. Istotą pierwszego jest pogarda dla rzeczywistości podstawowej i wycofanie się w skorupę czystych ideałów. Istotą drugiego jest uznanie rzeczywistości empirycznej i odrzucenie wszelkich spekulacji na temat ideału. Punktem wyjścia romantycznego światopoglądu jest otwarte odrzucenie rzeczywistości, uznanie nieprzezwyciężalnej przepaści między ideałami a realną egzystencją, nieracjonalności świata rzeczy.
Cechuje ją negatywny stosunek do rzeczywistości, pesymizm, interpretacja sił historycznych jako znajdujących się poza realną codzienną rzeczywistością, mistyfikacja i mitologizacja. Wszystko to skłoniło do poszukiwania rozwiązania sprzeczności nie w świecie rzeczywistym, ale w świecie fantazji.
Romantyczny światopogląd obejmował wszystkie sfery życia duchowego - naukę, filozofię, sztukę, religię. Wyrażano to na dwa sposoby:
Pierwsza – w niej świat jawi się jako nieskończona, pozbawiona twarzy, kosmiczna podmiotowość. Twórcza energia ducha działa tu jako początek tworzący światową harmonię. Tę wersję romantycznego światopoglądu cechuje panteistyczny obraz świata, optymizm i wzniosłe uczucia.
Po drugie, podmiotowość człowieka rozpatrywana jest indywidualnie i osobowo, rozumiana jako wewnętrzny, zapatrzony w siebie świat człowieka skonfliktowanego ze światem zewnętrznym. Postawę tę cechuje pesymizm, lirycznie smutny stosunek do świata.
Pierwotną zasadą romantyzmu były „dwa światy”: porównanie i kontrast świata rzeczywistego i wyobrażonego. Sposobem wyrażenia tego dualnego świata była symbolika.
Symbolika romantyczna stanowiła organiczne połączenie świata iluzorycznego i realnego, co objawiało się pojawieniem się metafor, hiperboli i porównań poetyckich. Romantyzm, mimo ścisłego związku z religią, charakteryzował się humorem, ironią i marzycielstwem. Romantyzm uznawał muzykę za wzór i normę dla wszystkich dziedzin sztuki, w której według romantyków wybrzmiewał sam pierwiastek życia, pierwiastek wolności i triumfu uczuć.
Na pojawienie się romantyzmu złożyło się wiele czynników. Po pierwsze, społeczno-polityczne: rewolucja francuska 1769-1793, wojny napoleońskie, wojna o niepodległość Ameryki Łacińskiej. Po drugie, gospodarcze: rewolucja przemysłowa, rozwój kapitalizmu. Po trzecie, ukształtował się pod wpływem klasycznej filozofii niemieckiej. Po czwarte, rozwijał się w oparciu i w ramach istniejących stylów literackich: oświeceniowego, sentymentalizmu.
Romantyzm rozkwitł w latach 1795-1830. - okres rewolucji europejskich i ruchów narodowowyzwoleńczych oraz romantyzmu ujawnił się szczególnie wyraźnie w kulturze Niemiec, Anglii, Rosji, Włoch, Francji i Hiszpanii.
W humanistyce duży wpływ miała tendencja romantyczna, a w naukach przyrodniczych, technice i praktyce tendencja pozytywistyczna.
Termin „realizm” należy rozumieć dwojako: jako historycznie określony kierunek, rodzaj myślenia artystycznego oraz jako prawdziwe, obiektywne odzwierciedlenie rzeczywistości (w języku konkretnej sztuki). Realizm wyewoluował z prymitywnych form kultury. Realizm jako metoda artystyczna narodził się w głębi romantyzmu w pierwszej tercji XIX wieku, kiedy w Europie ustanowiono zasadę prawdziwego przedstawiania jako przeciwnik romantyzmu.
Dlatego w realizmie tematem obrazu nie jest świat fantazji i snów, ale współczesna rzeczywistość. Znaczenie realizmu w kulturze jest trudne do przecenienia.
Realizm krytyczny. W drugiej połowie XIX w. staje się dominującą myślą i metodą artystyczną. Realizm krytyczny wcale nie oznacza negatywnego stosunku do rzeczywistości. Jest to forma sprzeciwu wobec dotychczasowej (dominującej) ideologii. Wiodącą rolę w realizmie krytycznym odgrywa literatura. O realistycznym odzwierciedleniu rzeczywistości decyduje nie ta czy inna technika, ale ogólny stosunek do rzeczywistości, czyli prawda artystyczna, która obejmuje dwie strony: prawdziwe odzwierciedlenie istniejących aspektów życia i prawdy, zgodność z ideałem estetycznym. W pierwszej połowie XIX w. realizm funkcjonował w ścisłym związku z romantyzmem.
Romantyzm w Niemczech. Podstawowe zasady literackiej teorii romantyzmu sformułowali F. Schlegel i Novalis. F. Schlegel jako pierwszy rozwinął teorię ironii romantycznej, jedną z najbłyskotliwszych i oryginalnych dzieł geniuszu romantycznego. Poglądy estetyczne Novalisa wyrażają się w teorii sztuki, która powinna łączyć rzeczywistość z ideałem i dążyć do uniwersalności. Szczególne miejsce w literaturze romantycznej Niemiec zajmują Heinrich Kleist i Ernst Hoffmann.
Realizm w Niemczech. Nie objawiało się to tak wyraźnie, jak w innych krajach europejskich, jednak wśród przedstawicieli tego nurtu warto wymienić Heinricha Heinego (1797-1856), Georga Buchnera (1813-1856), którzy dążyli do pewnej idealizacji rzeczywistości.
Romantyzm w Anglii. Za najwybitniejszą postać wśród romantyków Anglii należy uznać George'a Gordona Byrona (1788-1824), jednego z najwybitniejszych poetów lirycznych w literaturze światowej. Do wybitnych angielskich romantyków zaliczają się Percy Shelley (1792-1822) i Walter Scott (1871-1892). Angielscy romantycy afirmowali optymizm, patos walki z tyranią i fanatyzmem religijnym, w ich twórczości wyraźnie widać było pierwiastek epicki, żarliwą publicystykę i tendencje realistyczne.
Realizm w Anglii. Wyróżnia się dużą oryginalnością - wyraźną dydaktyką i krytycznym realizmem. Najbardziej znanymi angielskimi pisarzami realistycznymi byli Charles Dickens (1812-1870) i ​​William Thackeray (1811-1863). Ruch romantyczny w literaturze angielskiej reprezentują dzieła sióstr Charlotte i Emilii Bronte.
Romantyzm we Francji. Na jego rozwój miała wpływ Wielka Rewolucja Francuska, klasycyzm i Oświecenie. Pojawienie się idei romantycznych wiąże się z nazwiskami J. de Staela i F. R. de Chateaubrianda. Szczytem francuskiego romantyzmu jest twórczość V. Hugo, P. Merimee, J. Sand i innych.W ich twórczości romantyczna estetyka łączy się z subtelnym psychologizmem i siłą charakteru.
Realizm we Francji. Przechodzi przez kilka etapów swojego rozwoju i charakteryzuje się natychmiastową reakcją na istotne wydarzenia w życiu społecznym. Dzieła Stendhala, Honore de Balzaca i Postava Flauberta można uznać za jedne z najbardziej uderzających przejawów realizmu we Francji.
2. ROZWÓJ NAUKI I TECHNOLOGII W KULTURZE EUROPEJSKIEJ XIX WIEKU
W 19-stym wieku pojawiło się nowe spojrzenie na proces edukacyjny. Pestalozzi wysunął ideę edukacji rozwojowej. Ten rodzaj edukacji ma na celu zachęcanie dzieci do samodzielnego rozwoju. Istotą edukacji rozwojowej jest ścisły związek pomiędzy wychowaniem umysłowym a wychowaniem moralnym. Najważniejszym stanowiskiem pedagogiki Pestalozziego jest połączenie nauki z pracą produkcyjną.
Wybitny niemiecki nauczyciel A. Disterweg wyraził ideę edukacji powszechnej, która opiera się na zasadach naturalnego konformizmu, konformizmu kulturowego i samoaktywności. Trzeba słuchać i zwracać uwagę na głos natury, działać w sojuszu z nią. Należy wziąć pod uwagę warunki, miejsce, czas urodzenia i życie danej osoby.
Należy rozwijać działalność twórczą, mającą na celu służenie pięknu, dobru i prawdzie.
Stopniowo wykształcił się system zasad dydaktycznych i ugruntowały się podstawy dydaktyki edukacji rozwojowej. Rewolucja naukowa XIX wieku. poprzedziły wybitne odkrycia naukowe XVII-XVIII wieku. i jego ukształtowanie się jako instytucji społecznej. Dzięki działaniom N. Kopernika, G. Galileusza, F. Bzkona, R. Kartezjusza, I. Newtona, I. Keplera ukształtował się nowy obraz świata. Pojawienie się wiedzy eksperymentalnej i racjonalistycznego myślenia przyczyniło się do jej późniejszego usprawnienia w XIX wieku. Staje się systemem naukowym badającym procesy powstawania i rozwoju obiektów, zjawisk, organizmów i ich powiązań. Zasadniczo nowe było potwierdzenie idei rozwoju i zasady wzajemnych powiązań w przyrodzie, tj. pojawienie się zasad dialektyki w badaniach naukowych. Eksperyment naukowy w mechanice doprowadził do ustanowienia związku między nauką a produkcją. Inżynieria i technologia zostały opracowane w oparciu o mechanikę, fizykę i matematykę.
Nauka XIX wieku naznaczony rewolucją w chemii. Odkrycia w tym zakresie doprowadziły do ​​powstania statystyki chemicznej J. Daltona, który wykazał, że każdy element przyrody to zbiór atomów, które są do siebie ściśle identyczne i mają tę samą masę atomową. Dzięki tej teorii do chemii przeniknęły idee systemowego rozwoju procesów. I. Berzelius odkrywa prawo wielokrotnych stosunków i jego rozszerzenie na substancje organiczne, co pomogło ustalić istnienie związku między obiektami świata organicznego i nieorganicznego. W 1828 r. F. Weller opracował proces wytwarzania mocznika z substancji nieorganicznych, co potwierdziło to powiązanie w praktyce. Dzięki nieorganicznemu wytwarzaniu związków, które dotychczas wytwarzały jedynie organizmy żywe, udowodniono, że prawa chemii działają na ciała organiczne z taką samą siłą, jak na ciała nieorganiczne.
Ważne odkrycie XIX wieku. to prawo dotyczące komórki i jej powstawania T. Schwenna i M. Schleidena, którzy w latach 1838-1839 stworzyli teorię komórkową i wskazali na jedność struktury komórkowej roślin i zwierząt.
Idee M. Łomonosowa dotyczące zachowania i transformacji energii ugruntowały odkrycia R. Meyera, J. Lenza i W. Grove'a. Prawo odkryto w różnych obszarach przyrody. Odkrycie tego prawa opierało się na uznaniu jedności ilościowych i jakościowych aspektów ruchu materii. Można go słusznie uznać za drugie wielkie odkrycie XIX wieku.
Trzecie wielkie odkrycie XIX wieku. kojarzony jest z nazwiskiem Karola Darwina, który w 1854 roku opublikował książkę „O powstawaniu gatunków”, w której uzasadniono teorię ewolucji. Teoria doboru naturalnego, podczas której przeżywają najsilniejsze organizmy, nieustannie kłócą się ze sobą, a następnie przekazują swoje cechy w drodze dziedziczenia, doprowadziła później do powstania dziedziny badań genetycznych. W przyrodzie zachodzi złożony proces, reprezentujący interakcję trzech czynników: walki o byt, zmienności i dziedziczności. Teoria Darwina dowodzi, że wszystkie gatunki zwierząt i roślin są ze sobą spokrewnione genetycznie poprzez swoje pochodzenie i znajdują się w stanie ciągłych zmian i rozwoju.
Odkrycia naukowe XIX wieku. zgromadzili ogromny zasób wiedzy o niezwykłej głębi i przestrzeni do dalszych badań. Przyczyniło się to do zmiany światopoglądu i zmieniło wiele biernych poglądów na przyrodę i jej związek z człowiekiem, dając początek nowemu sposobowi myślenia - dialektyczno-materialistycznemu.
W zależności od kontekstu społeczeństwo przemysłowe można określić jako „burżuazyjne”, „kapitalistyczne”, „rozwinięte technicznie”, „nowoczesne” itp. Prawdziwie funkcjonujący system przemysłowy łączy w sobie różne zasady i struktury. Z tego powodu termin „przemysłowy” jest akceptowany jako podsumowanie różnorodności opcji społeczno-ekonomicznych współczesnego społeczeństwa.
Najbardziej charakterystyczną cechą społeczeństwa przemysłowego jest to, że produkcja w nim opiera się na przewadze pracy (kapitału) zakumulowanej nad pracą żywą. Skumulowana praca przybiera formę środków produkcji – technologii, narzędzi, zasobów itp., zabezpieczonych w postaci wszelkiego rodzaju majątku. Siła robocza jest wykwalifikowana i wyspecjalizowana, a rozwinięta produkcja oznacza wysoki stopień podziału pracy
Drugą najważniejszą cechą społeczeństwa przemysłowego, na którą zwrócili uwagę K. Marx, E. Durkheim i M. Weber, jest głęboka dwoistość i sprzeczne zasady jego społecznej organizacji:
- w sprzeczności pomiędzy coraz pogłębiającym się podziałem pracy lub rosnącymi różnicami pomiędzy różnymi częściami społeczeństwa a koniecznością zachowania interakcji i jedności;
- w sprzecznościach związanych z rozwarstwieniem społeczno-klasowym społeczeństwa, co powoduje napięcia społeczne i walkę klas.
W kształtowaniu się społeczeństwa burżuazyjnego w Europie ważną rolę przewodnią odegrały zasady etyki burżuazyjnej, rozwinięte i uporządkowane w ramach ustroju religijnego. Przyczynił się do tego zarówno protestantyzm, jak i katolicyzm. Z biegiem czasu zakres regulacji religijnych kurczył się, ustępując miejsca świeckim zasadom i normom.
Ważną zmianą w kulturze Europy Zachodniej było ustanowienie zasady realizmu w ideologii, sztuce i filozofii. Światopogląd mitologiczny i religijny zostaje zastąpiony rozpoznaniem rzeczywistości, co wymaga uwzględnienia okoliczności i przezwyciężenia złudzeń. Utwierdzono się w myśleniu utylitarnym, ściśle powiązanym z potrzebami realnego życia. W życiu społecznym ukształtowała się autonomia władzy kościelnej i państwowo-politycznej, a w każdej warstwie społecznej ukształtowały się stabilne stosunki burżuazyjne.
Przez cały XIX - XX wiek. w społeczeństwie burżuazyjnym rozwijają się wyspecjalizowane orientacje wartościowe i wprowadzany jest do świadomości społecznej wysoki prestiż przedsiębiorczości. Wytyczne ideologiczne utwierdzają wizerunek człowieka sukcesu, ucieleśniającego ducha przedsiębiorczości, determinacji, podejmowania ryzyka, w połączeniu z trafną kalkulacją, a połączenie ducha przedsiębiorczości z duchem narodowym okazuje się ważnym środkiem spójności społeczeństwa . Ustanowienie jedności narodowej oznaczało wygładzenie wewnętrznych różnic, barier i granic. Na poziomie państwa realizowane są różnorodne programy mające na celu łagodzenie skutków rozwarstwienia społecznego, zapewnienie przetrwania i utrzymanie statusu grup ludności o niskich dochodach.
Stosunki międzypaństwowe krajów europejskich dążyły do ​​pluralizmu społeczno-kulturowego, choć walka o niepodległość i prawa autonomiczne prowadziła do długich i krwawych wojen. Czasami rywalizacja rozciągała się na przestrzenie kolonialne.
Stopniowo zmniejszał się poziom centralizacji, monopolu politycznego i duchowego, co ostatecznie przyczyniło się do wzmocnienia pluralizmu. Wzajemne oddziaływanie różnych ośrodków wpływu stworzyło pluralistyczny system, w którym regulacja stosunków rozwinęła się w oparciu o wzajemną relację praw i obowiązków. Taki system przyczynił się do zniszczenia anarchii, autorytaryzmu i powstania mechanizmu prawnej regulacji stosunków.
Zasady demokracji wdrażano przede wszystkim w życiu publicznym, rozciągając się na inne sfery społeczeństwa.
Jako pierwsze w fazę modernizacji weszły Stany Zjednoczone, Europa Zachodnia i Japonia.
Modernizacja wiąże się z intensywnym rozwojem technologii, spowodowanym imperatywem społeczeństwa przemysłowego, o którym już wspomniano: koniecznością ugruntowania przewagi pracy akumulowanej nad pracą żywą. Ważnym ekonomicznym powodem technizacji jest to, że bez nowych technicznych środków produkcji nie da się zapewnić poziomu konsumpcji i stylu życia odpowiadającego cechom społeczeństwa przemysłowego. Ważnym powodem politycznym jest to, że w warunkach rywalizacji narodowościowej bardziej zaawansowane technologicznie kraje i narody mogą z większym sukcesem bronić swoich interesów, a nawet narzucać swoją wolę społecznościom mniej rozwiniętym. W kulturze zwyczajowo wyróżnia się dwa powody duchowe, które zapewniły społeczeństwu technicznemu wysoki prestiż. Po pierwsze, jest to idea człowieka jako aktywnego transformatora natury, po drugie, jest to potwierdzenie aktywnej roli umysłu w pojmowaniu rzeczywistości i jego zdolności do konstruowania świata na swój własny sposób. Wpływ technologii nie ogranicza się jednak do wysokich technologii. To także transformacja światopoglądu człowieka. Produkcja masowa. W społeczeństwie przemysłowym dynamikę produkcji mierzy się w kategoriach fizycznych lub pieniężnych, to znaczy według kryteriów ilości i wielkości. Kryteria te mają zastosowanie także do innych obszarów.
Zużycie energii jako kryterium poziomu życia. Wykorzystując nowe źródła energii, nowoczesna technologia umożliwia realizację imponujących projektów. Koncentracja na nowych źródłach energii spowodowała przełomy w technologiach, które czasami stają się bardzo niebezpieczne dla człowieka.
Zerwij z tradycjami. Technologia nieustannie patrzy w przyszłość. Poprawa standardu życia wiąże się z udoskonalaniem technologii, która musi być stale unowocześniana. W takiej sytuacji zawrócenie oznacza koniec postępu, bez którego zatraca się sam sens procesu modernizacji. Jest odurzenie w poszukiwaniu czegoś nowego, chęć ciągłej odnowy, czyli zerwania z tradycjami.
Poczucie funkcjonalności. Udoskonalenie technologii i produkcji, „materialność” świadomości, kult technologii rodzą racjonalne podejście do świata jako środowiska obiektów funkcjonalnych. Nawet na samego człowieka zaczęto patrzeć z punktu widzenia racjonalnego znaczenia.
Nowa komunikacja. Technologia komunikacyjna w miarę doskonalenia przyczynia się do intensyfikacji procesów komunikacyjnych, niszczenia barier politycznych i kulturowych, przybliżania obszarów peryferyjnych do ośrodków, a tym samym przyczynia się do rozszerzenia procesu modernizacji.
Nowe modele myślenia. Masowe rozprzestrzenianie się technologii wymagało fundamentalnej zmiany w ludzkim myśleniu. Maleje rola obrazów antropomorficznych i zasad humanitarnych. Wypierane są przez naturalne, naukowe podejście do świata, przyrody, społeczeństwa i człowieka. Myślenie staje się abstrakcyjne. Nowe zasady społeczno-technologicznej organizacji działalności objęły nie tylko wielki przemysł, ale rozprzestrzeniły się na wszystkie sfery życia, także duchowe. W rezultacie kultura duchowa zamienia się w przemysł masowej świadomości.
3. ZACHODNIA SZTUKA EUROPEJSKA XIX WIEKU
W sztuce XIX w. Należy podkreślić kilka nurtów artystycznych związanych z rozwojem całej kultury.
Romantyzm w sztuce i literaturze ma wspólne cechy charakterystyczne: odrzucenie burżuazyjnej, burżuazyjnej rzeczywistości swoich czasów, przeciwstawienie prozy świata istniejącego światu idealnemu. Opozycja ta została przeprowadzona za pomocą nieodłącznych metod ekspresji właściwych różnym rodzajom sztuki. Na przykład zestawienie dnia pełnego gwaru skłoniło poetów, muzyków i malarzy do poetyzacji nocy, tego dziwnego, czasem surrealistycznego świata, który żyje według własnych praw. Gatunek nocny staje się ulubionym gatunkiem w twórczości artystów romantycznych. Czasem w tekstach nocy ustępuje groza ciemności. Odrzucenie życia i rzeczywistości rodzi motyw odejścia, ucieczki od życia, który wyraża się w różnych formach, m.in. w gatunku podróży, wędrówki, najczęściej do wschód. Temat śmierci nabiera szczególnego znaczenia. Ulubionym tematem romantyków jest zbuntowany bohater, tragiczna walka, pomieszanie gwałtownych uczuć. Portret nabiera szczególnego znaczenia. Artyści starają się przedstawić wewnętrzne funkcjonowanie myśli, zaabsorbowanie sobą i zmysłową indywidualność. Obrazy burzliwej natury pozwalają nam alegorycznie przekazać nasze plany. Motyw heroicznej walki z żywiołami, desperackiego napięcia, impulsu są wspólne dla romantyków krajów europejskich. Chęć głębszego poznania zawiłości ludzkiej duszy rodzi wątki tragedii złamanego losu, chorej duszy i rozpaczy. Do najwybitniejszych przedstawicieli szkoły francuskiej należeli E. Delacroix i T. Gericault.
Romantyzm znalazł swoje odzwierciedlenie także w malarstwie pejzażowym, które niosło ze sobą szczególny nastrój i inspirację kontemplacją rodzimej przyrody. Jest to przede wszystkim charakterystyczne dla sztuki angielskiej, której wybitnymi przedstawicielami byli J. Constable, J. Turner, R. Benington.
Realizm. Historia realizmu jako nurtu w sztuce związana jest z malarstwem pejzażowym we Francji, z tzw. szkołą barbizońską. Barbizon to wieś, do której przyjeżdżali artyści, aby malować wiejskie pejzaże. Odkryli piękno natury Francji, piękno pracy chłopów, która była asymilacją rzeczywistości i stała się nowością w sztuce. Do szkoły barbizonskiej zaliczają się dzieła T. Rouseau, J. Dupre, C. Daubigny’ego i innych, tematycznie zbliżone do nich – C. Corota, J. Milleta. Szefem ruchu realistycznego był Gustave Courbet. Wydarzenia historyczne, które miały miejsce we Francji, od rewolucji 1830 roku po Komunę Paryską, wojnę francusko-pruską, znalazły odzwierciedlenie w twórczości grafika Honore Daumiera. Jego twórczość zyskała popularność dzięki pojawieniu się litografii, czyli możliwości reprodukcji graficznych dzieł sztuki.
Impresjonizm. Nazwa tego ruchu pochodzi od francuskiego słowa oznaczającego „wrażenie”. Historia gatunku ma swój początek w twórczych poszukiwaniach zarówno realistów, jak i romantyków. Istotą impresjonizmu jest chęć przekazania bezpośredniego wrażenia otaczającego świata. Za pomocą środków obrazowych artyści starali się przekazać wyjątkowość i iluzję światła, powietrza, wody, koloru w całej jego czystości i subtelnych niuansów środowiska światło-powietrze. Malarstwo poszerzało granice przestrzeni, „otwierało okno” na naturę ze wszystkimi jej niepowtarzalnymi i ulotnymi zmianami. Założycielem ruchu był Edouard Manet, ale jego uznanym przywódcą został Claude Monet. Wybitnymi impresjonistami byli O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, C. Pissarro, a później P. Cezanne, V. van Gogh, a rzeźbiarz O. Rodin był im bardzo bliski charakterem swojej twórczości. Impresjonizm zapoczątkował nowe postrzeganie otaczającego nas świata, pozwolił odczuć piękno każdej chwili życia i wywarł ogromny wpływ na pojawienie się nowych kierunków w sztuce.
Ogólnie rzecz biorąc, kultura Europy Zachodniej w XIX wieku. rozwinęła się jako kultura społeczeństwa przemysłowego ze wszystkimi jej nieodłącznymi cechami i wpłynęła na jej dalsze kształtowanie się.
Alienacja stała się jedną z najważniejszych cech społeczeństwa przemysłowego. Ze sfery stosunków pracy alienacja rozszerzyła się na normy społeczne.
Kolonializm. Ujarzmianie bardziej zacofanych krajów w celu wykorzystania ich zasobów nie ograniczało się do ustanowienia dominacji politycznej i gospodarczej, ale towarzyszyło mu tłumienie lokalnych kultur w imię uniwersalizmu zachodniego industrializmu.
itp.................

Kultura zachodnioeuropejska XIX i XX wieku
1. Ogólna charakterystyka realiów społeczno-gospodarczych i kulturowych w Europie 19
wiek
2. Sytuacja społeczno-kulturowa XX wieku
1.Kultura XIX wieku jest kultura ustalonych stosunków burżuazyjnych.
Do końca XVIII wieku. kapitalizm jako system jest w pełni ukształtowany. Zakrył wszystko
gałęzie przemysłu produkcji materiałów,
co doprowadziło do odpowiedniego
przemiany w sferze pozaprodukcyjnej (polityka, nauka, filozofia,
sztuka, edukacja, życie codzienne, świadomość społeczna).
Kultura tego okresu charakteryzuje się odbiciem wewnętrznych sprzeczności
społeczeństwo burżuazyjne: zderzenie przeciwstawnych tendencji, walka głównych
klasy burżuazji i proletariatu, polaryzacja społeczeństwa, szybki rozwój
kultura materialna i początek alienacji osobistej.
W 19-stym wieku Następuje radykalna rewolucja związana z pojawieniem się maszyny, która
alienuje człowieka od natury, łamiąc zwykłe wyobrażenia na jego temat
dominującą rolę i czyni z człowieka istotę zależną od maszyny. W
W warunkach mechanizacji człowiek schodzi na peryferie życia duchowego, odrywa się od nich
podstawy duchowe. Miejsce pracy rzemieślniczej kojarzonej z osobowością i kreatywnością
mistrzu, podjął się monotonnej pracy.
Kultura duchowa XIX wieku. rozwinęła się i funkcjonowała pod wpływem dwóch
najważniejsze czynniki: sukces w dziedzinie filozofii i nauk przyrodniczych. Prezenter
dominująca kultura XIX w. była nauka.
Różne orientacje wartości opierały się na dwóch pozycjach wyjściowych:
z jednej strony ustanowienie i utwierdzenie wartości burżuazyjnego stylu życia,
z drugiej zaś krytyczne odrzucenie społeczeństwa burżuazyjnego. Stąd wygląd
takie odmienne zjawiska w kulturze XIX wieku: romantyzm, realizm krytyczny,
symbolizm, naturalizm, pozytywizm itp.
2.XX wiek to najbardziej dynamiczny w historii cywilizacji ludzkiej i to
nie mógł nie wpłynąć na cały charakter jego kultury.
W historii kultury XX wieku. Można wyróżnić trzy okresy:
1) początek XX w. w 1917 r. (ostra dynamika procesów społeczno-politycznych,
różnorodność form artystycznych, stylów, koncepcji filozoficznych);
2) 2030 (radykalna restrukturyzacja, pewna stabilizacja dynamiki kulturowej,
powstanie nowej formy kultury socjalistycznej),
3) powojenne lata 40. całą drugą połowę XX wieku. (czas formacji
kultur regionalnych, wzrost świadomości narodowej, pojawienie się
ruchy międzynarodowe, szybki rozwój technologii, pojawienie się nowych zaawansowanych
technologie, aktywny rozwój terytoriów, łączenie nauki z produkcją, zmiany
paradygmaty naukowe, kształtowanie nowego światopoglądu). Kultura jest systemem
wszystko jest ze sobą powiązane i wzajemnie zdeterminowane.
Pod koniec XX wieku kultura w stylu europejskim rozprzestrzeniła się na inne
kontynentach do krajów Azji i Ameryki, a także do Australii i Nowej Zelandii

w XX wieku wspólne cechy i trendy typowe dla Zachodu
ogólnie kultura. Działalność człowieka ukształtowała minione stulecie
jedna uniwersalna kultura, która obejmowała:
industrializacja produkcji i masowa konsumpcja;
ujednolicone środki transportu i przekazywania informacji;
międzynarodowa nauka i edukacja dostępna niemal dla każdego;
różnorodność stylistyczna i gatunkowa w sztuce.
Kultura zachodnia XX wieku, oparta na przedsiębiorczości, jest wyłącznie
mobilny i dynamiczny. Jej głównymi bohaterami byli ludzie zaangażowani w biznes
i tych, którzy umieją zarabiać pieniądze. Ich zachowanie cechował indywidualizm, praktyczność,
pragnienie ciągłego komfortu, sukcesu i wzbogacenia. Jednocześnie zachodni
Kultura XX wieku był otwarty na generowanie nowych pomysłów, próbek, koncepcji,
orientacja. Jej dominującą cechą była idea transformacyjnej działalności człowieka, jak
jego główny cel. Z kolei kultura była postrzegana jako
pośrednik między człowiekiem a przyrodą.
Kultura artystyczna XX wieku
Jego specyficzną cechą była obecność dwóch systemów artystycznych:
modernizm i postmodernizm.
Realizm w kulturze XX wieku jest kontynuacją wpływu kultury XIX wieku. Wraz z
z bezpośrednią tradycją odziedziczoną po tym stuleciu, wyłaniają się dwa nowe trendy
realizm
1. Realizm obrazowy
2.Realizm socjalistyczny
3. Neorealizm
4. Hiperrealizm
Zgodnie z realizmem obrazowym szczególny rozwój osiągnęła sztuka liryczna pejzażowa.
malarstwo, w którym charakter i stan natury zostały połączone z nastrojami i
uczucia ludzkie (I Grabar, K. Yuon). Zajmowali się gatunkiem portretów teatralnych
M. Vrubel, P. Kustodiew, V. Serow.
Realizm społeczny jest formą realizmu skupiającą się na refleksji
rzeczywistość społeczną, propagując w formach idee socjalistyczne
ideał artystyczny. Przekonania demokratyczne czy uczucia artystów
odnajdujemy w nich socrealizm, ich humanistyczne poglądy, poczucie dramatyzmu życia
odzwierciedlenie w ich twórczości (wczesny Picasso, A. Matisse, M. Saryan, P. Kuzniecow).
Na szczególną uwagę zasługuje meksykańska szkoła neorealizmu, czyli muraliści, których istota
polegało na ozdobieniu budynków użyteczności publicznej cyklami fresków z historii kraju,
życie ludzi, ich walka. Głównym bohaterem tych fresków są ludzie. (D. Rivera,
D. Siqueiros, X. Orozco, R. Guttuso).
W latach 80 pojawiły się nowe formy realizmu, zwane „realizmem gniewnym”,
hiperrealizm, czyli malarstwo fotodokumentalne, realizm naiwny, folklor
realizm itp. Modernizm
W tłumaczeniu z francuskiego „modernizm” oznacza „nowy, nowoczesny”. Najjaśniejszy
kierunki modernizmu, które najdynamiczniej objawiły się w pierwszej połowie

XX wiek: Dadaizm, surrealizm, ekspresjonizm, fowizm, suprematyzm, kubizm,
awangarda, egzystencjalizm, abstrakcjonizm.
Na praktykę modernizmu duży wpływ mieli:
idee irracjonalnego woluntaryzmu A. Schopenhauera i F. Nietzschego;
doktryna intuicji A. Bergsona i N. Lossky'ego;
psychoanaliza 3. Freud i C.G. Chłopiec okrętowy;
egzystencjalizm M. Heideggera, J.P. Sartre'a i A. Camusa;
teorie filozofii społecznej szkoły frankfurckiej T. Adorno i G. Marcuse.
Ogólny nastrój emocjonalny modernizmu można wyrazić następującym zdaniem:
chaos współczesnego życia, jego rozkład przyczyniają się do nieporządku i
samotność człowieka, jego konflikty są nierozwiązywalne i beznadziejne, a okoliczności,
w którym się znajduje, są nie do odparcia.
Cechami charakterystycznymi stylu secesyjnego były:
chęć estetyzacji otoczenia człowieka;
kładł nacisk na aktywność wpływania na procesy życiowe;
rozrywka i dekoracyjność.
Fowizm uważany jest za pierwszy ruch w sztuce modernistycznej XX wieku.
Francuska krytyka nazwała grupę młodych artystów Fauves, w skład której wchodzili m.in
znaleźli się A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marche i inni.
Działalność wystawiennicza była najintensywniejsza w latach 1902-1907
Kolejnym kierunkiem modernizmu był Dadaizm (fr. Dadaisme od Duda Horse,
łyżwa; w przenośni niespójna rozmowa o dziecku) awangarda
kierunek w sztuce zachodnioeuropejskiej, który rozwinął się głównie w
Szwajcaria, Francja i Niemcy podczas I wojny światowej (1916).
Dadaizm powstał w Szwajcarii wśród inteligencji skłonnej do protestu
przeciwko wojnie do swego rodzaju artystycznego szokującego Założycieli Dadaizmu
byli poeci T. Tzara i R. Gulsenbeck, artysta G. Arp i inni.
publikował manifesty i czasopismo „Cabaret Voltaire” (1916-1917), zawierające ich
próbowali przełamać improwizowanymi, skandalicznymi przedstawieniami teatralnymi
ugruntowane poglądy na temat istniejących typów i gatunków sztuki.
Surrealizm (z francuskiego surrealizm, nadrealizm, superrealizm) awangarda
kierunek w kulturze artystycznej XX wieku, który głosił obraz kuli
nieświadomość jest głównym celem sztuki.
Surrealizm objawił się bardzo jasno i skutecznie w malarstwie. Sama zasada
połączenie tego, co niezgodne, jest wizualne, a przez to malownicze. Płótna
surrealiści byli natychmiast zszokowani. Złożone kompozycje
obrazy surrealistyczne łączyły w sobie „chaos automatycznego rozpryskiwania się
podświadomość” z fotograficznie dokładnym odtworzeniem prawdziwych szczegółów i
rzeczy. Pod tym względem dzieło słynnego
Hiszpański artysta S. Dali.
Ekspresjonizm (od łac. expressio expression) to ruch artystyczny w
sztuka Niemiec, która rozwinęła się w pierwszej ćwierci XX wieku. To samo co dla
Fowiści, dla ekspresjonistów, kolor stał się podstawą organizacji artystycznej