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Ce fut un siècle où le rythme de développement de la civilisation occidentale s’est de plus en plus accéléré, où la société industrielle s’est formée et où l’économie de marché s’est renforcée et développée. L’un des facteurs les plus importants influençant toutes les sphères de la vie a été la dynamique croissante progrès scientifique et technique. Le XIXe siècle a donné au monde le bateau à vapeur, la locomotive à vapeur, le transport automobile, le télégraphe, le téléphone, la radio, la photographie, l'enregistrement sonore et le cinéma. L'éclairage électrique apparaît dans les villes. Le prestige des sciences exactes et techniques augmente et l'enseignement primaire devient obligatoire pour tous.

La structure sociale de la société évolue également : le nombre de personnes employées dans l'agriculture et vivant à la campagne diminue ; le nombre de citadins augmente, l'égalité des classes s'établit dans la vie économique et le processus de devenir une société démocratique est en cours.

La caractéristique la plus importante de la culture occidentale de cette époque est la diversité exceptionnelle des tendances et des genres artistiques et littéraires. Beaucoup d'entre eux ont été hérités par la culture du XIXe siècle des siècles précédents : il s'agissait du classicisme, du sentimentalisme et du pré-romantisme. Le début d'autres styles remonte au 19ème siècle.

Au début du siècle, sur la base du pré-romantisme, un le romantisme, dont les traits sont le déni du cadre rigide du classicisme, le désir de liberté, l'ironie envers le progrès bourgeois, la douloureuse discorde entre l'idéal et la réalité sociale. Le réalisme, né au début du siècle et devenu rapidement un mouvement artistique de premier plan, a donné de brillants résultats dans tous les types d'art. Il se distinguait par le désir d'un reflet fidèle de la réalité et en même temps par la présence d'un idéal d'auteur élevé dans l'œuvre, la reproduction de personnages et de situations typiques et en même temps l'individualisation dans leur représentation. Naturalisme est parti de l'idée de la prédétermination complète du destin, de la volonté et du monde spirituel d'une personne par son environnement social, son hérédité et sa physiologie. En quête d'une présentation objective et impartiale de la réalité, les naturalistes se comparaient aux scientifiques et leurs méthodes artistiques aux méthodes d'analyse scientifique. Symbolisme construit sur l’hypothèse qu’il existe une réalité cachée à la connaissance humaine directe ; le but de l’art est de percer ces réalités cachées ; Cette « essence idéale du monde » peut être connue à l'aide de symboles - des idées qui dépassent les limites de la perception sensorielle. Représentants impressionnisme ils ont essayé de capturer le monde réel sous la forme la plus naturelle - dans toute sa beauté et sa variabilité de minute en minute, pour transmettre leurs impressions et humeurs éphémères en peinture. Une continuation et en quelque sorte une négation de l'impressionnisme. post-impressionnisme, qui se caractérisait par la recherche de principes d'existence permanents, d'essences matérielles et spirituelles stables du monde.

Le XIXe siècle a produit de nombreux grands noms. Parmi eux en littérature figurent Mark Twain, Honoré de Balzac, Prosper Mérimée, François de Chateaubriand, Gustave Flaubert, Guy de Maupassant, Emile Zola, George Byron, Walter Scott, Charles Dickens, Victor Hugo, George Sand, Heinrich Heine, Ernst Theodore Amadeus. Hoffmann ; en musique - Robert Schumann, Franz Schubert, Richard Wagner, Ludwig van Beethoven, Franz Liszt, Frédéric Chopin, Giuseppe Verdi, Claude Debussy, en peinture - Auguste Ingres, Eugène Delacroix, Gustave Courbet, Käthe Eolwitz, Edouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Paul Gauguin, Paul Cézanne, Van Gogh, en sculpture - Auguste Rodin, en sciences - Charles Darwin, Louis Pasteur, Max Planck, Bernhard Riemann, Pierre et Marie Curie, Wilhelm Roentgen.

Dans l'architecture du début du XIXe siècle, le style principal était le classicisme, sur la base duquel est né style empire-- la dernière étape du développement du classicisme en architecture. Le style Empire se caractérise par des formes massives et monumentales, un décor riche et une utilisation active du patrimoine artistique de la culture de l'Europe antique, en particulier de la Rome antique. Des exemples de bâtiments de style Empire incarnaient les idées de pouvoir d'État et de gloire militaire. La construction d'arcs de triomphe et de colonnes dans le style romain antique était populaire. Au milieu du siècle vient le temps de l'éclectisme en architecture, le style est populaire l'historicisme, exprimant le désir de montrer les origines de l'architecture nationale et d'identifier ses principales caractéristiques.

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, l'introduction de nouveaux matériaux et technologies dans la pratique de la construction a considérablement élargi les capacités fonctionnelles et artistiques des architectes. La construction de nouveaux types de structures commence, un exemple est la célèbre Tour Eiffel à Paris (1889).

Culture d'Europe occidentale du 19e siècle

Introduction

Dans le développement de la littérature et de l'art d'Europe occidentale du XIXe siècle. - la période d'apparition d'œuvres qui sont devenues un immense bien culturel et une conquête du génie humain, même si les conditions de développement étaient complexes et contradictoires.

Les facteurs qui ont influencé les principaux processus et orientations de la créativité artistique étaient variés. Ils comprenaient des changements dans les relations fondamentales, dans la vie politique, le développement de la science, la révolution industrielle et ses résultats, ainsi que l'aspect religieux.

1. Principaux processus et orientations de la vie socio-politique, scientifique et religieuse

Parmi les facteurs socio-économiques et politiques, les révolutions sociales et le mouvement révolutionnaire revêtaient une importance décisive. Dans le 19ème siècle Les révolutions bourgeoises ont balayé de nombreux pays européens et ont représenté l'une des étapes les plus importantes de la lutte des classes. Ils ont contribué à l'établissement et au développement du capitalisme, à la solution de problèmes historiques urgents, en particulier à l'unification de l'Italie et de l'Allemagne, et ont éveillé dans l'humanité progressiste le désir de se libérer de l'oppression sociale et de l'injustice.

La révolution industrielle, qui s’est terminée au XIXe siècle, a eu un impact considérable sur le développement du monde de l’Europe occidentale. La révolution industrielle a conduit à une restructuration significative du travail et du monde objectif. Son résultat immédiat est une augmentation sans précédent de la productivité du travail social. Les besoins pratiques ont stimulé le développement rapide de la science. XIXème siècle - c'est l'épanouissement des sciences naturelles classiques, la création d'un système unifié de sciences. À cette époque, le lien entre la science et la production se resserre. Les premiers laboratoires de recherche travaillant pour l'industrie apparaissent. Les découvertes dans divers domaines des sciences naturelles influencent de plus en plus le développement d'industries de pointe : la métallurgie, l'énergie, la construction mécanique, la fabrication d'instruments, les transports et l'industrie chimique.

Aux réalisations les plus marquantes de la révolution industrielle du XIXe siècle. Cela inclut l'utilisation de l'électricité dans l'industrie, les nouveaux moyens de communication (télégraphe, téléphone), les dispositifs d'entraînement des machines de travail, dans de nombreux processus technologiques de diverses industries, dans la création de lampes à incandescence pour l'éclairage des pièces et des rues. La création d'une locomotive à vapeur, d'un moteur à combustion interne, d'un téléphone, d'une radio, d'un cinéma et bien plus encore a constitué une révolution scientifique et technologique.

La formation d'une société industrielle a commencé, radicalement différente de la société préindustrielle qui l'a précédée. La production industrielle, associée à une technologie en constante évolution, à la sortie de nouveaux biens et à la création du secteur des services, comme l'a souligné K. Marx, a joué un grand rôle civilisateur. En arrachant d'immenses masses de personnes aux structures sociales antérieures et en sapant ces structures elles-mêmes, l'industrialisation devient la force motrice qui introduit les masses dans de nouvelles relations et les habitue à un nouveau mode de vie, un nouveau rythme de travail, une nouvelle discipline, élargit l'alphabétisation et les horizons de la vie. existence.

Les processus politiques et sociaux turbulents ont prédéterminé des changements dans les formes de gouvernement dans de nombreux pays. La France a connu des bouleversements particulièrement importants, où au cours d'un siècle le Directoire, le Consulat, l'Empire ont été établis à deux reprises, la dynastie des Bourbons a été restaurée, la République a été proclamée à deux reprises, et même la Commune de Paris a eu lieu, lorsque la classe ouvrière a pris le pouvoir. puissance pendant une courte période.

Des bouleversements révolutionnaires continus se sont produits au XIXe siècle. Dans la science. Durant cette période historique, la science fut glorifiée par R. Mayer (1814-1878), J. Joule (1819-1889), G. Helmholtz (1821-1894), qui découvrirent les lois de conservation et de transformation de l'énergie, qui fournissaient un base unifiée pour toutes les branches de la physique et de la chimie. La création de la théorie cellulaire par T. Schwann (1810-1882) et M. Schleiden (1804-1881), qui montrait la structure uniforme de tous les organismes vivants, a été d'une grande importance pour la compréhension du monde. Charles Darwin (1809-1882), qui a créé la théorie de l'évolution en biologie, a introduit l'idée de développement dans les sciences naturelles. Grâce au système périodique d'éléments découvert par le brillant scientifique russe D.I. Mendeleev (1834-1907), le lien interne entre tous les types de matière connus a été prouvé. La découverte de l'électron, du radium, la transformation des éléments chimiques, la création de la théorie de la relativité par A. Einstein (1879-1955) et de la théorie quantique par M. Planck (1858-1947) marquèrent une percée dans le domaine de la le micromonde et les vitesses élevées.

Dans le 19ème siècle un développement significatif de la pensée philosophique a été réalisé. Il a été préparé par les enseignements de I. Kant (1724-1804) et I. Fichte (1762-1814). Sur la base de leurs dispositions, une théorie romantique a été créée, les bases d'une philosophie objectif-idéaliste ont été posées, formalisées dans l'enseignement harmonieux de F.V. Schelling (1775-1854). Schelling voyait dans l'art le domaine où les oppositions entre le théorique et le moral-pratique sont surmontées ; le principe esthétique apparaît comme « l'équilibre », l'harmonie complète de l'activité consciente et inconsciente, la coïncidence de la nature et de la liberté, le triomphe des sentiments et des principes moraux.

Le concept objectif-idéaliste a été développé davantage dans les travaux du plus grand philosophe allemand G. Hegel (1770-1831), qui lui a donné une intégralité sous la forme des lois fondamentales de la dialectique. Tout comme Schelling, Hegel défendait l'idée du développement progressif de l'humanité et le principe de l'historicisme. De plus, le principe de l’historicisme est pleinement développé dans les œuvres de Hegel. Il considérait toute l'histoire de l'humanité comme un processus unique dans lequel chaque époque occupe une place particulière et influence le développement ultérieur.

La dialectique s'est établie non seulement dans des systèmes philosophiques intégraux, mais ses éléments ont pénétré et enrichi diverses formes de culture spirituelle.

Contrairement aux positions de Hegel, un concept idéaliste est apparu au même moment, rejetant l'idée de la possibilité d'un progrès historique, dont les partisans étaient F.R. de Chateaubriand (1768-1848) et A. Schopenhauer (1788-1860).

XIXème siècle ont donné au monde K. Marx et F. Engels, qui ont créé la doctrine matérialiste au milieu du siècle. K. Marx (1818-1883) et F. Engels (1820-1895) affirmèrent la primauté de la matière et, en utilisant la dialectique hégélienne, développèrent le concept de matérialisme historique, selon lequel l'histoire de l'humanité apparaît comme un changement de formations (méthodes de production) et la lutte des classes. Leur enseignement, qui a été développé davantage, est entré dans l'histoire sous le nom de marxisme.

Influent au 19ème siècle. il y avait aussi un mouvement philosophique associé au nom d'O. Comte (1798-1857). Comte est le fondateur du positivisme né dans les années 30. XIXème siècle, puis modernisé grâce au développement de la science. Le positivisme est une doctrine selon laquelle seule la connaissance empirique basée sur l'expérience et sa description précise peut être une vraie connaissance. Comte a même admis que la philosophie antérieure, en tant qu'étude particulière de la réalité, n'avait pas droit à une existence indépendante.

XIXème siècle et surtout sa première moitié est une période d’intérêt général pour la science historique. Dans presque tous les pays, des sociétés historiques émergent, des musées ouvrent et des magazines sont publiés. La découverte du principe d'historicisme et la pensée dialectique permettent de développer les principes scientifiques de l'histoire. Cette mission a été menée par l'historien français François Guizot (1787-1874), créateur de la théorie pré-marxiste de la lutte des classes.

Réalisations scientifiques du 19ème siècle. a également abordé la linguistique (par exemple, J.F. Champollion (1790-1832) a déchiffré les hiéroglyphes égyptiens), l'archéologie ; Les bases de la folkloristique scientifique, de l’histoire de l’art et de la critique littéraire sont posées. Un complexe de disciplines scientifiques humanitaires se forme ; La science économique atteint des sommets significatifs, la sociologie est née. Sous l'influence des tendances athées de la société, l'Église traverse une grave crise. De nouvelles religions pénètrent en Europe, naissent les concepts de séparation de l'Église et de l'État, de liberté de conscience, de religion, de laïcisation de l'éducation, etc.. Les processus de sécularisation sapent l'influence de la religion en tant que principe intégrateur. Les conflits religieux s’affaiblissent, mais en même temps le sentiment d’unité des croyants est mis à mal. Ces processus ne signifient pas une rupture des liens sociaux, mais ils modifient largement la nature de ces liens. L'unité de la société se forme en grande partie sous forme d'unité nationale. La croissance de la mobilité sociale, c'est-à-dire le mouvement de la population entre la ville, la campagne et différentes zones, rapproche les différents groupes de la population. Dans le même temps, un rapprochement culturel se produit verticalement, à mesure que des couches aux statuts financiers différents commencent à communiquer dans le cadre d'une même activité professionnelle.

Le développement de la production implique l’introduction de technologies de plus en plus complexes, ce qui est impossible sans un certain minimum d’éducation publique. Le siècle des Lumières a contribué à l’abolition de nombreux vestiges médiévaux dans les domaines du droit, des procédures judiciaires, de l’art, de la moralité et de la culture politique. Cela a conduit à une démocratisation progressive de la société, à mesure que des segments toujours plus larges de la population ont commencé à bénéficier d'une protection juridique, ont acquis la possibilité de participer à la vie civile et ont pu s'impliquer dans les réalisations culturelles.

Ainsi, la structure industrielle de la société impliquait une profonde transformation qualitative non seulement de la nature de la production, mais aussi des structures sociales et de la culture dominantes de la société. De grands changements ont eu lieu au 19ème siècle. dans le développement de la philosophie, de la science et de la technologie, a eu une influence considérable sur le développement de la littérature et de l'art en Europe occidentale.

Ce chapitre contient des informations sur le développement de l'art dans les pays d'Europe occidentale au XIXe siècle. systématisé selon les principales orientations et types de style. Les œuvres artistiques et littéraires caractérisées et analysées sont tirées de manière sélective de l'histoire de ce pays d'Europe occidentale où les résultats les plus remarquables ont été obtenus et qui a apporté la contribution la plus significative au développement d'un type particulier d'art et de créativité artistique.

Une caractéristique commune du développement de la culture mondiale au XIXe siècle. il y a eu une augmentation constante des échanges culturels internationaux. Cela a été facilité par le développement rapide des contacts économiques mondiaux, l'amélioration des moyens de transport, des communications et de l'information mutuelle.

Considérons l'essence et le contenu des tendances les plus importantes du développement de la culture européenne au XIXe siècle.

2. Classicisme

En tant que style artistique, le classicisme (du latin classicus - exemplaire) a commencé à prendre forme dans l'art européen au XVIIe siècle. Sa caractéristique la plus importante était son appel aux principes de l'art ancien : rationalisme, symétrie, direction, retenue et stricte conformité du contenu de l'œuvre avec sa forme. Ce style s'est développé en France, reflétant l'instauration de l'absolutisme dans ce pays.

Il y a deux étapes dans le développement du classicisme : le XVIIe siècle. et XVIII - début XIX siècles. Au XVIIIe siècle le classicisme est devenu un style paneuropéen et a été associé aux Lumières bourgeoises. À cette époque, il devient un représentant des idéaux civiques et des aspirations révolutionnaires bourgeoises.

Les principes du classicisme reposent sur les idées du rationalisme philosophique, qui défend l'idée d'un modèle raisonnable du monde et d'une nature belle et ennoblie. Selon ce concept, une œuvre d’art est le fruit de la raison et de la logique, qui triomphe ou bat le chaos et la fluidité de la vie perçus par les sens. Pour les classiques, seul l’intemporel, c’est-à-dire l’impérissable, a une valeur esthétique.

Le classicisme a proposé de nouvelles normes éthiques, car il attachait une grande importance à la fonction sociale et éducative de l'art. Les héros du classicisme résistent aux vicissitudes et à la cruauté du destin. Pour eux, le général est supérieur au personnel, les passions sont subordonnées au devoir, à la raison et aux intérêts publics.

L'esthétique du classicisme, basée sur l'orientation vers un principe rationnel, déterminait les exigences correspondantes, c'est-à-dire les règles normatives. Une stricte hiérarchie des genres s’établit. Ainsi, en peinture, les peintures historiques, les peintures mythiques et religieuses étaient reconnues comme des genres « élevés ». Les « bas » comprenaient le paysage, le portrait et la nature morte. La même subordination des genres a été observée en littérature. La tragédie, l'épopée et l'ode étaient considérées comme « élevées », et la comédie, la satire et la fable étaient considérées comme « faibles ». Une démarcation claire des plans et une douceur des formes ont été établies pour les œuvres de sculpture et de peinture. S'il y avait du mouvement dans les personnages, cela ne perturbait pas leur calme statuaire et leur isolement plastique. Pour mettre clairement en valeur les objets, une couleur locale a été utilisée : marron pour le proche, vert pour le milieu, bleu pour le fond.

Le classicisme était caractérisé par des traits d'utopisme, d'idéalisation et d'abstraction, qui se sont intensifiés pendant la période de son déclin. Au milieu du 19ème siècle. le classicisme a dégénéré en académisme sans vie.

Même s’il existe des traits communs, le classicisme n’est pas un phénomène homogène. Ainsi, en France, la période révolutionnaire fut précédée et accompagnée par le développement du classicisme républicain, et pendant les années du Directoire et surtout du Consulat et de l'Empire napoléonien, le classicisme perdit son esprit révolutionnaire et se transforma en courant conservateur. En Italie, en Espagne et dans les pays scandinaves, un nouveau classicisme se développe, tantôt sous l'influence directe de l'art français, tantôt indépendamment de lui et même avant celui-ci.

1 Littérature

L'un des représentants du classicisme en littérature était le grand Johann Wolfgang Goethe (1749-1832), fondateur de la littérature moderne allemande. Il était la seule figure du siècle des Lumières à pouvoir observer au XIXe siècle. une réfraction de tous les idéaux de l’époque précédente. Goethe a commencé sa carrière littéraire par la rébellion, en participant dans les années 70. dans le mouvement littéraire romantique "Storm and Drang". En 1774, il écrit un roman autobiographique, Les Douleurs du jeune Werther. L'œuvre de Goethe « Élégies romaines » (1790), créée pendant la période dite du « classicisme de Weimar », appartient à Goethe. Il est imprégné d’un matérialisme élémentaire. Le drame "Ernani" (1788) est marqué par des tendances anti-féodales et anti-tyran.

Un talent poétique exceptionnel, une éducation polyvalente, une expérience de témoin de grands mouvements historiques - tout cela lui a donné l'occasion d'appréhender avec perspicacité les problèmes du siècle à venir. Sentant la complexité et l'incohérence de la nouvelle réalité, Goethe conserve foi dans les capacités humaines et les principes rationnels de l'univers. Le summum de la créativité de Goethe est la compréhension philosophique de la vie - la tragédie "Faust" (1808). Il ne parle pas seulement de l’Allemagne, mais de toute l’humanité, de son ascension continue vers des formes supérieures de conscience et de vie.

Faust est l'incarnation d'une personnalité orageuse, agitée et solitaire qui traverse un chemin long et douloureusement difficile de recherche du but de son existence, du sens de l'histoire. Il recherche la vérité et le bonheur non seulement pour lui-même, mais pour tous et est prêt à se battre pour ses convictions. Cette œuvre incarne les aspirations progressistes de l’humanité, émergeant des ténèbres du Moyen Âge.

Dans les premières années du XIXe siècle. Johann Friedrich Schiller (1759-1805), poète, dramaturge et théoricien allemand de l’art des Lumières, continue de créer. Comme Goethe, il est le fondateur de la littérature classique allemande. La renommée est venue immédiatement à Schiller. L'attitude de Schiller à l'égard de la Révolution française n'était pas claire. Malgré son accueil sympathique, Schiller a condamné les révolutionnaires pour cruauté et terreur, bien que la Convention ait décerné à l'auteur des « Voleurs » le titre élevé de Citoyen de la République française.

Au début du 19ème siècle. Schiller a écrit les tragédies « Marie Stuart » et « La Pucelle d'Orléans », le drame populaire « Guillaume Tell », reconnu comme un hymne puissant à la liberté acquise par la lutte.

Le classicisme républicain en France se reflète dans les drames de M.Zh. Chénier (1764-1811). Il est également l'auteur d'hymnes et de la tragédie patriotique révolutionnaire « Caius Gracchus » (1792). Dans la pièce « Charles IX ou une leçon pour les rois » (1789) et autres, il glorifie les républicains et les patriotes, fustige les aristocrates, le fanatisme religieux et l'ignorance. Chénier a également écrit des pièces de théâtre au contenu allégorique.

La poésie lyrique française la plus marquante de l'époque révolutionnaire est la poésie de son frère André Chénier (1762-1794). Il voyait dans l'art antique l'incarnation de la vertu et de la liberté, ainsi que le triomphe du principe sensuel. Il composa des élégies dans lesquelles il glorifiait l'amour terrestre et la jouissance de la vie, anticipant la poésie romantique. Il a écrit des odes politiques et le cycle politique « Iambas ». Après la révolution, il s'est prononcé en faveur d'une monarchie constitutionnelle, a été arrêté et guillotiné.

2 Art inventif

Dans le développement de la culture artistique mondiale du XIXe siècle. Les peintres, sculpteurs et graphistes de France ont joué un rôle exceptionnellement important et proéminent. L'évolution rapide des formes politiques dans ce pays a donné lieu à toute une série de révolutions tant dans la vie artistique que dans les mouvements artistiques. En termes de courage des quêtes idéologiques et créatives dans les beaux-arts, aucun pays ne peut se comparer à la France.

Le chef de file du classicisme français en peinture est Jacques Louis David (1748-1825). À la tribune de la Convention révolutionnaire et à la tribune du Club des Jacobins, il est reconnu comme un artiste « dont le génie rapprochait la révolution ».

L'œuvre de David incarne l'ère héroïque. L'artiste a ravivé les idées de l'Antiquité, la percevant comme un exemple de citoyenneté. "Le Serment des Horaces" est son œuvre la plus célèbre. Trois frères Horatii, partant défendre leur ville natale, acceptent les épées de leur père et prêtent serment. Leur unanimité s'exprime par un pas décisif vers les épées, que les frères franchissent simultanément. Cette image sonne comme un appel aux armes, à l’action révolutionnaire et patriotique.

L'immense tableau de David, Le Couronnement de Napoléon, combine les brillants talents d'un portraitiste et d'un peintre d'histoire. Parmi les tableaux historiques figure « Andromaque pleurant la mort d'Hectare », où la composition se déroule comme un bas-relief antique.

Le tableau « Le Consul Brutus condamnant ses fils à mort » était perçu comme « La Prise de la Bastille en peinture ».

Durant les années de la révolution, David fut l'organisateur de la vie artistique, le créateur de portraits et de peintures historiques dédiées aux événements contemporains. L'un de ses meilleurs tableaux est « La Mort de Marat », dans lequel le meurtre politique est interprété en utilisant les moyens de la tragédie antique. La dure vérité de la vie, le son tragique, la simplicité et la brièveté de la composition, la retenue des couleurs, la monumentalité sculpturale des formes font de cette toile un monument à la révolution.

Les portraits réalisés par David mettent l'accent sur l'essence sociale du modèle, incarnant l'idée du caractère et de l'activité d'une personne (par exemple, le portrait du « Docteur A. Leroy ». L'artiste a créé des portraits réalistes - « Marchand de légumes » », « Vieil homme au chapeau noir », qui a marqué le début d'un nouveau réalisme du XIXe siècle

L'élève de David, peintre, dessinateur, musicien Jean Auguste Ingres (1780-1867) était un brillant maître de la composition et du dessin raffiné. Il est l'auteur de tableaux à sujets historiques et religieux (« Le Vœu de Louis XIII », « L'Apothéose d'Homère »).

Il est entré dans l’histoire de l’art français comme un portraitiste réaliste de premier ordre.

Dans sa meilleure œuvre, « Portrait de Bertin », l'artiste donne une image profondément généralisée et vivante du caractère spirituel et moral de la bourgeoisie française. Ingres est un poète inspiré de beaux nus (série des « Odalisques », « La Grande Baigneuse »), auteur de brillants portraits au crayon. Le dessin est le véritable test des compétences d’un artiste », a déclaré l’ingénieur. Ses tendances classicistes tardives ont eu une grande influence sur le développement de l'académisme dans l'art français.

3 Sculptures

Les classiques ont peu créé cette forme d’art. En Allemagne, c'est I.G. Shadov (1764-1850), proche du classicisme des Lumières. Il est l'auteur d'œuvres monumentales et décoratives (quadrige de la porte de Brandebourg à Berlin), de statues et de bustes.

Le sculpteur italien A. Cakova (1757-1822) a créé la pierre tombale du pape Clément XIII et la statue mythologique « Amour et Psyché », ainsi que des portraits sculpturaux de la noblesse.

Le représentant du classicisme tardif est le Danois B. Thorvaldsen (1768-1844). Ses œuvres se caractérisent par une harmonie stricte, une complétude plastique, une retenue froide et une idéalisation des images ("Janson", "Mercure à la pipe").

Dans l'histoire de la culture française, le théâtre a occupé l'une des premières places. Il a présenté une galaxie de dramaturges et d’acteurs exceptionnels. Sur la scène française, presque tous les mouvements artistiques se sont développés et ont atteint la perfection et tous les genres théâtraux se sont développés. De nouvelles formes d’organisation théâtrale se sont également développées ici, par exemple le nouveau théâtre privé, entrepreneurial et commercial.

Et dans la dramaturgie, dans l'art du jeu d'acteur pendant la révolution, un nouveau style de classicisme révolutionnaire a émergé, éveillant l'héroïsme et les sentiments patriotiques des masses. Des tragédies classiques ont été mises en scène sur scène. Pendant les années de la dictature jacobine, des tentatives ont été faites pour créer un théâtre de propagande de masse.

La réaction thermidorienne a ravivé le sentimentalisme avec la glorification de la moralité familiale. Pendant la période Directoire, la tâche du théâtre était de freiner l'élan révolutionnaire des masses et de leur inculquer la croyance en l'idéalité du système bourgeois. Ce changement d'idées s'est reflété dans le nouveau genre du mélodrame apparu pendant les années de la révolution. Si au début le mélodrame avait une orientation anticléricale ou antidespotique, il perd alors son contenu rebelle et remplace les conflits sociaux par des conflits moraux, décrivant les atrocités des individus.

Pendant les années de la révolution, un genre de représentation théâtrale tel que le vaudeville est né. Il a suivi un chemin similaire au développement du mélodrame. Saturé d'esprit joyeux, il perdit plus tard sa combativité et son acuité journalistique pour devenir un genre purement divertissant.

Sous l'Empire napoléonien, les droits acquis par les théâtres après le décret sur la liberté des théâtres étaient limités. Les privilèges des principaux théâtres sont rétablis, et surtout du théâtre national français - la Comédie Française, fondée en 1680. La dramaturgie de l'Empire respecte les canons du classicisme, mais sans idéologie démocratique, anticléricale et antimonarchiste. caractéristiques.

La figure la plus marquante du théâtre français de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle. était F.J. Talma (1763-1826) - le plus grand acteur du classicisme révolutionnaire. Son aspiration humaniste l’a aidé à surmonter les limites de l’art pompeux et officiel de la période post-révolutionnaire. Il a joué dans les tragédies de Shakespeare, a créé des images de personnes agitées, déchirées par des contradictions internes, noyées dans un monde de mal et d'intérêt personnel. Il a réformé la technique du jeu classique, a établi d'authentiques costumes antiques et a donné une puissante impulsion au développement du théâtre français sur la voie du romantisme.

5 Créativité musicale

Dans le domaine de la musique, le classicisme au tournant des XVIIIe-XIXe siècles. a pris de nouvelles formes, associées à la Grande Révolution française. Ces formes étaient conçues pour un public de masse et servaient les idéaux révolutionnaires. Compositeurs de ce style et de cette époque - F.Zh. Gossec (1734-1829) et E. Megul (1763-1817). Des exemples frappants de « l'opéra du salut » - un genre né pendant la Révolution française, caractérisé par l'idée de​​la lutte contre la tyrannie et une issue heureuse - le « salut » : « Lodoiska », « Deux jours » de L. Cherubini (1760-1842), etc.

Ces idéaux ont trouvé leur expression culminante dans les œuvres de L. Beethoven, bien que ses œuvres ultérieures soient caractérisées par des traits de romantisme.

3. Romantisme

Les énormes cataclysmes sociaux qui ont secoué d’abord la France puis l’Europe entière ne pouvaient être perçus de manière rationnelle, analytique et impartiale. La déception face à la révolution en tant que moyen de changer l'existence sociale a provoqué une forte réorientation de la psychologie sociale elle-même, un détournement d'intérêt de la vie extérieure d'une personne et de ses activités dans la société vers les problèmes de la vie spirituelle et émotionnelle de l'individu.

Les tentatives visant à surmonter le caractère unilatéral du rationalisme et à modéliser une personnalité holistique et harmonieuse dans la culture artistique ont prédéterminé les principales orientations de son développement au XIXe siècle. Il a d'abord suivi la voie du romantisme (romantisme français ; roman du Moyen Âge), puis, lorsque les possibilités du romantisme ont été largement épuisées, la voie de l'art socio-analytique du réalisme.

L'art romantique se caractérise par : une aversion pour la réalité bourgeoise, un rejet décisif des principes rationalistes des Lumières et du classicisme bourgeois, une méfiance à l'égard du culte de la raison, caractéristique des éclaireurs et des écrivains du nouveau classicisme.

Le pathos moral et esthétique du romantisme est principalement associé à l'affirmation de la dignité de la personnalité humaine, la valeur intrinsèque de sa vie spirituelle et créatrice. Cela s'exprime dans les images des héros de l'art romantique, caractérisé par la représentation de personnages extraordinaires et de passions fortes, ainsi que par un désir de liberté sans limites. La révolution a proclamé la liberté individuelle, mais la même révolution a donné naissance à l’esprit d’acquisition et d’égoïsme. Ces deux facettes de la personnalité (le pathétique de la liberté et de l'individualisme) se sont manifestées de manière très complexe dans la conception romantique du monde et de l'homme.

Les romantiques niaient la nécessité et la possibilité d’un reflet objectif de la réalité. C’est pourquoi ils ont proclamé que l’arbitraire subjectif de l’imagination créatrice était la base de l’art. Les intrigues des œuvres romantiques ont été choisies pour inclure des événements exceptionnels et des décors extraordinaires dans lesquels les personnages agissaient.

Originaire d’Allemagne, où ont été posés les fondements de la vision romantique du monde et de l’esthétique romantique, le romantisme se répand rapidement dans toute l’Europe. Il couvrait toutes les sphères de la culture spirituelle : littérature, musique, théâtre, sciences humaines, arts plastiques. Dans la première moitié du XIXe siècle. En Europe, il existait une philosophie romantique : Johann Gottlieb Fichte (1762-1814), Friedrich Wilhelm Schelling (1775-1854), Arthur Schopenhauer (1788-1860) et Søren Kierkegaard (1813-1855). Mais en même temps, le romantisme n'était plus un style universel, qui était le classicisme, et n'affectait pas de manière significative l'architecture, influençant principalement l'art du paysage et l'architecture des petites formes.

1 Littérature

Le romantisme allemand a produit des écrivains aussi remarquables que Jean Paul (1763-1825), Heinrich von Kleist (1777-1811).

Heinrich von Kleist était un dramaturge, un nouvelliste et un poète talentueux. Son œuvre est associée à l'époque de la guerre de libération de Napoléon. Il est l'auteur des drames « Amphitryon », « Schentesileia », « Kätchen of Heilbronn », dans lesquels il dépeint la solitude tragique d'un homme submergé par une passion maniaque. Pour les héros de ces œuvres, le monde est incompréhensible, ils se précipitent entre la proximité de la mort et l'attirance pour elle. Kleist a également écrit des comédies (« La cruche cassée »), dans lesquelles il dépeint de manière moqueuse l’ordre patriarcal des fonctionnaires judiciaires.

Le summum du romantisme est l'œuvre d'Ernst Theodor Amadeus Hoffmann (1776-1822). Écrivain le plus important du romantisme allemand, Hoffmann était exceptionnellement doué : il était à la fois un musicien talentueux et un brillant caricaturiste. Ses œuvres sont caractérisées par le drame et le sarcasme, le lyrisme et le grotesque ("L'Elixir du Diable", "Le Pot d'Or", "Le Seigneur des Puces"). En collision avec la réalité et le monde fantastique, Hoffman interprète souvent la fantaisie avec ironie, ce qui expose la faiblesse interne du fantastique et esquisse une transition vers la réalité. Ses éléments de satire sont particulièrement visibles dans l'excellent conte de fées « Les Petits Tsakhes » (1819), où l'auteur décrit ironiquement le rôle de l'or dans une société de classes.

La musique a joué un rôle important dans l’œuvre d’Hoffmann. L'image du musicien était pour Hoffmann synonyme de rêveur, et cette image traverse la plupart de ses œuvres et s'oppose au vulgaire philistin philistin. Musicien errant, noble passionné, peu pratique au quotidien, méprisant la richesse matérielle, il aime l'art et y trouve le sens le plus élevé de la vie.

En 1821-1822 Hoffmann a écrit le livre « Notes du chat Murr », dans lequel le compositeur Kreisler affronte le chat Murr, qui incarne le monde du philistinisme sans ailes.

Hoffmann est l’un des fondateurs de l’esthétique et de la critique musicale romantique allemande. Il est l'auteur de l'un des premiers opéras romantiques : Ondine.

Dans la première moitié du XIXe siècle. Heinrich Heine (1797-1856) était le grand poète allemand qui combinait romance et ironie dans son œuvre. Heine était un poète de la démocratie révolutionnaire. Dans beaucoup de ses poèmes, il s'appuie sur des chansons folkloriques, grâce au développement de motifs dont il atteint un naturel, une clarté et une simplicité extraordinaires.

Après la Révolution de Juillet 1830 et sa connaissance de Marx, des notes militantes et révolutionnaires commencèrent à résonner dans l’œuvre poétique de Heine. Le summum du développement idéologique du grand poète fut « Poèmes modernes » (1839-1846) et le poème « Allemagne. Un conte d’hiver » (1844). Une place particulière dans les "Poèmes modernes" est occupée par "Les Tisserands", dans lesquels Heine exprime poétiquement l'idée de​​la mission historique du prolétariat en tant que dénonciateur du système bourgeois. Dans Le Conte d'hiver, Heine ridiculise le monde féodal dépassé et défend l'idée d'une lutte révolutionnaire pour une Allemagne unie.

On sait que la révolution de 1848 en Allemagne a été vaincue. Cela devint une source de tragédie spirituelle pour Heine. Cependant, désillusionné par la démocratie bourgeoise, Heine ne partageait pas la position de la classe ouvrière, craignant les tendances communistes égalitaires parmi les travailleurs. Tout en reconnaissant comme juste la victoire du prolétariat, Heine en avait peur et croyait qu’elle entraînerait la mort de l’art. Le dernier recueil de poèmes de Heine, Romansero (1851), contient l'idée du triomphe du mal sur le bien. Mais Heine reste intransigeant envers l’Allemagne réactionnaire.

En Angleterre, l'impact du romantisme lyrique de George Noel Gordon Byron (1766-1824) fut énorme. Son poème « Le pèlerinage de Childe Harold » poétise le romantique rebelle-individualiste, dont l'image est typique de l'ère post-napoléonienne. Au centre des œuvres de Byron se trouve l'image d'un héros sombre, déçu et solitaire qui fuit la société civilisée vers l'Est, où l'on trouve encore des passions et des sentiments brillants. Dans les poèmes dits orientaux "Le Giaour", "Le Corsaire", "La Fiancée d'Abydos", "Dara" et d'autres, le héros de Byron devient plus actif, se bat contre le dirigeant, despote et tyran oriental. La force de ces poèmes réside donc dans le caractère indomptable de la protestation publique. Cependant, à l'ère de la réaction, des traits de pessimisme apparaissent dans la poésie de Byron.

- "Manfred" et "Caïn". L'une des meilleures œuvres du poète est le roman en vers "Don Juan", resté inachevé. Byron y défend son idéal

La liberté politique, mais elle ne peut se réaliser, selon le poète, que dans le giron de la nature, loin de la tyrannie d'une société civilisée. L'humanisme actif et la prévoyance prophétique ont fait de Byron le dirigeant des pensées de l'Europe d'alors.

Le romantisme anglais est également représenté par J. Keathe (1795-1821) et P.B. Shelley (1792-1822). John Keate est l'auteur de l'idylle patriarcale et utopique "Endymion", qui exprime une protestation contre l'intolérance puritaine. Les odes « Feu » et « Psyché » glorifient le culte de la beauté et de l'harmonie dans la nature. Kite est l'auteur du poème symbolique-allégorique "Hyperion".

Percy Bishoo Shelley est l'auteur du poème allégorique « Queen Mab », qui dénonce la dépravation de la société contemporaine. Dans le poème « La montée de l'Islam », Shelley justifie le renversement violent du despotisme. Dans la tragédie "Cenci" et dans le poème lyrique "Prometheus Unbound", il a donné une compréhension philosophique des problèmes de liberté et de tyrannie.

Cependant, avec le décès de ces poètes, le mouvement romantique anglais s'efface.

En France, premier tiers du siècle HEC. Le romantisme était le principal mouvement de la littérature. Au début de son développement, le personnage central était François René de Chateaubriand (1768-1848). Il représentait l’aile conservatrice de cette tendance. Tout ce qu’il a écrit est une polémique contre les idées des Lumières et de la révolution. Le traité « L'Esprit du christianisme » glorifie la « beauté de la religion » et justifie l'idée selon laquelle le catholicisme devrait servir de base et de contenu à l'art. Le salut de l'homme, selon Chateaubriand, réside uniquement dans le recours à la religion. Chateaubriand écrivait dans un style pompeux, fleuri et faussement réfléchi.

Une partisane des idées libérales était Germaine de Staël (1766-1817), qui a beaucoup fait pour justifier les principes du romantisme. Dans les romans "Dolphine" et "Corinna", l'écrivain défend le droit des femmes à la liberté de sentiment et montre également le choc de la personnalité humaine avec les fondements de la société noble et bourgeoise. En 1803, Napoléon l'expulse de Paris pour avoir défendu la liberté politique :

Une nation n’a de propriétés distinctives que lorsqu’elle est libre.

L'œuvre d'Alfred de Vigny (1797-1863) s'inscrit dans la direction du romantisme conservateur. Il écrit des poèmes, des drames et le roman historique « Saint-Mars », qui raconte l'histoire d'une conspiration de nobles contre le cardinal de Richelieu. Au centre de l’œuvre se trouve un personnage solitaire et fier qui méprise la foule.

L'œuvre d'Alfred de Musset (1810-1857) occupe une place particulière dans le romantisme français. Dans "Contes espagnols et italiens", l'auteur interprète avec ironie des motifs romantiques. Les héros de ses pièces sont des jeunes insatisfaits de la réalité, en contradiction avec elle et incapables de rompre avec elle. Dans le roman "Confession d'un siècle", il parle d'un représentant de la génération des années 30, profondément déçu par la réalité prosaïque de la France bourgeoise.

Dans la littérature française du XIXe siècle. mettre en valeur le romantisme progressiste, dont Hugo et George Sand sont considérés comme des représentants.

Victor Hugo (1802-1885) a connu une évolution difficile. Au début de sa carrière, il fait l'éloge des bourbons et de la piété catholique ; dès le milieu des années 20, il est partisan des idées libérales-démocrates. En 1827, il formule les principes d’une nouvelle dramaturgie romantique. Il critique les règles des « trois unités » et s'oppose à la distinction stricte entre les genres établie dans le classicisme. Hugo revendique la liberté et le naturel, sans nier l'importance de la « couleur locale », et reconnaît la possibilité de mélanger le tragique et le comique. Ce manifeste, exposé par Hugo dans la préface de la pièce « Cromwell », a joué un rôle positif dans la libération de la littérature des canons du classicisme.

Parmi les romans marquants de Hugo figurent « Notre-Dame de Paris », « Les Travailleurs de la Mer », « L'Homme qui rit ». Une place particulière est occupée par le roman "Les Misérables", qui aborde les problèmes sociaux les plus urgents du XIXe siècle. Montrant l’injustice et les vices de la société bourgeoise, Hugo ne perd pas confiance dans la possibilité d’une régénération morale d’une personne sous l’influence de l’humanité et de la miséricorde. L'histoire des héros du roman Jean Valjean et Fantine est montrée par l'écrivain dans un contexte largement public. L'image charmante du garçon Gavroche est devenue une incarnation vivante de l'esprit révolutionnaire du peuple dans les pages du roman.

En 1874, paraît le dernier roman de Hugo, La Quatre-vingt-treizième année, consacré à la Révolution française. Les sympathies de Hugo vont du côté des idées révolutionnaires, mais il ne parvient pas à résoudre les contradictions entre la lutte révolutionnaire, qui conduit à la mort des personnes, et le sentiment d'humanité, entre terreur et miséricorde.

Le représentant du courant démocratique du romantisme, George Sand (au sens propre Aurora Dudevant) (1804-1876), a soulevé des questions sociales brûlantes dans ses œuvres. Dans les romans « Indiana », « Valentine », « Lélia », « Jacques », écrits au début de sa carrière, elle aborde la question de la place de la femme dans la famille et dans la société, et s'oppose à la morale bourgeoise. Beaucoup de ses œuvres sont autobiographiques. Dans les romans des années 40 « L'apprenti errant », « Le Meunier d'Anjibo », « Le Péché de Monsieur Antoine », dirigés contre l'égoïsme des propriétaires et la civilisation bourgeoise, qui fait souffrir le peuple, des images de héros du peuple sont montrés avec sympathie.

Les œuvres les plus significatives de l'écrivain sont les romans « Consuelo » et « Horace ». Si le premier est le problème et le sort de l'art dans une société de classes, alors dans « Horace », le type d'individualisme bourgeois est démystifié.

Dans le roman « Mauprat », J. Sand écrit :

Nous ne pouvons pas arracher une seule page de notre vie, mais nous pouvons jeter le livre entier au feu.

2 Créativité musicale

La direction romantique de la musique s'est avérée extrêmement riche en talents exceptionnels. En Allemagne, c'est le compositeur allemand, critique musical, représentant de l'esthétique du romantisme Robert Schumann (1810-1856), qui a créé des cycles de piano à programme ("Papillons", "Carnaval", "Pièces fantastiques", "Kreisleriana"), cycles vocaux lyriques-dramatiques, l'opéra "Genovena", l'oratorio "Paradise and Peri" et bien d'autres œuvres.

Les premiers représentants de l'opéra romantique en Allemagne furent E.T.A. Hoffmann (opéra "Ondine") et K.M. Weber (1786-1826). Weber s'est battu pour l'art lyrique national allemand et a reflété dans son œuvre le désir du peuple allemand de libération et de réunification du pays. Les œuvres de Weber ont déterminé les principales orientations de l'opéra romantique allemand : un opéra folklorique-légendaire et de conte de fées (Free Shooter, Oberon), un opéra sur une intrigue chevaleresque médiévale (Euryanthe), écrit comme un grand opéra dans lequel les dialogues parlés sont remplacés par des récitatifs. . Les musicologues pensent qu'à partir de cet opéra, il existe un chemin direct vers Tannhäuser et Lohengrin de Wagner.

Des opéras romantiques ont également été créés par R. Schumann et F. Flotov (Alexandra Stradella, Martha). O. Nikolai (1810-1849) a écrit l'opéra-comique "Les Joyeuses Commères de Windsor" basé sur l'intrigue de la comédie de Shakespeare.

La direction romantique est représentée dans les œuvres du grand compositeur, chef d'orchestre, musicologue et réformateur de l'art de l'opéra allemand Richard Wagner (1813-1883), l'une des plus grandes figures de l'histoire de la culture musicale mondiale. Ses opéras sont largement connus : « Rienzi », « Le Hollandais volant », « Tannhäuser », « Lohengrin », « Tristan et Isolde », la tétralogie « L'Anneau du Nibelung » (quatre opéras : « Das Rheingold », « Walkyrie », « Siegfried », « La Mort des Dieux »), le mystère « Parsifal ». L'œuvre de Wagner a enrichi l'art lyrique mondial de réalisations exceptionnelles dans le domaine de l'expression musicale et du théâtre. Il a créé ce qu'on appelle les drames musicaux avec un nouveau type de mélodie - la « mélodie sans fin ». Ses opéras sont de gigantesques poèmes vocaux-symphoniques qui n'ont pas d'analogue dans l'histoire de l'opéra. La musique de Wagner se distingue par son énorme expressivité, sa richesse orchestrale et harmonique. Son travail a influencé l'art musical mondial des époques ultérieures.

Dans le 19ème siècle Les principaux opéras allemands étaient l'Opéra de Dresde, l'Opéra de la cour de Weimar, les Opéras de Berlin et l'Opéra de Leipzig. En 1872-1876. Selon le plan de R. Wagner, le Théâtre de Bayreuth (Maison des Représentations Cérémoniales) fut construit, destiné à la production de ses opéras.

Le représentant du courant romantique dans l'art musical français est le compositeur et chef d'orchestre Hector Berlioz (1803-1869). Il possède la « Symphonie fantastique », la « Symphonie de deuil et triomphale », l'opéra-duologie « Les Troyens » (d'après Virgile), le Requiem et la symphonie dramatique « Roméo et Juliette ». Dans la dernière période de sa créativité, Berlioz crée l'opéra-comique Béatrice et Benoît, plein de grâce et d'humour, basé sur l'intrigue de la comédie de Shakespeare Beaucoup de bruit pour rien.

Caractéristiques nationales du théâtre musical français du XIXe siècle. reflété dans le genre de l'opéra-comique. Il s'agit avant tout d'un opéra de D.F. Aubert (1782-1871) "Fra Diavolo". Avec le dramaturge E. Scribe, Ober est devenu le créateur d'un nouveau type d'opéra-comique, caractérisé par des intrigues d'aventures très divertissantes et une action en développement rapide. La musique d'Ober est élégante, mélodique, se distinguant par sa vivacité et la variété des formes. Il a écrit 36 ​​opéras, dont The Bronze Horse et Black Domino.

Ober est également l'un des créateurs du genre du grand opéra (grand opéra). Son opéra "La Muette de Portici" ("Fenella") a une intrigue historique, révélée à travers les intonations rythmiques des chants folkloriques, des danses et de la musique de la Grande Révolution française. Le travail d'Ober a influencé le développement ultérieur des opéras du genre héroïque et romantique.

J. Meyerbeer (1791-1864), compositeur, pianiste et chef d'orchestre, a créé des œuvres du genre du grand opéra. L'émergence du théâtre musical romantique en France est associée à son opéra Robert le Diable. Il a également écrit les opéras « Les Huguenots » et « Le Prophète ». Dans des œuvres telles que "Dinara" et "African Woman", les caractéristiques de l'opéra lyrique sont déjà apparues.

Opéras de la première moitié du XIXe siècle. - des spectacles monumentaux et romantiques composés sur des thèmes historiques.

Le réveil de la vie sociale et politique de l'Italie, survenu après la Grande Révolution française, a provoqué un tournant dans le développement de l'art national italien : une nouvelle direction dans le genre de l'opéra est née. Son fondateur fut G. Rossini (1792-1868), qui déjà dans ses premiers opéras « Tancrède » et « L'Italien à Alger » tenta de réformer l'opéra. Rossini a transformé non seulement le genre de l'opéra seria, en le dramatisant et en élargissant les moyens d'expression artistique, mais aussi l'opéra bouffe, en enrichissant son contenu réaliste et en aiguisant ses traits satiriques.

Rossini s'est tourné vers les œuvres de Voltaire, Shakespeare, W. Scott et Beaumarchais. Il a réussi à développer et à améliorer presque toutes les formes d'opéra - airs, ensembles, chœurs, récitatifs. La partie orchestrale s'est enrichie. En introduisant des innovations, Rossini a développé et préservé la principale tradition de l'opéra italien - la mélodie vocale de sa musique, tout en limitant l'arbitraire des solistes et l'abus de colorature. Le chef-d'œuvre de l'opéra bouffe de Rossini et de l'art musical mondial tout entier est « Le Barbier de Séville », dans lequel la signification de l'intrigue se combine avec une luminosité vitale et une netteté des caractéristiques.

L'œuvre de Rossini a influencé le développement de l'opéra héroïque-romantique français.

Dans l'art musical italien du XIXe siècle. le sens romantique est représenté par les œuvres de V. Bellini et G. Donizetti. Ce sont des adeptes de G. Rossini. Le meilleur opéra de V. Bellini (1801-1835) est « Norma », qui incarne le rêve du compositeur de libérer sa patrie. Il y a aussi une signification politique pertinente dans un autre opéra du compositeur - « Les Puritains ».

Les œuvres de Bellini se distinguent par un lyrisme profond, la passion et l'expressivité des mélodies. Il se caractérise par une exaltation romantique. Il a grandement contribué au développement du bel canto.

G. Donizetti (1797-1848) - auteur de merveilleux opéras, dont "Lucia di Lammermoor", "Don Pasquale", "Le Favoris", "Fille du régiment", "Linda de Chamounix", "Elisir d'amour", etc. Ils sont lumineux, théâtraux, pleins de mélodies expressives et faciles à retenir, ils ont des caractères contrastés. Le compositeur a travaillé dans divers genres d'opéra (mélodrame, opéra historique-héroïque, lyrique-dramatique, comique, opéra bouffe). Les opéras de Donizetti sont basés sur les œuvres de V. Hugo, W. Scott et J. Byron. Donizetti a un don généreux pour la mélodie et est passé maître dans l'art du bel canto.

Les idées du romantisme se reflètent dans l'œuvre du compositeur, pianiste et chef d'orchestre hongrois Franz Liszt (1811-1886). Il crée l'oratorio "Faust Symphony", 13 programmes de poèmes symphoniques, 19 rhapsodies, études, valses et autres œuvres musicales.

Le représentant du romantisme était le compositeur et pianiste polonais Frédéric Chopin (1810-1849). Il a écrit deux concertos, trois sonates, quatre ballades, un scherzo, plusieurs œuvres impromptues, nocturnes, études, valses et chansons.

3.3 Arts visuels

Ces compositeurs font la fierté non seulement de la culture européenne mais aussi mondiale. Les tendances romantiques se font également connaître en peinture. Le début du romantisme dans la peinture française est associé à l'œuvre de Théodore Géricault (1791-1824). L'une de ses œuvres principales est la toile "Le Radeau de la Méduse", qui représente des naufragés et perdus dans la mer. Ce tableau est un manifeste du romantisme en peinture. Géricault était déjà libre de l'influence classique et de la division des sujets et des genres. en sublime et en bas. Par conséquent, l'artiste a trouvé quelque chose d'héroïque et de significatif dans la vie réelle. Et dans le nouvel art, il a incarné l'intensité exceptionnelle de l'action, qui a rompu l'équilibre de la composition et a rendu le dessin inégal. L'artiste trouve pour son expression un rythme rapide, l'intensité des contrastes du clair-obscur, facilités par le riche pittoresque des couleurs.

À la fin de sa vie, Géricault a réalisé de merveilleux portraits de malades mentaux, qui reflétaient avec une force réaliste la douleur d'une personne. Il peint également des scènes et des paysages du quotidien (« Epsom Derby »). L'œuvre de Géricault a influencé les réalistes du milieu du XIXe siècle.

Le phénomène le plus remarquable du romantisme est la peinture d’Eugène Delacroix (1798-1863), qui peignait souvent des toiles basées sur la poésie de Byron et créait un certain nombre de compositions historiques. Le chef-d’œuvre de son œuvre est le tableau « La liberté guidant le peuple », peint au plus fort des événements révolutionnaires de 1830 et incarnant le pathos rebelle caractéristique du romantisme. Delacroix a rejeté le dogme académique, mais n'a pas changé son envie d'art ancien. Cette image combine les traits d’une Parisienne moderne avec la beauté classique et la force puissante de la Nike de Samothrace.

Depuis les années 20 XIXème siècle Delacroix est devenu un leader reconnu dans ce sens. Défendant une liberté de créativité illimitée, les romantiques s’efforcent d’obtenir un rendu de la nature intensément expressif et excitant. Le tempérament passionné et l'imagination irrépressible sont exprimés par l'artiste dans des œuvres qui recréent des images de l'histoire. Littérature orientale, classique et contemporaine. Il s'agit des "Femmes algériennes" et de la meilleure de ses œuvres historiques - "La prise de Constantinople par les croisés".

Le tableau « Le massacre de Chios » est imprégné d’un rêve de liberté, qui représente un épisode de la lutte du peuple grec contre le joug turc.

Delacroix est considéré comme le créateur de la peinture historique du Nouvel Âge.

Les romantiques ont rendu l'art graphique plus répandu et démocratique, créant de nouvelles formes flexibles dans la lithographie et les gravures sur bois de livres.

L'œuvre du plus grand dessinateur graphique Honoré Daumier (1808-1879) est également associée à l'école romantique. Il est considéré comme un grand artiste dont l'œuvre se situe à un tournant entre l'ère romantique et l'apogée du réalisme dans les années 40-70. XIXème siècle Grâce à l'introduction de la lithographie dans l'art, ses œuvres telles que « The Legislative Womb », « Transnopen Street », « The Printer Who Defended Freedom of the Press » sont devenues très répandues.

Ses peintures et aquarelles « Burlak », « Soup », « III Class Car » sont pleines de sentiments profonds et concentrés, dédiés à la dure vie des gens ordinaires, à la grandeur de leur chemin de vie (« Heavy Burden ») et à la pureté. de leur monde intérieur (« Blanchisseuse »). L'indignation populaire est le contenu du tableau "Soulèvement".

Daumier le peintre possédait une intégrité monumentale et une acuité de perception, une puissance d'expression rapide et une tendresse lyrique.

4 Architecture

Dans l'architecture du 19ème siècle. Le romantisme, comme nous l'avons déjà noté, n'a pas créé sa propre école. Cependant, dans les pays industriels, notamment en Angleterre, l'architecture industrielle a commencé à se développer rapidement. Construit dans les années 30-40. gares, ponts, usines anticipent parfois des solutions caractéristiques de la fin du XIXe siècle. La croissance rapide des villes a conduit à la nécessité de réaménager les vieux quartiers et de construire de nouvelles avenues et artères de transport. Ainsi, en 1853, le réaménagement de Paris commença, changeant son aspect au point de le rendre méconnaissable.

Les historiens de l’art estiment que le romantisme s’est implanté dans l’architecture anglaise, créant un style néo-gothique impressionnant et imposant. De plus, des églises, des bâtiments résidentiels et des bâtiments publics ont été construits dans le style gothique en Angleterre.

Au milieu du 19ème siècle. les architectes C. Barry et O. Pugin ont construit l'ensemble grandiose du Parlement de Londres, qui comprenait la chapelle médiévale d'Henri VII. Ce bâtiment spectaculaire et majestueux situé au bord de la Tamise est devenu un élément organique de la capitale anglaise.

En 1861, un autre bâtiment romantique fut construit à Londres : le Crystal Palace (le pavillon principal de l'Exposition universelle). Construit en fer et en verre, il devient un précurseur de l'architecture du XXe siècle. Dans le même temps, le design ajouré du palais rappelait le style gothique tant apprécié en Angleterre. L'auteur du projet Crystal Palace était le jardinier J. Paxton, qui a utilisé son expérience dans la construction de serres. Ce Crystal Palace a suscité l'admiration de l'architecte novateur du XXe siècle. Corbusier, mais en 1936 le palais brûla.

La formation du théâtre progressiste-romantique en France a été facilitée par le travail d'écrivains progressistes tels que Stahl, Stendhal, Hugo et Mérimée.

Le summum de la dramaturgie est le drame de V. Hugo, dans lequel se manifestent clairement les traits du romantisme progressiste (humanisme passionné, dénonciation des classes dirigeantes, sympathie pour les gens ordinaires, désir de vérité historique, haute poésie). Ses meilleures pièces sont « Marion de Lorme », « Ernani », « Le roi s'amuse », « Mary Tudor », « Ruy Blas ».

Le succès le plus significatif a été obtenu par les acteurs Frédéric Lemaitre, Pierre Bocage et Elisa Rachel (1821-1958), qui ont relancé la tradition classique au sommet du romantisme, en mettant l'accent sur les motivations de lutte contre les tyrans dans les tragédies des grands classiques. Pendant les jours révolutionnaires de 1848, Rachel interpréta La Marseillaise, qui fut sa plus grande réussite d'actrice.

Au début du 19ème siècle. Les pièces classiques et traduites étaient principalement jouées sur scène en Angleterre. Un acteur exceptionnel était E. Keene, un représentant du mouvement romantique, dont le style d'interprétation se caractérisait par la puissance et l'absence des normes contraignantes du classicisme.

En Allemagne dans le premier quart du XIXe siècle. le théâtre s'est développé dans une direction romantique. Écrivains romantiques A.V. et F. Schlegeli, L. Tieck, G. Kleist, E.T.A. Hoffman a affirmé la nature synthétique de l'art théâtral, ils ont nié la stylisation, le quotidien, ils ont reconnu ces acteurs dont la performance se distinguait par leur vérité intérieure et leur tempérament. Les meilleurs acteurs à cette époque étaient I. Fleck et L. Devrient. Avec leur pièce de théâtre, qui exprime une protestation contre l'injustice sociale, ils ouvrent la voie au réalisme du XIXe siècle. Acteur allemand exceptionnel des années 30. K. Seidelman a créé des personnages puissants et très individuels, réalisant une véritable transformation.

Ainsi, en général, le romantisme a contribué à une connaissance philosophique plus approfondie, à une généralisation artistique multiforme du processus de développement de l'homme et du monde avec toutes les contradictions qui y sont inhérentes. Il a enrichi la culture de valeurs spirituelles éternelles et a ouvert de nouvelles voies pour son développement.

Le romantisme a reçu une expression particulièrement vivante dans le ballet. Le ballet romantique est né en France au tournant du deuxième tiers du XIXe siècle. et s'est répandu dans toute l'Europe. Avec l'établissement du romantisme dans le ballet, le danseur a pris la première place, la technique du saut s'est développée et la technique de la danse sur les doigts (pointes) est apparue, ce qui a ouvert de nouvelles possibilités d'expression. La première à utiliser la danse sur pointes fut l'une des représentantes les plus célèbres et les plus brillantes de cette direction du ballet - la danseuse italienne Maria Taglioni (1804-1884). Elle crée de nombreux rôles, dont le rôle-titre de La Sylphide, créé pour la première fois à l'Opéra de Paris.

Les danses d'ensemble sont issues du ballet romantique, une forme de danse de corps de ballet à l'unisson, qui se développera tout au long du XIXe siècle. La danse d'ensemble était une masse de danseurs agissant de manière synchrone, formant des groupes symétriques et accompagnant les solistes de danse. Ces caractéristiques se sont particulièrement manifestées dans le ballet « Giselle » du compositeur A. Adam, mis en scène à Paris en 1841 par les chorégraphes J. Perrault et J. Coralla.

4. Réalisme

Dans le 19ème siècle pour la première fois dans l’histoire de l’humanité, un système économique mondial est en train de se mettre en place et les couches de réalité les plus diverses sont incluses dans la sphère de la production sociale. En conséquence, le sujet de l'art s'élargit : les processus sociaux (analyse sociologique), les nuances les plus subtiles de la psychologie humaine (analyse psychologique), de la nature (paysage) et du monde des choses (nature morte) y sont attirés, acquérant une valeur esthétique. Le sujet principal de l'art a également subi de profonds changements : l'homme, dont les liens sociaux acquièrent un caractère universel, véritablement mondial. Tous ces changements ont donné naissance à un nouveau type de conception artistique du monde, incarné dans le réalisme, qui a émergé comme mouvement dans les années 30 et 40. XIXème siècle

Sous un jour réaliste, les phénomènes de la réalité apparaissent dans toute leur complexité, leur polyvalence et la richesse de leurs propriétés esthétiques. La typification devient le principe de la généralisation. La véracité des détails et la présentation de personnages typiques agissant dans des circonstances typiques sont les grands principes du réalisme. Le réalisme ne s'oppose pas au romantisme, il est son allié dans la lutte contre l'idéalisation des relations sociales bourgeoises, pour l'originalité nationale et historique des œuvres d'art (la saveur du lieu et du temps). Au milieu du siècle, le réalisme est devenu la tendance dominante de la culture européenne.

Le réalisme est apparu en France et en Angleterre dans des conditions de relations capitalistes établies. Les contradictions sociales et les défauts du système capitaliste ont déterminé l'attitude vivement critique des écrivains réalistes à son égard. Ils ont dénoncé le vol d’argent, les inégalités flagrantes, l’égoïsme et l’hypocrisie. Dans sa finalité idéologique, il devient un réalisme critique. Dans le même temps, l’œuvre des grands écrivains réalistes est imprégnée des idées d’humanisme et de justice sociale.

4.1 Littérature française

Un exemple de poésie réaliste dans la France du XIXe siècle. était le poète Pierre Jean de Béranger (1780-1857). Il se produit sous la monarchie napoléonienne et en 1813, dans la chanson « King Iveto », il condamne les aventures militaires de Napoléon et sa politique fiscale. Sous la Restauration, il devient un véritable poète-combattant. Ses chansons ludiques au cours de cette période ridiculisaient les citadins riches et prospères. La chanson politique de Béranger est pleine de démocratie et empreinte d'un humour national vif.

Un brillant représentant du réalisme critique fut Stendhal (Henri Bayle proprement dit, 1783-1842). L'écrivain était admiré par des personnes au caractère actif et fort. Il a vu de tels héros parmi les figures de la Renaissance (« Chroniques italiennes »), chez Shakespeare, parmi ses contemporains.

L'un des romans les plus remarquables de Stendhal est « Le Rouge et le Noir » (1830). Le héros du roman est Julien Sorel, un admirateur passionné de l'époque napoléonienne, un homme à l'âme sublime et sensible, s'efforçant de vaincre l'inertie du milieu social. Cependant, il n’y parvient pas, car les classes dirigeantes ne l’acceptent pas, plébéien de naissance. Dans le roman "Le monastère de Parme", l'écrivain condamne l'époque réactionnaire, qui a prédéterminé la tragédie de personnes intelligentes, talentueuses et profondément sensibles.

Le summum, le point culminant du développement du réalisme d'Europe occidentale est l'œuvre d'Honoré de Balzac (1799-1850). Selon le plan de Balzac, son œuvre principale, l'épopée « La Comédie humaine », devait comprendre 143 livres reflétant tous les aspects de la vie de la société française. Balzac a consacré toutes ses forces à cette œuvre titanesque : il a créé 90 romans et nouvelles.

Dans cette épopée, les romans sont liés par un concept commun et de nombreux personnages. Il comprend des romans tels que « Le chef-d'œuvre inconnu », « Peau de Galuchat », « Eugénie Grande », « Père Goriot », « César Birotteau », « Illusions perdues », « Cousin Bette » et bien d'autres. L'épopée est une image réaliste d'une ampleur grandiose, reflétant les mœurs et les contradictions de la vie sociale de la France. Balzac donne à ses héros intelligence, talent et fort caractère. Ses œuvres sont profondément dramatiques, elles dépeignent le pouvoir du « principe monétaire », désintégrant les vieux liens patriarcaux et familiaux, attisant les flammes des passions égoïstes.

Le maître de la nouvelle fut Prosper Mérimée (1803-1870), un écrivain réaliste hors pair. Ses nouvelles sont laconiques, strictes, élégantes. Ils mettent en scène des personnages forts et vibrants, des natures intégrales capables de sentiments forts - "Carmen" (qui a servi de base à l'opéra du même nom de Bizet), "Columbo", "Falcone". Même dans ces nouvelles où l'écrivain décrit des héros romantiques et des situations romantiques, l'action n'est pas transférée sur un plan romantique, mais une motivation réaliste est donnée.

Mérimée écrit également des pièces de théâtre. L’une des œuvres marquantes de l’écrivain est la chronique « La Jacquerie », qui dépeint le mouvement paysan du XIVe siècle. Il a écrit le seul grand roman, « La Chronique du temps de Charles IX », qui raconte la lutte entre catholiques et protestants et les événements de la nuit de la Saint-Barthélemy. L'auteur démystifie l'intolérance fanatique.

En relation avec le changement de position politique de la bourgeoisie après la révolution de 1848 et son refus de coopérer avec la classe ouvrière, un nouveau type de réalisme critique émerge dans la littérature française - les écrivains refusent de créer des images puissantes, et le la notion de typique est réduite au plus commun, à l'ordinaire. En général, l’art se rapproche encore plus de la vie.

Le plus grand représentant de la nouvelle étape du réalisme fut Gustave Flaubert (1821-1880). L’attitude de l’écrivain envers les couches sociales de la population était contradictoire : il a haï la bourgeoisie toute sa vie, a traité les masses avec mépris et a considéré l’activité politique comme inutile. Flaubert appelle donc l’artiste à « entrer dans la tour d’ivoire » et à servir la beauté. Malgré le caractère intenable de cette position, Flaubert donne une image critique remarquable de la vulgarité bourgeoise, sans pour autant rester à l'écart de la lutte sociale. L'une des œuvres marquantes de Flaubert est le roman Madame Bovary. Au centre du roman se trouve l'image d'une femme issue d'un milieu bourgeois. Élevée par la littérature romantique, elle meurt dans une collision avec la réalité bourgeoise. Le roman « L'Éducation des sentiments » dépeint les mœurs de province et de Paris, l'insignifiance morale de la bourgeoisie. Ce roman développe le thème d'un jeune homme, léthargique, inerte, incapable d'activité active. Les romans « Salambo », « La Légende de Saint Julien le Miséricordieux » et « Hérodias » ont été écrits sur la base de sujets historiques, dans lesquels la situation d'époques lointaines a été restaurée avec une objectivité scientifique. L'écrivain a atteint une précision scrupuleuse dans la reproduction de détails réalistes, la profondeur de l'analyse psychologique révélée par le monologue interne.

Une orientation anti-bourgeoise et une analyse sociale aiguë sont également caractéristiques de Guy de Maupassant (1850-1893). Ses meilleures œuvres sont les romans « La vie », « Cher ami », « Mont-Ariol », « Pierre et Jean ». Maupassant est un maître de la nouvelle et de la nouvelle. L’écrivain a cherché à opposer la vérité des sentiments naturels de l’homme à la misère spirituelle, à l’avidité du propriétaire bourgeois et à sa moralité trompeuse.

2 Littérature anglaise

L'écrivain écossais Walter Scott (1771-1832) se rapproche des romantiques par son intérêt pour le Moyen Âge. Au début de sa carrière créative, il collectionne le folklore écossais et écrit des poèmes romantiques. Sa prose réaliste lui a valu une renommée mondiale.

Walter Scott est le créateur du genre du roman historique, combinant des tendances romantiques et réalistes. La mort du clan écossais est dépeinte par l'écrivain dans les romans « Waverley » et « Rob Roy ». Les romans "Ivanhoe" et "Quentin Durward" dressent un tableau de l'Angleterre et de la France médiévales. Les romans « Les Puritains » et « La Légende de Montrose » mettent en lumière la lutte des classes qui s'est déroulée en Angleterre aux XVIIe et XVIIIe siècles.

L'œuvre de W. Scott se caractérise par une composition particulière de romans, prédéterminée en mettant en évidence la description de la vie, du mode de vie et des coutumes du peuple lui-même, et non des rois, généraux et nobles. En même temps, décrivant la vie privée, l'écrivain reproduit une image d'événements historiques.

L'un des grands artistes de la littérature mondiale est Charles Dickens (1812-1870), il est le fondateur et le leader du réalisme critique dans la littérature anglaise, un satiriste et humoriste hors pair. Ses premiers travaux, « The Pickwick Club Notes », dépeignent une Angleterre encore patriarcale. Riant de la bonhomie, de la crédulité et de la naïveté de son héros, Dickens sympathise avec lui, soulignant son altruisme, son honnêteté et sa foi en la bonté.

Le tout prochain roman, Les Aventures d'Oliver Twist, dépeint une ville capitaliste avec ses bidonvilles et la vie des pauvres. L'écrivain, croyant au triomphe de la justice, oblige son héros à surmonter tous les obstacles et à atteindre le bonheur personnel.

Cependant, les œuvres de Dickens sont pleines de drames profonds. L'écrivain a donné toute une galerie de porteurs du mal social, qui sont des représentants de la classe bourgeoise. Il s'agit du prêteur sur gages Ralph Nickleby, du cruel professeur Oquirs, de l'hypocrite Pecksniff, du misanthrope Scrooge, du capitaliste Bounderby. La plus grande réalisation de Dickens est l'image de M. Dombey (le roman Dombey and Son) - un homme pour qui tous les sentiments sont morts, et sa complaisance, sa stupidité, son égoïsme et son insensibilité sont générés par son appartenance au monde des propriétaires.

Des qualités de Dickens telles qu'un optimisme indéracinable, un humour vif et très national, une vision sobre et réaliste de la vie - tout cela fait de lui le plus grand écrivain populaire d'Angleterre après Shakespeare.

Le contemporain de Dickens, William Thackeray (1811-1863), dans son meilleur roman Vanity Fair, expose de manière vivante et figurative les vices de la société bourgeoise. Dans cette société, chacun joue le rôle qui lui est assigné. Thackeray ne voit pas de héros positifs, il n'a que deux catégories de personnages : les trompeurs ou les trompés. Mais l'écrivain aspire à la vérité psychologique et évite le grotesque et l'exagération caractéristiques de Dickens. Thackeray traite l'élite noble et bourgeoise de la société avec mépris, mais il est indifférent à la vie des classes inférieures. C'est un pessimiste, un sceptique.

Fin du 19ème siècle. L'orientation réaliste de la littérature anglaise était représentée par le travail de trois écrivains principalement qui ont acquis une renommée mondiale : John Galsworthy (1867-1933), George Bernard Shaw (1856-1950), Herbert George Wells (1866-1946).

Ainsi, D. Galsuori dans la trilogie « La saga Forsyte » et « Comédie moderne » a donné un tableau épique des mœurs de l'Angleterre bourgeoise à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. révélant le rôle destructeur de la possessivité dans la vie publique et privée. Il a écrit des drames. Il était engagé dans le journalisme, où il défendait les principes du réalisme. Mais dans la trilogie Fin du Chapitre, des tendances conservatrices sont apparues.

D.B. Shaw est l'un des fondateurs et les premiers membres de la « Fabian Society » socialiste, créatrice de discussions dramatiques, au centre desquelles se trouve le choc d'idéologies hostiles, une solution sans compromis aux problèmes sociaux et éthiques (« La Maison d'un veuf », « La profession de Mme Warren », « Le chariot aux pommes »). La méthode créative de Shaw se caractérise par le paradoxe comme moyen de renverser le dogmatisme et les préjugés (Androclès et le Lion, Pygmalion), les idées traditionnelles (pièces historiques César et Cléopâtre, Sainte Jeanne).

Ses pièces combinent la comédie avec des aspects politiques, philosophiques et polémiques et visent à influencer la conscience sociale et les émotions du spectateur. Bernard Shaw - Lauréat du prix Nobel en 1925. Il faisait partie de ceux qui ont salué la Révolution d'Octobre.

Shaw a écrit plus de 50 pièces de théâtre et est devenu le sujet de conversation de la ville en tant qu'homme plein d'esprit. Ses œuvres sont pleines d'aphorismes et imprégnées de pensées sages. Voici l'un d'entre eux:

Il y a deux tragédies dans la vie. La première est lorsque vous ne pouvez pas réaliser ce que vous voulez de tout votre cœur. La seconde est lorsque vous y parvenez.

G.D. Wells est un classique de la littérature de science-fiction. Dans les romans "The Time Machine", "The Invisible Man", "War of the Worlds", l'écrivain s'est appuyé sur les concepts scientifiques les plus récents. L'écrivain relie les problèmes auxquels les gens sont confrontés en lien avec le progrès scientifique et technologique avec les prévisions sociales et morales du développement de la société :

L’histoire de l’humanité devient de plus en plus un combat entre l’éducation et le désastre.

3 Littérature des pays scandinaves

Dans le dernier tiers du XIXe siècle. La littérature des pays scandinaves acquiert une résonance mondiale. Il s'agit principalement des œuvres des écrivains norvégiens Henrik Ibsen (1828-1906), Bjornstjorn Martinius Bjornson (1832-1910), Knut Hamsun (1859-1952).

Dans ses drames fortement satiriques « Une maison de poupée » (« Nora »), « Fantômes », « Ennemi du peuple », G. Ibsen a appelé à l'émancipation de la personnalité humaine de la moralité bourgeoise hypocrite. Ses œuvres constituent l’une des plus hautes réalisations du drame réaliste d’Europe occidentale.

Le fondateur du théâtre norvégien et du réalisme critique est B.M. Bjornson (lauréat du prix Nobel 1903). Il a reflété ses opinions socialement critiques dans les drames « Faillite », « Au-delà de nos forces » et dans la poésie.

K. Hamsun est l'auteur des romans psychologiques « Faim », « Mystères », « Victoria », qui dépeignent la rébellion de l'individu contre l'environnement philistin. Le travail d’un agriculteur a été glorifié par lui dans la pièce « Les jus de la terre », pour laquelle Hamsun a reçu le prix Nobel en 1920. La haine de Hamsun pour le système capitaliste a conduit à sa fascination pour les idées nazies. La pièce « Aux portes du Royaume » reflète des tendances antidémocratiques. Il a été reconnu coupable de collaboration avec les nazis pendant la Seconde Guerre mondiale.

4Art musical

En Italie au 19ème siècle. Dans les conditions de la réaction politique, l'opéra s'est révélé être le genre d'art théâtral le plus populaire et le plus démocratique. Le summum du réalisme dans l’art de l’opéra musical du XIXe siècle. - l'œuvre du grand compositeur italien Giuseppe Verdi (1813-1901), étroitement associé au mouvement de libération italien ("Nabucco", "Les Lombards dans la première croisade"). Dans des œuvres d'opéra comme Ernani, Macbeth et La Bataille de Legnano, une protestation contre toute violence et toute oppression s'exprime. Les représentations des opéras de Verdi, imprégnés des idées de lutte pour la libération et l'unification de l'Italie, ont été accompagnées de violentes manifestations patriotiques.

Les problèmes d'inégalité sociale sont le contenu des opéras de Verdi "Luisa Miller", "Rigoletto", "Il Trovatore", "La Traviata", qui expriment le côté lyrique de l'œuvre du grand maestro. Le thème héroïque et historique est incarné de manière réaliste dans les opéras « Vêpres siciliennes », « Ballo in Masquerade », « Force of Destiny », « Don Carlos ».

Les chefs-d'œuvre du réalisme lyrique sont les opéras de Verdi Aïda, Othello et Falstaff. Ce sont des drames musicaux avec un développement continu de l'action. Les scènes sont construites librement, avec une transition souple du récitatif au monologue, du solo à l'ensemble. Une place importante est accordée à l'orchestre. Verdi a une fusion complète de musique et d'action dramatique. La démocratie et la profonde humanité de l'œuvre de Verdi lui ont valu une grande popularité. Ses opéras sont constamment au répertoire des maisons d'opéra du monde entier.

Les opéras italiens ont donné vie à de nouveaux principes de représentation vocale et scénique : expressivité dramatique du chant, talent d'acteur du chanteur, précision historique des décors et des costumes. Des chanteurs remarquables, représentants du bel canto de renommée mondiale étaient les chanteurs A. Patti, G. Pasta, I. Colbran et d'autres, les chanteurs M. Battistini, F. Galli et d'autres.

Au cours de la même période, une nouvelle direction est apparue dans l'opéra-vérisme (vérisme italien, de vero - vrai, véridique). Ses représentants sont les compositeurs R. Leoncavallo (1857-1919), P. Mascagni (1863-1945), W. Giordano (1867-1948), G. Puccini (1858-1924). Les œuvres de ces maîtres sont basées sur des histoires réalistes ; un véritable reflet du monde spirituel des gens ordinaires ; musique émotionnellement expressive, manque d'idée sociale élevée. Un certain style d'interprétation s'est également développé : expression exagérée, tension sentimentale, drame aigu. Les meilleures œuvres de cette direction sont "Honneur rural" de Mascagni et "Pagliacci" de Leoncavallo. Grâce à sa profondeur psychologique, l'œuvre de G. Puccini, auteur de « La Bohème », « Tosca », « Cio-chio-san », dépasse les limites du vérisme.

En France s'est développé l'opéra lyrique, qui se distingue du grand opéra par ses thèmes plus intimes et ses intrigues empruntées à la littérature classique. Il s'agit des opéras "Manon" et "Werther" de J. Massenet, "Faust" et "Roméo et Juliette" de C. Gounod, "Hamlet" de A. Thomas et autres. Des opéras lyriques ont été créés sur des sujets orientaux exotiques. Il s'agit de « Lakmé » de L. Delibes, « Les pêcheurs de perles » et « Djamile » de J. Bizet, « Samson et Dolila » de C. Saint-Saens. Les opéras lyriques incarnent avec vérité et subtilité des expériences humaines. La représentation de la vie quotidienne est caractérisée par la poésie. Le langage musical de ces opéras est démocratique et proche du folklore urbain.

L'opéra "Carmen" de J. Bizet est reconnu comme le summum du réalisme de l'opéra français. Le travail de Bizet se caractérise par le raffinement des formes et la clarté de la présentation. Les héros de l’opéra sont des gens simples aux caractères forts et contradictoires. Cet opéra incarne la saveur musicale nationale espagnole. Il contient un déroulement intense d'événements dramatiques et une variété de scènes folkloriques. C'est l'un des opéras les plus populaires au monde. PI. Tchaïkovski l’a reconnu comme « un chef-d’œuvre au sens plein du terme ».

Milieu du 19e siècle devient l'époque de la naissance d'un nouveau genre musical - l'opérette - l'opéra léger, comprenant à la fois la danse et le dialogue (dérivé de l'opéra-comique). Le berceau de l'opérette est la France et ses fondateurs sont les compositeurs F. Herve et J. Offenbach.

Le compositeur, organiste, chanteur et librettiste F. Hervé (1825-1892) parodia les formes traditionnelles de l'opéra dans de nombreuses œuvres. Il écrit les opérettes « Petit Faust » et « Mademoiselle Nitouche ».

Le compositeur, chef d'orchestre, violoncelliste J. Offenbach (1819-1880) a apporté une renommée mondiale aux opérettes « Orphée en enfer », « La belle Hélène », « La vie parisienne », « Péricola », etc. Beaucoup d'entre elles sont une parodie du bourgeois -société aristocratique. La musique d'Offenbach est élégante, caractérisée par une mélodie enjouée et piquante : des rythmes de danse enflammés. L'opéra « Les Contes d'Hoffmann » est empreint de lyrisme et de romantisme. Le travail d'Offenbach a déterminé le développement ultérieur non seulement de l'opérette française, mais également la formation de ce genre dans d'autres pays.

Les opérettes des compositeurs français « La Fille de Madame Ango », « Girofle-Girofle » de C. Lecoq et « Les Cloches de Corneville » de R. Plunket sont toujours populaires dans de nombreux pays.

En Autriche au début du 19ème siècle. Avec Vienne, Salzbourg, Seisenstadt, Esterhasa et d'autres sont devenus des centres musicaux. L'Opéra de la Cour de Vienne a été ouvert en 1869, ce théâtre est devenu le principal théâtre musical du pays. Son répertoire était dominé par les opéras français et italiens. Dans le dernier tiers du XIXe siècle. L'opérette viennoise se développe. Ses fondateurs :

F. Suppe (1819-1895), qui a écrit « La Belle Galatée », « Boccace » et l'une de ses meilleures opérettes - « Donna Juanita » ; I. Strauss (fils) (1825-1849) - ses meilleures créations « Le baron gitan », « La chauve-souris », etc. Un compositeur majeur de ce genre est K. Milleker (1842-1899) - auteur des opérettes « Le Étudiant mendiant », « Gasparon » « , « Pauvre Jonathan ».

Les œuvres de ces compositeurs utilisent largement des mélodies folkloriques, des rythmes de danse et les opérettes se distinguent par leur mélodie.

Les valses viennoises (« Danube bleu », « Contes des bois de Vienne », etc.) ont également valu à I. Strauss une renommée mondiale, grâce à laquelle il a reçu le nom de « Roi des valses ».

K. Zeller (1842-1898), auteur des opérettes « Le vendeur d'oiseaux » et « Martin le mineur », a également travaillé dans le genre de l'opérette.

Malgré le fait que pour l'œuvre des compositeurs anglais du 19ème siècle. D'une manière générale, caractérisée par l'absence d'un caractère national clairement défini, la culture de l'opéra en Angleterre s'est développée rapidement. Le Covent Garden Theatre était le plus grand d'Angleterre et accueillait des représentations de l'Opéra royal italien.

En 1856, le Royal English Opera est fondé. Fin du 19ème siècle. Une période a commencé, entrée dans l'histoire sous le nom de Renaissance musicale anglaise - l'intérêt des compositeurs pour les thèmes nationaux augmente.

Dans les années 60-70, les opérettes françaises sont montées sur les scènes des théâtres anglais, puis l'opérette anglaise apparaît. Le créateur de l'opérette nationale anglaise est le compositeur A. Sullivan (1842-1900). En collaboration avec W. Gilbert, il écrit les opérettes "Apron", "Pirates de Penzas", "Le Mikado", "Patience" et autres.

5 Beaux-arts

Dans ce type d’art, la caractéristique principale du réalisme est la compréhension du caractère social de l’homme. Cependant, en peinture, le réalisme est plus étroitement associé à des moyens visuels qui créent l’illusion d’authenticité visuelle qu’en littérature.

Le courant réaliste de la peinture française renforce sa position au milieu du XIXe siècle. après la révolution de 1848. Dans l’histoire de l’art français, jamais la lutte entre deux camps, deux cultures artistiques fondamentalement opposées n’a été aussi intense qu’à cette période. Les meilleurs traits du peuple français et son art avancé ont été incarnés par des artistes tels que Millet, Courbet, Manet et Carnot. Ils n'étaient pas autorisés à assister aux expositions et étaient persécutés dans les journaux et magazines. Ils se heurtèrent à une masse de marchands d'art, favoris de Napoléon III et de toute la bourgeoisie réactionnaire du Second Empire.

J.F. Millet (1814-1875) dans ses peintures épiques et monumentales pleines de vérité de la vie, a montré la paysannerie française, son travail, sa force morale ("Les Cueilleurs d'Oreilles", "Angélus").

Gustave Courbet (1819-1877) dans "Le Broyeur de pierres" et "Les Tricoteurs" a montré la dignité calme et confiante des travailleurs, et dans "Funérailles à Ornans" - l'importance de la vie quotidienne, bien qu'il ait commencé avec des images romantiques et excitées (« Portrait de Chopin »). Son œuvre est une lutte pour les idées démocratiques, les principes du réalisme, l'art véridique, la proximité de l'art avec la vie. Les œuvres de Courbet se distinguent par leurs formes statiques et leurs riches couleurs tonales. Il fut le premier à utiliser le mot « réalisme » en relation avec la peinture. Courbet donne aux scènes de genre une signification monumentale qui n'était auparavant autorisée que dans la peinture historique.

Millet et Courbet sont devenus les précurseurs de l'impressionnisme.

Les œuvres d'Édouard Manet (1832-1883) sont consacrées à Paris. Il est l’un des brillants coloristes du monde de l’art. Dans ses peintures, avec une vigilance et une fraîcheur étonnantes, une véritable caractérisation de toutes sortes d'habitants de Paris est véhiculée ("Petit déjeuner en studio", "Lecture", "Dans le bateau", "Nana"), qui véhiculent encore aujourd'hui l'apparence de la France d'alors. Bien que Manet ait tenté dans ses premiers tableaux de repenser les images et les sujets des maîtres anciens dans l'esprit de la modernité (« Déjeuner sur l'herbe », « Olympia »), il a ensuite commencé à créer des peintures sur des thèmes quotidiens, historiques et révolutionnaires. La page la plus forte de l’histoire du réalisme critique français est son dernier tableau, « Bar aux Folies Bergère », sur la solitude de l’existence humaine. Anticipant l’impressionnisme, il se tourne vers la peinture légère de plein air (« Argenteuil »).

La peinture anglaise est florissante au XIXe siècle. pour le premier tiers du siècle. Il est associé au développement d’une brillante peinture de paysage.

L'un des artistes les plus originaux de son époque fut William Turner (1775-1851). Il voyage beaucoup à travers l’Europe et ses paysages prennent une tournure romantique (« Naufrage »). Audacieuses dans la couleur et les quêtes de lumière, avec une échelle d'objets déformée, ses peintures sont en quelque sorte les prédécesseurs de l'impressionnisme (« Pluie, Vapeur et Vitesse »). Il est également devenu célèbre en tant que peintre historique, créant des paysages avec des scènes mythologiques ou historiques (« Jardin des Hespérides », « Didon construisant Carthage », etc.).

L’art de John Constable (1776-1837), l’un des plus grands artistes anglais, était profondément réaliste. Son art est véridique, démocratique, proche du lyrisme humaniste de la nature. Il a été le premier à introduire le recours aux peintres du XIXe siècle. croquis. La rosée du matin, la chaleur de midi, l'herbe verte humide, l'harmonie la plus subtile des nuances d'automne, la fraîcheur radieuse de l'été, tout cela se reflète poétiquement dans ses paysages. Il représente des pentes argileuses, des friches couvertes de bruyère, des bûches pourries, des souches sur une rive ombragée, des prairies aquatiques et un nuage flottant haut dans le ciel. L'artiste a glorifié l'homme et son travail créateur.

Ses meilleures œuvres sont « Hay Wagon Crossing a Ford », « Jumping Horse », « Field of Grain », « Weymouth Bay », etc. J. Constable a joué un rôle important dans le développement de la peinture européenne en plein air.

6 œuvres de F. Goya

Après la mort de Velazquez en 1660, l’art espagnol fut dans un profond déclin pendant cent ans. Et seulement à la fin du XVIIIe - début du XIXe siècle. L'Espagne arriérée a produit de manière inattendue un artiste brillant qui est non seulement devenu l'un des plus grands peintres et graphistes d'Espagne, mais qui a également eu une profonde influence sur tout l'art européen des XIXe et XXe siècles : Francisco Goya (1746-1828). Il a créé un grand nombre de belles fresques, peintures, gravures, lithographies et dessins.

L'artiste débute par des croquis multicolores et festifs pour la Manufacture Royale de Tapisserie dans les années 90. XVIIIe siècle il est devenu un artiste expressif et profondément tragique. Au début du 19ème siècle. Goya parvint à une conscience distincte et claire de ses sympathies et antipathies sociales et à une formulation profonde des questions philosophiques sur la lutte entre le bien et le mal. Il prit inconditionnellement le parti du peuple qui luttait contre l'intervention napoléonienne ("Exécution des rebelles", une série de gravures "Désastres de la guerre"). Durant ces années, il crée des œuvres réalistes inspirées glorifiant le peuple espagnol (« La Forge », « La Fille à la cruche »). Goya a peint des tableaux pleins d'ironie maléfique et accusatrice ("La Famille du roi Charles IV") et glorifiant la beauté, la santé et la force morale du peuple espagnol ("Femme au foulard jaune", "Maja habillée", "Maja nue". "). Le magnifique portrait d'"Isabel Cobos de Porcel" représente une femme pleine de feu, de force intérieure, d'indépendance et d'un sentiment de haute dignité. Ce n'est pas seulement un type national classique de beauté espagnole, mais aussi un caractère profondément individuel.

L'œuvre de Goya est empreinte d'un esprit véritablement national, mais en même temps elle se distingue des œuvres de ses contemporains. Son travail dépeint son époque avec inspiration et il a souvent recours à des allégories ou à des images fantastiques complexes. Il a créé la célèbre série de gravures "Caprichos" (c'est-à-dire un caprice, un jeu fantastique) - sur 80 feuilles, un monde terrible de monstres et de monstres apparaît devant le spectateur. La satire sociale acerbe de l'artiste est dirigée contre l'anarchie, la superstition, l'ignorance et la stupidité. Ces gravures contiennent une accusation contre l'Église, la noblesse et les dirigeants. Le langage artistique de "Caprichos" combinait de manière fantaisiste le grotesque et la réalité, une satire acérée et une analyse perspicace de la réalité.

Au cours de la période d'établissement du réalisme dans l'art théâtral français, le réalisme critique a commencé à se développer et la prédilection des romantiques à ne montrer que des personnalités exceptionnelles a commencé à être surmontée. L'acteur Frédéric Lemaître a créé un type social qui, aux yeux de ses contemporains, est devenu un symbole de la monarchie bourgeoise de Juillet.

À la veille de la révolution de 1848, on entend à nouveau le thème héroïque, porté dans son œuvre, comme le souligne la grande actrice tragique Eliza Rachel. Mais après la révolution, le répertoire théâtral connut à nouveau un revers et les tendances protectrices et apologétiques bourgeoises s'intensifièrent.

Pendant la Commune de Paris, le gouvernement a tenté de faire du théâtre un moyen d'éducation publique, mais après sa défaite, le théâtre français s'est appauvri idéologiquement. Et dans le travail des principaux acteurs tragiques du théâtre de la Comédie Française, les traits académiques commencent à prédominer. La remarquable actrice française Sarah Bernhardt (1844-1923) fait ses débuts à la Comédie Française en 1862. Son répertoire comprend les rôles d'héroïnes tragiques du répertoire classique et moderne : Phèdre, Andromaque (pièces de Racine), Zaira (pièce de Voltaire). ), Desdémone, Doña Salt (Hernani de Hugo). L'un des meilleurs rôles de l'actrice est Margarita Gautier dans la pièce "La Dame aux camélias" de A. Dumas le Fils. L'art de Bernard était un exemple de perfection technique : elle avait une belle voix, une diction raffinée et une plasticité.

Au début du 19ème siècle. L'art classique a préparé la formation du style tragique italien, développé sur la base des répertoires révolutionnaires romantiques et shakespeariens. Le héros romantique du théâtre italien était rempli de devoir civique et du désir de servir sa patrie de manière altruiste. Les tragédiens célèbres étaient les acteurs E. Rossi, T. Salvini (1820-1915), l'actrice A. Ristori. La principale caractéristique de cette direction de l'école de scène italienne est la création de personnages forts et volontaires et d'une authenticité psychologique. Le talent de ces acteurs s'est révélé avec une force particulière dans les pièces de Shakespeare. L'art de ces acteurs dans le développement du théâtre d'Europe occidentale s'étend sur toute une époque.

En 1843, le monopole des théâtres de Drury Lane et de Covent Garden est aboli en Angleterre. Cela a permis à tous les autres théâtres de présenter des pièces de théâtre de n'importe quel genre. Plusieurs nouveaux bâtiments de théâtre ont été construits à Londres.

Fin du 19ème siècle. La dramaturgie réaliste européenne, en particulier la dramaturgie d'Ibsen, a une influence significative sur le théâtre anglais. La dramaturgie de B. Shaw, D. Galsworthy, G. Ibsen a été promue par le nouveau « Théâtre indépendant », « Théâtre du nouveau siècle », « Société de théâtre littéraire », « Old Vic », etc.

Dans une Allemagne politiquement fragmentée, la vie théâtrale était concentrée dans les petites villes, dans lesquelles les théâtres de cour jouaient le répertoire classique.

L'abolition des monopoles des théâtres de cour en 1869 entraîne l'émergence de nombreux théâtres commerciaux et une diminution du niveau artistique du répertoire. La lutte pour la création de spectacles sous forme d’œuvres sur une seule scène a commencé au Théâtre de Meiningen, devenu théâtre municipal en 1871. Les plus grands acteurs en Allemagne au milieu et à la fin du 19e siècle. il y avait B. Davison, A. Mashkovsky, E. Possart.

Les grands tragédiens I. Kainz et A. Zorma ont brillé dans les pièces de G. Ibsen et G. Hauptmann.

Au tournant du siècle, Berlin devient le centre théâtral de l’Allemagne. En 1883, le Théâtre allemand a été ouvert, en 1889 - le Théâtre Libre, qui a promu la dramaturgie d'Ibsen, Hauptmann, E. Zola, L. Tolstoï.

Au début du 19ème siècle. La vie théâtrale de l'Autriche a été marquée par un grand épanouissement créatif des théâtres de banlieue, associé aux activités du dramaturge F. Raymond et de l'acteur I.N. Nestroya. Cependant, après la révolution de 1848, ces théâtres perdirent leur caractère démocratique et leur répertoire fut dominé par des pièces de théâtre divertissantes.

Dans la seconde moitié du XIXe siècle. Le Théâtre Burg occupait une place de premier plan dans la vie théâtrale autrichienne. Son directeur, G. Laube, a imposé sur scène les classiques. Dans les années 70-80. Le théâtre a été dirigé par F. Dilgenstedt, qui a mis en scène un cycle de tragédies shakespeariennes, des pièces d'Ibsen, Gogol, Tourgueniev, L. Tolstoï.

Le berceau du ballet européen moderne est l'Italie. Le ballet italien était basé sur les traditions de la pantomime et de la danse anciennes et sur la riche culture de la danse folklorique. Au tournant des XVIII-XIX siècles. Une nouvelle étape s'ouvre dans le développement du ballet italien, coïncidant avec la période de la lutte de libération du peuple italien. Les spectacles ont été créés sur la base du principe d'un ballet efficace, riche en drame, en dynamique et en expression. De tels ballets ont été mis en scène par G. Joey et S. Vigano, et des danseurs de pantomime y ont joué.

Le théâtre de La Scala était considéré comme le plus grand centre d'art du ballet en Europe ; en 1813, une école de ballet fut créée au théâtre.

Dans la seconde moitié du XIXe siècle. en Italie, comme dans d'autres pays d'Europe occidentale, l'art du ballet a connu un déclin. À cette époque, un style de performance virtuose s’établit. L'attention est concentrée sur la résolution des difficultés techniques et l'expressivité dramatique est reléguée au second plan. Dans les années 80 du XIXème siècle. Des spectacles pour la plupart enchanteurs ont été mis en scène, caractérisés par une lourdeur et, en règle générale, dépourvus de contenu idéologique. Cependant, les diplômés de l'école de ballet de La Scala à la fin du siècle, C. Brianza, P. Legnani, V. Zucchi, sont devenus célèbres non seulement pour leur technique la plus élevée, mais aussi pour leur talent dramatique exceptionnel. C'est Pierina Legnani qui fut la première au monde à réaliser 32 fouettés. Elève de l'école de La Scala, E. Cecchetti devient une célèbre danseuse-professeur, auprès de laquelle l'incomparable Anna Pavlova perfectionnera par la suite ses talents de danseuse.

5. Nouvelles orientations de la culture d'Europe occidentale à la fin du XIXe siècle.

Dans la seconde moitié du XIXe siècle. En Europe occidentale, la France devient le centre culturel, la démocratie bourgeoise s’établit et les premiers traits de la conscience de masse émergente apparaissent. La concentration des habitants dans les villes s'accompagne d'une dynamisation de la vie associée au développement de l'industrie, des transports, des communications, à l'accélération du rythme de l'évolution sociale et du progrès scientifique.

Le flux d'informations s'est fortement accru, ce qui a incité à tenter de créer un système d'information mondial. Il n'y avait pas encore de radio ni de télévision, mais le télégraphe électrique avait déjà rapproché les points éloignés du globe et la diffusion croissante des journaux contribuait à une diffusion plus large de l'information.

Les sciences sociales et humaines ont été contraintes de prendre en compte le facteur masse. Distribution et consommation de l'art depuis le milieu du XIXe siècle. Elle se distingue avant tout par sa démocratisation en forte progression. La littérature a pris la première place, l'édition se développe, de nombreuses nouvelles revues paraissent avec des tirages sans précédent.

Déjà à l'époque précédente, il y avait une différenciation des fonctions dans l'activité créatrice : outre les artistes, un corps spécial d'intermédiaires est apparu - éditeurs, marchands d'art, entrepreneurs, etc. L'entrepreneur a essayé de plaire à tous les goûts, c'est pourquoi la création de produits de mauvaise qualité et pseudo-artistiques a été encouragée. C'était au 19ème siècle. la culture de masse commence avec toutes ses contradictions et ses vices.

À partir du réalisme et du romantisme, émergent de nouvelles théories artistiques et esthétiques qui ont gagné plus ou moins en popularité. Le successeur de certaines traditions romantiques fut la « Fraternité préraphaélite » née en Angleterre en 1842 - une société de poètes et d'artistes : le poète et peintre D.P. Rosseti (1828-1882), la poétesse K. Rosseti (1830-1879), les peintres Des.E. Millais (1842-1896) et E. Burne-Jones (1821-1878), artiste, designer, écrivain W. Morris (1834-1896). Les préraphaélites combinaient leur rejet de la civilisation moderne avec l’idéalisation du Moyen Âge et du début de la Renaissance et leurs exigences en matière d’esthétisation de la vie. Ils cherchaient à raviver la « religiosité naïve » dans l’art. Les idées des Préraphaélites ont ensuite largement influencé le développement du symbolisme dans la littérature anglaise (O. Wilde), du style Art Nouveau dans les beaux-arts et les arts décoratifs.

1 Symbolisme

En tant que nouvelle direction artistique, le symbolisme est apparu en Europe à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. Les représentants les plus éminents du symbolisme français furent les poètes Paul Verlaine (1844-1896), Stéphane Mallarmé (1842-1898), Arthur Rimbaud (1854-1891) et d'autres.

P. Verlaine (recueils de poèmes « Célébrations galantes », « Romances sans paroles », « Sagesse ») a introduit dans la poésie lyrique un monde complexe de sentiments et d'expériences et a donné au vers une subtile musicalité.

L’œuvre d’O. Mallarmé se caractérise par une syntaxe compliquée, des inversions et la volonté de traduire le « suprasensible ». Cela se voit clairement dans les fragments dramatiques d'« Hérodiade » et dans le recueil « Poèmes ».

L'une des principales figures de la poésie française est A. Rimbaud, auteur des recueils de poésie et de prose « À travers l'enfer » et « L'Illumination », empreint d'illogisme, de pensées « fracturées », d'anti-bourgeoisisme et de pathétique prophétique :

Le poète lui-même se rend vulnérable - à travers un trouble long, épuisant et soigneusement réfléchi de tous les sens.

Le symbolisme s'est répandu dans d'autres pays : en Allemagne - dans les œuvres de Stefan George (1868-1933), en Autriche - Hugo Hofmannsthal (1874-1923) et Rainer Maria Rilke (1875-1926), en Belgique - Maurice Maeterlinck (1862- 1949) ), Georges Rodenbach (1855-1898).

S. Gheorghe a défendu le culte de « l'art pur » et son rôle messianique dans les collections « Le Septième Anneau » et « L'Étoile de l'Union ». Il a été influencé par F. Nietzsche (collection "Nouvel Empire").

Les paroles et la dramaturgie de G. Hofmannsthal (« Every Person ») sont empreintes de symbolisme.

Le thème principal de l'œuvre de Rilke est le désir de surmonter la solitude par l'amour des gens et la fusion avec la nature. Ses œuvres (« Livre d'images », « Livre d'heures ») allient symbolisme philosophique, musicalité et plasticité. Le roman journal "Notes de Malte Laurids Brigge" anticipe une prose existentialiste.

M. Maeterlinck a exprimé sa protestation contre le côté terreur du naturalisme dans sa poétique symboliste. Il est l'auteur des pièces "Sister Beatrice", "Monna Vanna", "Blue Bird". Maeterlinck - Lauréat du prix Nobel 1911

L'œuvre du plus grand poète symboliste J. Rodenbach, auteur des romans symbolistes "Dead Bruges" et "The Bell Ringer", est de nature religieuse et mystique.

Les symbolistes, concentrant leur attention sur l'expression artistique à travers les symboles des « choses en elles-mêmes » et des idées qui dépassent la perception sensorielle humaine, cherchaient à percer la réalité visible vers les « réalités cachées », l'essence idéale surtemporelle du monde, son « impérissable ». beauté. Ici, les principales tendances de l'art moderne se sont déjà clairement manifestées - désir de liberté spirituelle, prémonition tragique de catastrophes sociales, méfiance à l'égard des valeurs culturelles et spirituelles séculaires, mysticisme.

Le douloureux déclin de la civilisation est une évidence, incontestable pour le remarquable poète français Charles Baudelaire (1821-1867). Il est un précurseur de la symbolique française. Son livre principal a reçu un titre provocateur, mais qui correspond exactement à la vision tragique condensée du monde : « Fleurs du Mal ». C'est la haine du monde bourgeois, la rébellion anarchique, le désir d'harmonie. Le poète combine ces sentiments avec la reconnaissance du caractère insurmontable du mal :

Les vrais voyageurs sont ceux qui partent en voyage, laissant le passé derrière eux.

2 Naturalisme

Une transformation propre à la fin du XIXe siècle se produit avec la tradition réaliste : la dégénérescence du réalisme en naturalisme.

Les partisans de cette direction sont partis de l'idée d'une prédétermination complète du destin, de la volonté et du monde spirituel d'une personne par l'environnement social, la vie quotidienne, l'hérédité et la physiologie. Dans les années 80 du XIXème siècle. le naturalisme devient un mouvement influent dans la littérature française. Le représentant et théoricien le plus éminent de ce mouvement est Emile Zola (1840-1902). Dans son œuvre principale, la série de vingt volumes de romans "Rugon-Macquart", Zola a brossé un large panorama de la société française, couvrant la vie de toutes les couches de la population du pays. Dans ses meilleurs romans, « Le Ventre de Paris », « Le Piège », « Germinal », « L’Argent » et « La Défaite », l’écrivain a dépeint les contradictions sociales avec une grande force réaliste. Cependant, l'idée des lois de la société comme lois biologiques limitait son réalisme.

D'autres représentants célèbres du naturalisme dans la littérature furent : les frères français Edmond (1822-1896) et Jules (1830-1876) Goncourt, les Allemands Arnaud Holtz (1863-1929), Gerhart Hauptmann (1862-1946), le Belge Camille Lemonnier ( 1844-1919) .

Dans les romans des frères Goncourt ("Germinie Lacerte", "René Mauprin") la vie des différentes couches de la société est montrée selon des méthodes à la fois réalistes et naturalistes. En 1879, après la mort de son frère, Edmond Goncourt écrit le récit « Les frères Zemgano ». Selon la volonté d'Edmond Goncourt, est fondée l'Académie Goncourt (1903), qui décerne chaque année le prix du meilleur roman de l'année en France.

Arno Holtz - théoricien naturaliste. Il a publié un recueil de poèmes « Le Livre du temps », ainsi qu'avec I. Schlaf un recueil de nouvelles « Papa Gamley » et un drame « La famille Zelike ».

Le fondateur du naturalisme allemand, G. Hauptmann, auteur des drames "Before Sunrise", "Rose Bernd", "Before Sunset", de la comédie "Beaver Coat", dans laquelle la critique sociale côtoie l'absolutisation des lois biologiques, le symbolisme (Conte de fées-drame "La Cloche Engloutie" "). Plus tard, des tendances mystiques sont apparues dans son œuvre. Il est l'auteur du drame "Les Tisserands" sur le soulèvement polonais des tisserands silésiens. Lauréat du prix Nobel 1912

Le mouvement naturaliste dans l’art était hétérogène. À côté de caractéristiques réalistes et démocratiques, les tendances à la décadence dominaient souvent, avec leur désespoir, leur immoralisme et leur perte d'esprit inhérents.

3 Impressionnisme

Sous l'influence des représentants de la peinture du réalisme critique (Courbet, Daumier), une nouvelle direction de l'art est apparue : l'impressionnisme (du français impression - impression). Les attitudes esthétiques de cette tendance se caractérisent par le désir de combiner des tâches cognitives avec la recherche de nouvelles formes d’expression du monde subjectif unique de l’artiste, de transmettre ses perceptions éphémères et de capturer le monde réel dans toute sa variabilité et sa mobilité. Son histoire est relativement courte - seulement 12 ans (de la première exposition de peintures en 1874 à la huitième en 1886).

L'impressionnisme est représenté dans les œuvres d'artistes tels que Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Degas, Camille Pissarro et d'autres, qui se sont unis pour lutter pour le renouveau de l'art contre l'académisme officiel de la créativité artistique. Après la huitième exposition en 1886, ces groupes se dissolvent, ayant épuisé les possibilités de développement dans une seule direction de la peinture.

Claude Monet (1840-1926) est l'un des principaux représentants de l'impressionnisme, auteur de paysages aux couleurs subtiles, remplis de lumière et d'air. Dans les séries de toiles « Meules de foin » et « Cathédrale de Rouen », il a cherché à capturer les états fugaces et instantanés de l'environnement lumière-air à différents moments de la journée. Du nom du paysage de Monet "Impression. Soleil levant" est venu le nom du mouvement - impressionnisme. Plus tard, des traits du décorativisme sont apparus dans les travaux de C. Monet.

Camille Pissarro (1830-1903) - représentant de l'impressionnisme, auteur de paysages clairs et aux couleurs pures ("Terre labourée"). Ses peintures se caractérisent par une palette douce et sobre. À la fin de sa créativité, il se tourne vers l'image de la ville - Rouen, Paris ("Boulevard Montmartre", "Opéra Passage à Paris"). Dans la seconde moitié des années 80. influencé par le néo-impressionnisme. Cela fonctionnait également comme un horaire.

L'écriture créative d'Edgar Degas (1834-1917) se caractérise par une observation d'une précision impeccable, le dessin le plus strict, des couleurs pétillantes et d'une beauté exquise. Il est devenu célèbre pour sa composition angulaire librement asymétrique, sa connaissance des expressions faciales, des poses et des gestes de personnes de différentes professions et ses caractéristiques psychologiques précises : « Blue Dancers », « Star », « Toilet », « Ironers », « Dancers' Rest ». ». Degas est un merveilleux maître du portrait. Sous l'influence d'E. Manet, il s'oriente vers le genre quotidien, représentant la foule des rues parisiennes, les restaurants, les courses de chevaux, les danseuses de ballet, les blanchisseuses et la grossièreté des bourgeois suffisants. Si les œuvres de Manet sont lumineuses et gaies, chez Degas elles sont colorées de tristesse et de pessimisme.

Pierre Auguste Renoir (1841-1919), avec C. Monet et A. Sisley, crée le noyau du mouvement impressionniste. Au cours de cette période, Renoir s'est efforcé de développer un style artistique vif et coloré avec un « coup de pinceau plumeux » (connu sous le nom de style arc-en-ciel de Renoir) ; crée de nombreux nus sensuels (« Baigneuses »). Dans les années 80, il s’oriente de plus en plus vers la clarté classique des images dans son travail. Renoir aimait avant tout peindre des images d'enfants et de jeunesse et des scènes paisibles de la vie parisienne ("Parapluies", "Moulin de la Galette", "J. Samary"). Son travail se caractérise par des paysages et des portraits légers et transparents qui glorifient la beauté sensuelle et la joie d'être. Mais Renoir a l'idée suivante. »

Depuis quarante ans, je pars en voyage pour découvrir que le noir est la reine de toutes les couleurs.

L'œuvre d'Henri Toulouse-Lautrec (1864-1901) est également étroitement liée à l'impressionnisme. Il a travaillé à Paris, où il a peint des danseuses, des chanteuses et des prostituées de cabaret dans son propre style, caractérisé par des couleurs vives, une composition audacieuse et une technique brillante. Ses affiches lithographiques connaissent un grand succès.

L'impressionnisme peut être vu beaucoup plus largement : en tant que style dans lequel il n'y a pas de forme clairement définie, le sujet est capturé par des traits fragmentaires qui capturent instantanément chaque instant, révélant cependant une unité et une connexion cachées. Dans ce sens plus large, l'impressionnisme s'est manifesté non seulement dans la peinture, mais aussi dans d'autres formes d'art, en particulier dans la sculpture.

Ainsi, le grand sculpteur français Auguste Rodin (1840-1917) fut un contemporain et un allié des impressionnistes. Son art dramatique, passionné, héroïquement sublime glorifie la beauté et la noblesse de l'homme, il est imprégné d'impulsions émotionnelles (le groupe « Kiss », « Thinker », etc.). Il se caractérise par le courage des quêtes réalistes, la vitalité des images , et une modélisation picturale énergétique. La sculpture a une forme fluide, acquérant un caractère apparemment inachevé, ce qui rend son œuvre similaire à l'impressionnisme et permet en même temps de créer l'impression de la naissance douloureuse de formes à partir de matière élémentaire amorphe. Le sculpteur allie à ces qualités un dessin dramatique et un désir de réflexion philosophique (« L'Âge du Bronze », « Citoyens de Calais »). L'artiste Claude Monet l'appelait « le plus grand des grands ». Rodin a écrit :

La sculpture est l'art des indentations et des convexités.

Dans le 19ème siècle créé par des sculpteurs aussi célèbres que François Rud (1784-1855) - le créateur du bas-relief "La Marseillaise" sur l'Arc de Triomphe à Paris, représentant la figure de la Liberté menant les révolutionnaires ; l'animaliste Bari; maître du portrait sculptural réaliste Dolu.

Mais seul Rodin a introduit quelque chose de nouveau dans l'art plastique du modelage, en a élargi la gamme et enrichi le langage. Les bustes de Rodin se caractérisent par la netteté et l'intégrité dans la transmission du caractère de la personne représentée, de son monde intérieur ("J. Dolu", "A. Rochefort"). L'œuvre de Rodin fut innovante, féconde, elle donna une impulsion à la quête artistique de nombreux maîtres de la sculpture européenne du XXe siècle.

L'influence de l'impressionnisme peut être retracée dans les œuvres de nombreux écrivains, artistes, compositeurs représentant diverses méthodes de création, notamment les frères Goncourt, K. Hamsun, R.M. Rilke, E. Zola, Guy de Maupassant, M. Ravel, C. Debussy et autres.

Claude Debussy (1862-1918) - fondateur de l'impressionnisme musical. Il incarnait dans la musique des impressions éphémères, les nuances les plus subtiles des émotions humaines et des phénomènes naturels. Les contemporains considéraient le prélude de « L'après-midi d'un faune » comme une sorte de manifeste de l'impressionnisme musical. Ici, l'instabilité des humeurs, la sophistication, la sophistication, la mélodie fantaisiste et l'harmonie colorée se sont manifestées. L'une des œuvres les plus significatives de Debussy est l'opéra "Pelléas et Mélisande" basé sur le drame de M. Maeterlinck. Le compositeur crée l'essence d'un texte poétique peu clair et symboliquement brumeux. La plus grande œuvre symphonique de Debussy sont les trois esquisses symphoniques « La Mer ». Au cours des années suivantes, des traits du néoclassicisme sont apparus dans les œuvres de Debussy.

Le compositeur et pianiste français Maurice Ravel (1875-1937) poursuit et développe la recherche de Debussy pour la musique impressionniste.

Ses œuvres se caractérisent par une sensualité, une harmonie exotique et de magnifiques effets orchestraux (ballet "Daphnis et Chloé", boléro pour orchestre).

4 Postimpressionnisme

Les principales caractéristiques de l'impressionnisme se sont développées dans le post-impressionnisme. Les représentants éminents de cette tendance étaient les artistes P. Cézanne, V. Van Gogh, P. Gauguin. Ils ont commencé à travailler simultanément avec les impressionnistes et ont été influencés par eux dans leur travail. Chacun d’eux, cependant, représentait une individualité brillante et laissait une profonde marque sur l’art.

Ainsi, Paul Cézanne (1839-1906) s'oriente dans ses premières œuvres vers les techniques picturales des maîtres anciens (« Orgie »), puis se laisse influencer par G. Courbet (« Le Poêle dans l'atelier »). Depuis les années 70 Le système pictural de Cézanne prend forme et atteint sa maturité à la fin des années 80. C'est à cette époque que Cézanne s'éloigne de l'impressionnisme. Il recherche soigneusement non pas la variabilité des couleurs, mais des motifs structurels stables, dénués d'insignifiance, l'équilibre harmonieux de la nature, l'unité de ses formes dans tous les genres (portrait, composition figurative, paysage, autoportrait, nature morte). Il est l'auteur de tableaux tels que « Les Bords de Marne », « Pêches et Poires », « Pierrot et Arlequin ». Cézanne opérait principalement avec des dégradés de trois couleurs primaires : le vert, le bleu et le jaune. Il a un design audacieux et laconique.

L'œuvre de Cézanne trouva de nombreux imitateurs et adeptes et eut une grande influence sur la peinture du XXe siècle.

Paul Gauguin (1848-1903) est l'un des représentants marquants du post-impressionnisme, proche du symbolisme et de l'Art nouveau. Il a utilisé des généralisations synthétiques de la couleur et de la ligne. Le thème principal des peintures de Gauguin est la vie et les légendes des peuples d'Océanie (Tahiti), le monde poétique de l'harmonie entre l'homme et la nature. Ses peintures, décoratives et pleines de symbolisme, se caractérisent par des couleurs riches et pures. Dans un effort pour se rapprocher des traditions artistiques de l’art indigène, Gauguin en est délibérément venu à primitifier la forme. Il a un dessin extrêmement simplifié, les formes des objets sont volontairement plates, les couleurs sont nettes et lumineuses. Les compositions sont de nature ornementale. Gauguin est l'auteur de tableaux tels que « Ford », « Are You Jealous ? A Tahiti, il écrit l'un de ses chefs-d'œuvre "D'où venons-nous ? Qui sommes-nous ? Où allons-nous ?"

Le summum du post-impressionnisme est l'œuvre de Vincent van Gogh (1853-1890). Il y a deux périodes dans son œuvre : la première moitié des années 80. et les trois dernières années de sa vie, lorsqu'il était gravement malade. Malgré la courte période de sa vie créatrice, l'artiste a créé des œuvres qui ont laissé une marque indélébile sur la culture mondiale. L'œuvre de Van Gogh a un caractère pessimiste, anxieux, douloureux et expressif. Dans ses œuvres, il y a soit la joie de la vie, du monde, soit un sentiment de solitude et de mélancolie douloureuse. Ses tableaux « Cabanes », « Chambre », représentant de simples maisons ou pièces, sont pleins de drame. L'impression de tension est renforcée par une technique spéciale consistant à appliquer de la peinture avec des traits nets, parfois en zigzag ou parallèles, conduisant lors de la représentation, par exemple, de la terre ou d'une cabane dans une direction, et du ciel dans une autre direction opposée. Avec une extraordinaire acuité de perception, il peint la nature (fleurs, arbres, herbe), l'architecture, les gens (« Auvers après la pluie », « Eglise à Auvers », « Portrait du docteur Gachet »). Ses paysages, peints à Arles, sont empreints d'un amour passionné de la vie. Ils contiennent une combinaison de couleurs vives, de rythmes expressifs de dessins et de solutions de composition libres audacieuses (« Night Cafe », « Red Vineyards in Arles »).

De son vivant, Van Gogh ne jouit d’aucune renommée. Son énorme influence sur l’art s’est fait sentir bien plus tard.

Et en général, le travail des postimpressionnistes exprimait les motifs et les humeurs dominants de leur époque et a eu une grande influence sur le développement de la culture artistique au tournant des XIXe et XXe siècles.

art classicisme d'Europe occidentale réalisme

Le théâtre d’Europe occidentale a également subi l’influence du symbolisme et de la décadence. Les figures de ce mouvement réclamaient la création d’un théâtre synthétique dans lequel les représentations allieraient mots, couleurs et musique. Les symbolistes ont vu son objectif dans le fait d'influencer le spectateur avec des images qui ne se prêtent pas à un décodage sémantique spécifique. Parallèlement, ils défendent le principe de l'autonomie de créativité du metteur en scène et de l'artiste par rapport au théâtre, qui constitue la base idéologique du spectacle. Si les acteurs du théâtre réaliste créaient des images aux multiples facettes et authentiques, les symbolistes cherchaient à opposer à cela une image-symbole unilatérale et poétiquement transformée.

Des figures symbolistes comme S. Mallarmé, M. Maeterlinck, G. Craig (1872-1966) privilégient le théâtre de marionnettes et souhaitent remplacer les personnages de la pièce par un « masque » ou une « super-marionnette ».

Les moyens visuels (mise en scène pittoresque, poses sculpturales, musique, couleur) ont dû être subordonnés à la création d'une atmosphère mystique afin d'inculquer au spectateur le sentiment du caractère illusoire de la réalité environnante.

Les symbolistes ont tenté de restaurer différents types de représentations médiévales (mystères, miracles, etc.), d'utiliser les techniques et les styles scéniques de différentes époques.

Durant cette période, de nombreux théâtres d'atelier voient le jour (notamment à Paris), dont le répertoire comprend des pièces-légendes mystiques et poétiques de P. Quillard, C. Mendes, des pièces de Maeterlinck ; les ouvrages de C. Baudelaire, A. Rimbaud, P. Verlaine, S. Mallarmé ont été lus.

Outre les pièces décadentes, il y avait des drames d'Ibsen, de B. Bjornson, des premières pièces de A. Strindberg (1849-1912), ainsi que de R. Rolaan (1866-1944) et de M. Gorky.

Conclusion

Culture artistique du XIXe siècle. développé sous l’influence de divers facteurs politiques, économiques, sociaux, religieux et nationaux. La Grande Révolution française, qui proclama les idées de liberté, d’égalité et de fraternité, fut particulièrement importante pour son développement. La révolution s'est donné pour tâche de préparer la société à accepter la grande idée d'une seule famille humaine. Dans l’histoire de l’humanité, c’était une idée nouvelle, un nouvel idéal.

Étant donné que la pratique s'écartait considérablement des idéaux proclamés par la révolution, l'art qui se développait au cours de cette période appréhendait la réalité de manière critique. La critique était donc caractéristique de la culture artistique du XIXe siècle.

La littérature, qui a déterminé la vie artistique de ce siècle, a pris la première place parmi tous les types de créativité artistique.

Outre l'art des mots, le XIXe siècle. créé de magnifiques exemples de créations musicales et scéniques. En musique, l'art de l'opéra et du ballet, ainsi que les œuvres symphoniques, ont atteint des sommets.

Dans le domaine des arts plastiques, les plus hautes réalisations appartiennent à la peinture. Le critique d'art Lionello Venturi a noté : "... en termes de nombre et de compétences, les brillants peintres du XIXe siècle peuvent supporter la comparaison avec les peintres de n'importe lequel des siècles précédents."

Dans le 19ème siècle a finalement émergé comme un type indépendant de beaux-arts, le graphisme, facilité par l'invention de la lithographie - la gravure sur pierre.

Une caractéristique du développement de la culture et de l'art du XIXe siècle. c’est la diversité des mouvements et styles artistiques, des méthodes et des formes qui changent littéralement chaque décennie.

Le développement de certains types d’art s’est réalisé de manière inégale selon les pays. Si l'Italie, l'Allemagne et la France ont pris le pas sur l'ampleur et le niveau de développement de l'art musical, alors dans la créativité littéraire - la France et l'Angleterre. Les plus hautes réalisations en peinture sont venues de France et d'Espagne.

Porté au 19ème siècle. et des pertes à la fois dans certains domaines de l'art et dans les réalisations de chaque pays.

La prédominance d'une vision critique du monde a prédéterminé l'impossibilité de créer un grand style architectural. Les historiens de l'art considèrent comme les dernières réalisations les ensembles architecturaux exceptionnels de style néoclassique créés au tournant des XVIIIe et XIXe siècles. Dans le 19ème siècle les succès de l'urbanisme utilitaire n'ont pas contenu les progrès de l'architecture artistique - l'éclectisme et l'emprunt des styles architecturaux antérieurs régnaient.

La même chose s’est produite avec la sculpture monumentale. Le meilleur de ce qui a été créé par les sculpteurs du 19ème siècle. appartient au genre de la sculpture de chevalet.

Du peu que l'architecture a révélé, le meilleur a été réalisé en Angleterre et dans l'art de la sculpture en France.

Malgré la variété des styles développés au XIXe siècle, la direction artistique réaliste est considérée comme la principale, qui a donné des résultats brillants dans tous les types d'art et de littérature.

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Introduction.
La culture du XIXe siècle est la culture des relations bourgeoises établies. C'est l'époque de l'apparition d'œuvres qui sont devenues un immense bien culturel et une conquête du génie humain, même si les conditions de développement étaient complexes et contradictoires. Les facteurs qui ont influencé les principaux processus et orientations de la créativité artistique étaient variés.
Parmi les facteurs socio-économiques et politiques, les révolutions sociales et le mouvement révolutionnaire revêtaient une importance décisive. Au XIXe siècle, les révolutions bourgeoises ont balayé de nombreux pays européens. Ils ont contribué à l’établissement et au développement du capitalisme, à la solution de problèmes historiques urgents et ont éveillé dans l’humanité progressiste le désir de se libérer de l’oppression et de l’injustice sociales.
La révolution industrielle, qui s’est terminée au XIXe siècle, a eu un impact considérable sur le développement du monde de l’Europe occidentale. Son résultat immédiat est une augmentation sans précédent de la productivité du travail social. Le développement de la production a stimulé le développement rapide de la science. R. Mayer, J. Joule, G. Helmholtz ont découvert les lois de conservation et de transformation de l'énergie, fournissant une base unifiée à toutes les branches de la physique et de la chimie. A. Einstein a créé la théorie de la relativité, M. Planck - théorie quantique, qui a conduit à une percée dans le domaine du micromonde et des vitesses élevées. De nombreuses autres grandes découvertes ont été faites dans divers domaines scientifiques. La création de la locomotive à vapeur, du moteur à combustion interne, du téléphone, de la radio et du cinéma a révolutionné la science et la technologie. La formation d'une société industrielle a commencé. La production industrielle a joué un grand rôle civilisateur.
Au XIXe siècle, un développement significatif de la pensée philosophique a été réalisé. Il a été préparé par les enseignements de I. Kant et I. Fichte. Sur la base de leurs dispositions, une théorie romantique a été créée, les bases d'une philosophie objectif-idéaliste ont été posées, formalisées dans l'enseignement harmonieux de F.V. Schelling. Le concept objectif-idéaliste a été développé davantage dans les travaux du plus grand philosophe allemand G. Hegel, qui lui a donné son intégralité sous la forme des lois fondamentales de la dialectique. Contrairement aux positions de Hegel, un concept idéaliste est apparu au même moment, dont les partisans étaient F. R. de Chateaubriand et A. Schopenhauer.
Le XIXe siècle a donné au monde K. Marx et F. Engels, qui ont créé la doctrine matérialiste au milieu du siècle. En utilisant la dialectique hégélienne, ils ont développé le concept de matérialisme historique. Leur enseignement est entré dans l’histoire sous le nom de « marxisme ».
Le mouvement philosophique d'O. Comte, fondateur du positivisme - la doctrine selon laquelle seule la connaissance empirique basée sur l'expérience et sa description précise peut être une véritable connaissance a été influent au XIXe siècle.
Au XIXe siècle, sous l'influence des tendances athées de la société, l'Église connaît une grave crise. De nouvelles religions pénètrent en Europe, les concepts de séparation de l'Église et de l'État, de liberté de conscience, de religion et de laïcisation de l'éducation naissent. Ces processus sapent l’influence de la religion sur la société.
Ainsi, les grands changements survenus au début du XIXe siècle dans le développement de la philosophie, de la science et de la technologie ont eu un impact énorme sur le développement de la littérature et de l'art en Europe occidentale. Une caractéristique commune de la culture mondiale à cette époque était la croissance constante des échanges culturels internationaux. Cela a été facilité par le développement rapide des contacts économiques mondiaux, l'amélioration des moyens de transport, des communications et de l'information mutuelle.
Considérons l'essence et le contenu des différentes tendances du développement de la culture européenne au XIXe siècle.

1. CARACTÉRISTIQUES DE LA CULTURE D'EUROPE OCCIDENTALE DU 19E SIÈCLE.
La culture de cette période se caractérise par le reflet des contradictions internes de la société bourgeoise. Le choc des tendances opposées, la lutte des classes principales - la bourgeoisie et le prolétariat, la polarisation de la société, la montée rapide de la culture matérielle et le début de l'aliénation de l'individu ont déterminé la nature de la culture spirituelle de cette époque.
Dans le 19ème siècle Il y a une révolution radicale associée à l’apparition de la machine, qui éloigne l’homme de la nature, brisant les idées habituelles sur son rôle dominant, et transforme l’homme en une créature dépendante de la machine. Dans des conditions d'intensification de la mécanisation, une personne se dirige vers la périphérie de la vie spirituelle, s'éloigne de ses fondements spirituels. La place du travail artisanal associé à la personnalité et à la créativité du maître a été prise par un travail monotone.
Culture spirituelle du 19ème siècle. s'est développé et a fonctionné sous l'influence de deux facteurs importants : les succès dans le domaine de la philosophie et des sciences naturelles. La principale culture dominante du XIXe siècle. il y avait la science.
Diverses orientations de valeurs reposaient sur deux positions de départ : l'établissement et l'affirmation des valeurs du mode de vie bourgeois, d'une part, et le rejet critique de la société bourgeoise, d'autre part. D'où l'émergence de phénomènes aussi dissemblables dans la culture du XIXe siècle : romantisme, réalisme critique, symbolisme, naturalisme, positivisme, etc. Culture européenne du 19ème siècle. est le reflet de ces principes contradictoires que représente une société bourgeoise développée, mais, néanmoins, elle n'a pas d'égal en termes de profondeur de pénétration dans l'existence et le monde spirituel de l'homme et de tension créatrice dans la science, la littérature, la philosophie et l'art. Dans le développement de la philosophie du XIXe siècle. Trois directions déterminantes peuvent être distinguées : la philosophie allemande classique, la philosophie dialectico-matérialiste, la philosophie du positivisme.
La philosophie classique allemande représente la réalisation la plus importante de la pensée philosophique bourgeoise. Étant l'idéologie de la bourgeoisie allemande, historiquement progressiste pour l'époque, elle reflétait à la fois les conditions uniques du développement du capitalisme en Allemagne à la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle, ainsi que les changements socio-économiques majeurs qui ont eu lieu. ont eu lieu dans les pays les plus développés d’Europe.
La formation de la philosophie classique allemande s'est produite sous l'influence des changements révolutionnaires en France, de la révolution industrielle en Angleterre et des particularités de la situation socio-politique en Allemagne, qui était en stagnation économique. La pensée philosophique de l'Allemagne reflétait les particularités de la vision du monde de son époque et ne représentait pas un tout. I. Kant était un dualiste, I. Fichte était un idéaliste subjectif, F. Schelling et G. Hegel étaient des idéalistes objectifs, L. Feuerbach était un matérialiste et athée. Mais ils étaient unis par une ligne de succession. L'axe central du développement de la philosophie classique allemande était l'étude des formes d'universalité, qui chez Kant et Fichte étaient considérées comme des formes de pensée, chez Schelling et Hegel - comme des formes d'être, de réalité, de réalité spirituelle. La philosophie allemande classique est unie par l'idée de développement, de dialectique. La philosophie allemande classique est complétée par le plus grand matérialiste L. Feuerbach, dont le système philosophique s'est formé sur la base de l'école hégélienne. Cette philosophie a déterminé la pensée du siècle et est devenue la base méthodologique du développement de la culture spirituelle au XIXe siècle. Ses problèmes sont avant tout des problèmes humains, résolus par la création d’une image systématique du monde. Les systèmes de relations « monde-homme » proposés par les philosophes allemands sont presque tous (à l'exception des idées de L. Feuerbach) idéalistes dans leur tentative d'expliquer une fois pour toutes la place et le but de l'homme. Une grande réussite de la philosophie classique allemande est la doctrine du développement, la dialectique, qui a pris la forme d'une connaissance scientifique et est devenue une méthode de recherche.
La philosophie marxiste et la théorie marxiste, qui ont marqué la pensée philosophique et artistique du XIXe siècle, apportent une contribution significative au développement de la culture. Le document de programme – le « Manifeste du Parti communiste » – présentait une nouvelle vision du monde qui s'étendait au domaine de la vie sociale. Retravaillant de manière créative les idées de la philosophie allemande classique, de l'économie politique anglaise, du socialisme utopique français et anglais, Marx et Engels ont découvert les lois du développement social et ont montré au prolétariat une voie scientifiquement fondée pour améliorer ses conditions d'existence. En outre, la philosophie du marxisme revêt une importance historique et culturelle pour le développement de toute recherche scientifique, y compris la recherche dans le domaine de la culture. La méthode du matérialisme dialectique, méthode universelle d'étude d'un objet naturel, concevable ou social en développement, est basée sur cette théorie. Sur la base de cette méthode, l'art réaliste s'est tourné vers le reflet des contradictions du monde intérieur de l'homme et de ses liens contradictoires avec les processus de la vie sociale. Le sort du marxisme est dramatique, mais son rôle dans la culture est indéniable. La conscience positiviste s'est développée sous l'influence de la philosophie positiviste. Le conflit entre les idéaux humanistes et la vie quotidienne prosaïque a abouti à la reconnaissance d'un fait scientifique. Le positivisme s'appuyait sur la philosophie du Nouvel Âge, sur le programme de domination pratique de la science en tant que système rationnel de connaissances expérimentales fiables, rejetant les idées métaphysiques et devenant le précurseur du scientisme. Dans le développement des tendances critiques de la culture du XIXe siècle. il y avait deux étapes. Le premier était associé au mouvement révolutionnaire, le second à l'émergence et à la propagation des idées socialistes et à la crise spirituelle de la société bourgeoise, c'est-à-dire à l'incrédulité dans la possibilité d'un progrès spirituel, dans la faisabilité des idéaux humanistes. Tout cela a conduit à l'émergence du pessimisme, de l'apathie et de l'indifférence, qui se sont reflétés dans des formes de culture artistique telles que l'impressionnisme, le naturalisme, le symbolisme, l'esthétisme et la décadence.
L'impressionnisme s'est développé sous l'influence du positivisme. Se concentrant sur la fixation précise d’un « fait » (un moment dans la représentation de la réalité) et refusant les larges généralisations, la vision du monde de l’impressionnisme n’a pas réussi à acquérir des modèles stables. Ce mouvement s'appuie sur les dernières découvertes scientifiques dans le domaine de la biologie, de la physiologie, de la physique et de la chimie, dans le domaine de l'étude des sensations sonores et visuelles - le naturalisme.
L'influence du positivisme s'y manifeste le plus clairement. Son credo est « la nature telle qu’elle est ». Les naturalistes ont rejeté l'arbitraire de l'imagination et ont comparé le travail des écrivains et des artistes avec le travail des chercheurs en nature - les naturalistes. Le résultat d’une telle activité est l’observation à travers le tempérament. Un reflet littéral de l'aspect biologique de la vie humaine s'est exprimé dans la profanation de l'art, qui a prédéterminé son succès scandaleux auprès de la bourgeoisie, dans l'émergence de l'esthétique de « l'art physiologique ».
Mais c'est le changement le plus significatif dans la culture spirituelle du XIXe siècle. et la vie de la société a été la formation du romantisme, qui revendiquait une vision du monde et un style de pensée holistiques avec d'autres - le classicisme et le réalisme.
Le romantisme est un phénomène généré par le système bourgeois. En tant que vision du monde et style de créativité artistique, il reflète ses contradictions : l'écart entre ce qui devrait être et ce qui est, l'idéal et la réalité. La prise de conscience de l'irréalisabilité des idéaux et des valeurs humanistes des Lumières a donné naissance à deux positions idéologiques alternatives. L’essence de la première est de mépriser la basse réalité et de se retirer dans la coquille des idéaux purs. L’essence de la seconde est de reconnaître la réalité empirique et d’écarter toute spéculation sur l’idéal. Le point de départ de la vision romantique du monde est le rejet ouvert de la réalité, la reconnaissance du fossé insurmontable entre les idéaux et l'existence réelle, le caractère déraisonnable du monde des choses.
Elle se caractérise par une attitude négative envers la réalité, le pessimisme, l'interprétation des forces historiques comme étant extérieures à la réalité quotidienne réelle, la mystification et la mythologisation. Tout cela a incité à rechercher la résolution des contradictions non pas dans le monde réel, mais dans le monde fantastique.
La vision romantique du monde couvrait toutes les sphères de la vie spirituelle : science, philosophie, art, religion. Cela s’est exprimé de deux manières :
Le premier est que le monde y apparaît comme une subjectivité cosmique sans fin, sans visage. L'énergie créatrice de l'esprit agit ici comme le début qui crée l'harmonie du monde. Cette version de la vision romantique du monde se caractérise par une image panthéiste du monde, de l'optimisme et des sentiments sublimes.
La seconde est que la subjectivité humaine est considérée individuellement et personnellement, comprise comme le monde intérieur et égocentrique d’une personne en conflit avec le monde extérieur. Cette attitude est caractérisée par le pessimisme, une attitude lyriquement triste envers le monde.
Le principe originel du romantisme était « deux mondes » : comparaison et contraste des mondes réel et imaginaire. La manière d’exprimer ce double monde était le symbolisme.
Le symbolisme romantique représentait une combinaison organique des mondes illusoire et réel, qui se manifestait par l'apparition de métaphores, d'hyperboles et de comparaisons poétiques. Le romantisme, malgré ses liens étroits avec la religion, était caractérisé par l'humour, l'ironie et la rêverie. Le romantisme a déclaré que la musique était le modèle et la norme pour tous les domaines de l'art, dans lesquels résonnait, selon les romantiques, l'élément même de la vie, l'élément de liberté et le triomphe des sentiments.
L’émergence du romantisme est due à plusieurs facteurs. D’abord sociopolitiques : la Révolution française de 1769-1793, les guerres napoléoniennes, la guerre d’indépendance de l’Amérique latine. Deuxièmement, économique : la révolution industrielle, le développement du capitalisme. Troisièmement, il s’est formé sous l’influence de la philosophie allemande classique. Quatrièmement, il s'est développé sur la base et dans le cadre des styles littéraires existants : les Lumières, le sentimentalisme.
Le romantisme fleurit entre 1795 et 1830. - la période des révolutions européennes et des mouvements de libération nationale, et le romantisme s'est manifesté particulièrement clairement dans la culture de l'Allemagne, de l'Angleterre, de la Russie, de l'Italie, de la France et de l'Espagne.
La tendance romantique a eu une grande influence dans les sciences humaines et la tendance positiviste dans les sciences naturelles, la technologie et la pratique.
Le terme « réalisme » doit être compris de deux manières : comme une direction historiquement définie, un type de pensée artistique et comme un reflet véridique et objectif de la réalité (dans le langage d'un art particulier). Le réalisme a évolué à partir de formes primitives de culture. En tant que méthode artistique, le réalisme est né dans les profondeurs du romantisme dans le premier tiers du XIXe siècle, lorsque le principe de la représentation véridique s'est imposé en Europe en tant qu'opposant au romantisme.
Par conséquent, dans le réalisme, le sujet de l'image n'est pas le monde de la fantaisie et des rêves, mais la réalité moderne. L'importance du réalisme dans la culture est difficile à surestimer.
Réalisme critique. Dans la seconde moitié du XIXe siècle. devient la pensée et la méthode artistiques dominantes. Le réalisme critique ne signifie pas du tout une attitude négative envers la réalité. Il s’agit d’une forme d’opposition à l’idéologie existante (dominante). Le rôle principal du réalisme critique appartient à la littérature. Un reflet réaliste de la réalité n'est pas déterminé par l'une ou l'autre technique, mais par une attitude générale envers la réalité, c'est-à-dire la vérité artistique, qui comprend deux faces : un reflet véridique des aspects existants de la vie et de la vérité, le respect de l'idéal esthétique. Dans la première moitié du XIXe siècle. le réalisme fonctionnait en relation étroite avec le romantisme.
Le romantisme en Allemagne. Les principes de base de la théorie littéraire du romantisme ont été formulés par F. Schlegel et Novalis. F. Schlegel fut le premier à développer la théorie de l'ironie romantique, l'une des créations les plus brillantes et originales du génie romantique. Les vues esthétiques de Novalis s'expriment dans la théorie de l'art, qui doit relier le réel à l'idéal et tendre vers l'universalité. Une place particulière dans la littérature romantique allemande appartient à Heinrich Kleist et Ernst Hoffmann.
Le réalisme en Allemagne. Elle ne s'est pas manifestée aussi clairement que dans d'autres pays européens, mais parmi les représentants de cette tendance, il convient de citer Heinrich Heine (1797-1856), Georg Buchner (1813-1856), qui luttaient pour une certaine idéalisation de la réalité.
Le romantisme en Angleterre. La figure la plus marquante parmi les romantiques anglais doit être considérée comme George Gordon Byron (1788-1824), l’un des plus grands poètes lyriques de la littérature mondiale. Parmi les romantiques anglais marquants figurent Percy Shelley (1792-1822) et Walter Scott (1871 -1892). Les romantiques anglais affirmaient l'optimisme, le pathos de la lutte contre la tyrannie et le fanatisme religieux ; leurs œuvres montraient clairement un élément épique, un journalisme passionné et des tendances réalistes.
Le réalisme en Angleterre. Il se distingue par une grande originalité - un didactisme prononcé et un réalisme critique. Les écrivains réalistes anglais les plus célèbres étaient Charles Dickens (1812-1870) et William Thackeray (1811-1863). Le mouvement romantique dans la littérature anglaise est représenté par les œuvres des sœurs Charlotte et Emilia Brontë.
Le romantisme en France. Son développement a été influencé par la Grande Révolution française, le classicisme et le siècle des Lumières. L'émergence des idées romantiques est associée aux noms de J. de Staël et F. R. de Chateaubriand. Le summum du romantisme français est l'œuvre de V. Hugo, P. Mérimée, J. Sand et d'autres. Dans leurs œuvres, l'esthétique romantique se conjugue avec un psychologisme subtil et une force de caractère.
Le réalisme en France. Il passe par plusieurs étapes dans son développement et se caractérise par une réponse instantanée aux événements marquants de la vie sociale. Les œuvres de Stendhal, Honoré de Balzac et Postav Flaubert peuvent être considérées parmi les manifestations les plus marquantes du réalisme en France.
2. L'épanouissement de la science et de la technologie dans la culture européenne du XIXe siècle
Dans le 19ème siècle un nouveau regard sur le processus éducatif est apparu. Pestalozzi a avancé l'idée d'une éducation au développement. Ce type d'éducation est conçu pour encourager les enfants à se développer de manière indépendante. L’essence de l’éducation au développement réside dans le lien étroit entre l’éducation mentale et l’éducation morale. La position la plus importante de la pédagogie de Pestalozzi est le lien entre l'apprentissage et le travail de production.
L'éminent professeur d'allemand A. Disterweg a exprimé l'idée d'une éducation universelle, basée sur les principes de conformité naturelle, de conformité culturelle et d'auto-activité. Vous devez écouter et tenir compte de la voix de la nature, agir en alliance avec elle. Il est nécessaire de prendre en compte les conditions, le lieu, l'heure de naissance et la vie d'une personne.
Il est nécessaire de développer une activité créatrice au service de la beauté, du bien et de la vérité.
Peu à peu, un système de règles didactiques a émergé et les bases de la didactique de l'éducation au développement ont été consolidées. Révolution scientifique du 19ème siècle. précédé de découvertes scientifiques exceptionnelles aux XVIIe et XVIIIe siècles. et sa formation en tant qu'institution sociale. Grâce aux travaux de N. Copernic, G. Galileo, F. Bzkon, R. Descartes, I. Newton, I. Kepler, une nouvelle image du monde s'est formée. L’émergence de connaissances expérimentales et d’une pensée rationaliste ont contribué à sa rationalisation ultérieure au XIXe siècle. Cela devient un système scientifique qui étudie les processus d'origine et de développement des objets, des phénomènes, des organismes et de leurs connexions. L'affirmation de l'idée de développement et du principe d'interconnexion dans la nature, c'est-à-dire l'émergence des principes de la dialectique dans la recherche scientifique, a été fondamentalement nouvelle. Une expérience scientifique en mécanique a permis d'établir un lien entre science et production. L'ingénierie et la technologie ont été développées sur la base de la mécanique, de la physique et des mathématiques.
Sciences du 19ème siècle marqué par une révolution en chimie. Les découvertes dans ce domaine ont conduit à l'émergence des statistiques chimiques de J. Dalton, qui a montré que chaque élément de la nature est un ensemble d'atomes strictement identiques les uns aux autres et ayant le même poids atomique. Grâce à cette théorie, les idées de développement systémique de processus ont pénétré la chimie. I. Berzelius découvre la loi des rapports multiples et son extension aux substances organiques, qui ont permis d'établir l'existence d'un lien entre les objets du monde organique et inorganique. En 1828, F. Weller développa un procédé de production d'urée à partir de substances inorganiques, qui confirma ce lien dans la pratique. Grâce à la production inorganique de composés jusqu'alors produits uniquement par des organismes vivants, il a été prouvé que les lois de la chimie appliquent la même force aux corps organiques qu'aux corps inorganiques.
Une découverte importante du 19ème siècle. est la loi sur la cellule et la formation cellulaire de T. Schwenn et M. Schleiden, qui ont créé la théorie cellulaire et souligné l'unité de la structure cellulaire des plantes et des animaux en 1838-1839.
Les idées de M. Lomonosov sur la conservation et la transformation de l'énergie ont été consolidées par les découvertes de R. Meyer, J. Lenz et W. Grove. La loi a été découverte dans différents domaines de la nature. La découverte de cette loi reposait sur la reconnaissance de l'unité des aspects quantitatifs et qualitatifs du mouvement de la matière. Elle peut à juste titre être considérée comme la deuxième grande découverte du XIXe siècle.
La troisième grande découverte du XIXe siècle. associé au nom de Charles Darwin, qui a publié le livre « L'origine des espèces » en 1854, dans lequel la théorie de l'évolution a été étayée. La théorie de la sélection naturelle, selon laquelle les organismes les plus forts survivent, se disputent constamment et transmettent ensuite leurs caractéristiques par héritage, a conduit plus tard à l'émergence du domaine de la recherche génétique. Un processus complexe se déroule dans la nature, représentant l'interaction de trois facteurs : la lutte pour l'existence, la variabilité et l'hérédité. La théorie de Darwin prouve que toutes les espèces d'animaux et de plantes sont génétiquement liées les unes aux autres par leur origine et sont dans un état de changement et de développement constants.
Découvertes scientifiques du 19ème siècle. ont compilé un énorme corpus de connaissances qui possède une profondeur et un espace extraordinaires pour des recherches ultérieures. Cela a contribué à un changement de vision du monde et a changé de nombreuses visions inertes de la nature et de son lien avec l'homme, donnant naissance à une nouvelle façon de penser - dialectique-matérialiste.
Selon le contexte, la société industrielle peut être qualifiée de « bourgeoise », « capitaliste », « techniquement développée », « moderne », etc. Un système industriel véritablement fonctionnel combine ses divers principes et structures. Pour cette raison, le terme « industriel » est accepté comme résumant la diversité des options socio-économiques de la société moderne.
Le trait le plus caractéristique d'une société industrielle est que la production y repose sur la prédominance du travail accumulé (capital) sur le travail vivant. Le travail accumulé prend la forme de moyens de production – technologies, outils, ressources, etc., garantis sous forme de propriété de tout type. Le travail est qualifié et spécialisé ; une production développée signifie un degré élevé de division du travail.
La deuxième caractéristique la plus importante de la société industrielle, à laquelle K. Marx, E. Durkheim et M. Weber ont prêté attention, est la profonde dualité et les principes contradictoires de son organisation sociale :
- dans la contradiction entre la division toujours plus profonde du travail ou les différences croissantes entre les différentes parties de la société et la nécessité de maintenir l'interaction et l'unité ;
- dans les contradictions liées à la stratification sociale de la société, qui provoque des tensions sociales et des luttes de classes.
Dans la formation de la société bourgeoise en Europe, les principes de l'éthique bourgeoise, développés et ordonnés dans le cadre du système religieux, ont joué un rôle directeur important. Le protestantisme et le catholicisme y ont contribué. Au fil du temps, la portée de la réglementation religieuse s’est réduite, laissant la place à des principes et normes laïques.
Un changement important dans la culture de l'Europe occidentale a été l'établissement du principe de réalisme dans l'idéologie, l'art et la philosophie. La vision mythologique et religieuse du monde est remplacée par la reconnaissance de la réalité, qui nécessite de prendre en compte les circonstances et de surmonter les illusions. La pensée utilitaire, étroitement liée aux besoins de la vie réelle, s'affirme. Dans la vie sociale, l'autonomie de l'Église et des autorités politiques de l'État s'est formée et des relations bourgeoises stables ont été établies dans chaque couche sociale.
Tout au long des XIX-XX siècles. dans la société bourgeoise, des orientations de valeurs spécialisées se développent et le grand prestige de l'entrepreneuriat est introduit dans la conscience publique. Les lignes directrices idéologiques affirment l'image d'une personne qui réussit, incarnant l'esprit d'entreprise, la détermination, la prise de risque, combinée à un calcul précis, et la combinaison de l'esprit d'entreprise avec l'esprit national s'avère être un moyen important de cohésion de la société. . L’établissement de l’unité nationale signifiait l’aplanissement des différences, des barrières et des frontières internes. Au niveau de l'État, divers programmes sont mis en œuvre visant à atténuer les conséquences de la stratification sociale, à assurer la survie et à maintenir le statut des segments à faible revenu de la population.
Les relations interétatiques des pays européens visaient au pluralisme socioculturel, même si la lutte pour l'indépendance et les droits autonomes a conduit à des guerres longues et sanglantes. Parfois la rivalité s’étendait aux espaces coloniaux.
Le niveau de centralisation et de monopole politique et spirituel a progressivement diminué, ce qui a finalement contribué au renforcement du pluralisme. L'interaction de divers centres d'influence a créé un système pluraliste dans lequel la régulation des relations s'est développée sur la base de relations mutuelles de droits et d'obligations. Un tel système a contribué à la destruction de l'anarchie, de l'autoritarisme et à la formation d'un mécanisme de régulation juridique des relations.
Les principes de la démocratie étaient mis en œuvre principalement dans la vie publique, s'étendant à d'autres sphères de la société.
Les États-Unis, l’Europe occidentale et le Japon ont été les premiers à entrer dans la phase de modernisation.
La modernisation est associée au développement intensif de la technologie, provoqué par l'impératif de la société industrielle, déjà évoqué : la nécessité d'affirmer la prédominance du travail accumulé sur le travail vivant. Une raison économique importante de la technisation est que, sans nouveaux moyens techniques de production, il est impossible d'assurer un niveau de consommation et un mode de vie correspondant aux caractéristiques d'une société industrielle. Une raison politique importante est que, dans des conditions de rivalité nationale, les pays et les nations les plus avancés technologiquement peuvent défendre leurs intérêts avec plus de succès et même dicter leur volonté aux communautés moins développées. Culturellement, il est d'usage de souligner deux raisons spirituelles qui ont conféré un grand prestige à la société technique. Premièrement, c'est l'idée de l'homme en tant que transformateur actif de la nature, et deuxièmement, c'est une affirmation du rôle actif de l'esprit dans la compréhension de la réalité et de sa capacité à construire le monde à sa manière. Toutefois, l’influence de la technologie ne se limite pas à la haute technologie. C’est aussi une transformation de la vision du monde d’une personne. Production de masse. Dans une société industrielle, la dynamique de production se mesure en termes physiques ou monétaires, c'est-à-dire selon des critères de quantité et de volume. Ces critères s'appliquent également à d'autres domaines.
La consommation d'énergie comme critère du niveau de vie. Utilisant de nouvelles sources d'énergie, la technologie moderne permet de mettre en œuvre des projets grandioses. L’accent mis sur les nouvelles sources d’énergie a donné lieu à des avancées technologiques parfois devenues très dangereuses pour l’homme.
Rompre avec les traditions. La technologie est constamment tournée vers l’avenir. Améliorer le niveau de vie passe par l’amélioration de la technologie, qui doit être constamment mise à jour. Dans une telle situation, un retour en arrière signifie la fin du progrès, sans lequel le sens même du processus de modernisation est perdu. Il y a une ivresse dans la recherche de quelque chose de nouveau, un désir de renouvellement constant, c'est-à-dire une rupture avec les traditions.
Sens de la fonctionnalité. L'amélioration de la technologie et de la production, la « matérialité » de la conscience, le culte de la technologie suscitent une attitude rationnelle envers le monde comme environnement d'objets fonctionnels. Même l’homme lui-même a commencé à être considéré du point de vue de sa signification rationnelle.
Nouvelle communication. La technologie de la communication, à mesure qu'elle s'améliore, contribue à l'intensification des processus de communication, à la destruction des barrières politiques et culturelles, au rapprochement des zones périphériques des centres et contribue ainsi à l'expansion du processus de modernisation.
Nouveaux modèles de pensée. La diffusion massive de la technologie a nécessité un changement fondamental dans la pensée humaine. Le rôle des images anthropomorphes et des principes humanitaires diminue. Ils sont mis de côté par l’approche scientifique naturelle du monde, de la nature, de la société et de l’homme. La pensée devient abstraite. Les nouveaux principes d'organisation socio-technologique de l'activité couvraient non seulement la grande industrie, mais s'étendaient également à toutes les sphères de la vie, y compris spirituelles. En conséquence, la culture spirituelle se transforme en une industrie de conscience de masse.
3. L'ART D'EUROPE OCCIDENTALE DU XIXE SIÈCLE
Dans l'art du 19ème siècle. Il est nécessaire de souligner plusieurs tendances artistiques liées au développement de l’ensemble de la culture.
Le romantisme dans l'art et la littérature a des traits caractéristiques communs : le rejet de la réalité bourgeoise et bourgeoise de son époque, opposant la prose du monde existant au monde idéal. Cette opposition a été réalisée par les méthodes d'expressivité inhérentes aux différents types d'art. Par exemple, la juxtaposition d’une journée remplie d’agitation a conduit poètes, musiciens et peintres à poétiser la nuit, ce monde étrange, parfois surréaliste, qui vit selon ses propres lois. Le genre nocturne devient un favori dans les œuvres des artistes romantiques. Parfois les paroles de la nuit cèdent la place à l'horreur des ténèbres. Le rejet de la vie et de la réalité fait naître le motif du départ, de l'évasion de la vie, qui s'exprime sous diverses formes, y compris dans le genre du voyage, de l'errance, le plus souvent pour l'est. Le thème de la mort prend une signification particulière. Le thème favori des romantiques est le héros rebelle, la lutte tragique, la confusion des sentiments violents. Le portrait revêt une importance particulière. Les artistes s'efforcent de représenter le fonctionnement interne de la pensée, de l'égocentrisme et de l'individualité sensuelle. Les images de nature turbulente nous permettent de transmettre allégoriquement nos projets. Le thème de la lutte héroïque contre les éléments, de la tension désespérée, de l'impulsion est commun aux romantiques des pays européens. Le désir d'apprendre plus profondément les subtilités de l'âme humaine fait naître les thèmes de la tragédie d'un destin brisé, d'une âme malade et du désespoir. Les représentants les plus éminents de l'école française étaient E. Delacroix et T. Gericault.
Le romantisme se reflète également dans la peinture de paysages, qui transmet une ambiance particulière et une inspiration issue de la contemplation de la nature indigène. C'est avant tout caractéristique de l'art anglais, dont les représentants éminents étaient J. Constable, J. Turner, R. Benington.
Le réalisme. L'histoire du réalisme en tant que mouvement artistique est liée à la peinture de paysage en France, à l'école dite de Barbizon. Barbizon est un village où les artistes venaient peindre des paysages ruraux. Ils découvrirent la beauté de la nature de la France, la beauté du travail des paysans, qui fut l'assimilation de la réalité et devint une nouveauté dans l'art. L'école de Barbizon comprend les œuvres de T. Rouseau, J. Dupré, C. Daubigny et d'autres. Leurs proches dans le thème sont C. Corot, J. Millet. Le chef du mouvement réaliste était Gustave Courbet. Les événements historiques qui ont eu lieu en France, de la révolution de 1830 à la Commune de Paris, en passant par la guerre franco-prussienne, se reflètent dans le travail du graphiste Honoré Daumier. Son travail a gagné en popularité grâce à l’avènement de la lithographie, c’est-à-dire la possibilité de reproduire des œuvres d’art graphiques.
Impressionnisme. Le nom de ce mouvement vient du mot français signifiant « impression ». L’histoire du genre trouve son origine dans les quêtes créatives des réalistes et des romantiques. L'essence de l'impressionnisme est le désir de transmettre une impression directe du monde qui l'entoure. À l'aide de moyens picturaux, les artistes ont cherché à transmettre le caractère unique et l'illusion de la lumière, de l'air, de l'eau, de la couleur dans toute sa pureté et des nuances subtiles de l'environnement lumière-air. La peinture a élargi les limites de l’espace, « ouvert une fenêtre » sur la nature avec tous ses changements uniques et éphémères. Le fondateur du mouvement était Edouard Manet, mais Claude Monet en devint le leader reconnu. Les impressionnistes remarquables étaient O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, C. Pissarro, et plus tard P. Cézanne, V. van Gogh, et le sculpteur O. Rodin était très proche d'eux par la nature de sa créativité. L'impressionnisme a marqué le début d'une nouvelle perception du monde qui nous entoure, nous a permis de ressentir la beauté de chaque instant de la vie et a eu une influence considérable sur l'émergence de nouvelles directions artistiques.
En général, la culture de l'Europe occidentale au XIXe siècle. s'est développée comme la culture d'une société industrielle avec toutes ses caractéristiques inhérentes et a influencé sa formation ultérieure.
L'aliénation est devenue l'une des caractéristiques les plus importantes de la société industrielle. Du domaine des relations industrielles, l’aliénation s’est étendue aux normes sociales.
Colonialisme. L’assujettissement des pays les plus arriérés dans le but d’exploiter leurs ressources ne s’est pas limité à l’établissement d’une domination politique et économique, mais s’est accompagné de la suppression des cultures locales au nom de l’universalisme de l’industrialisme occidental.
etc.................

Culture d'Europe occidentale des XIXe et XXe siècles
1. Caractéristiques générales des réalités socio-économiques et culturelles en Europe 19
siècle
2. Situation socioculturelle du XXe siècle
1.Culture du 19ème siècle est la culture des relations bourgeoises établies.
Vers la fin du XVIIIe siècle. le capitalisme en tant que système est pleinement formé. Il a tout couvert
industries de production matérielle,
ce qui a conduit à la correspondance
transformations dans la sphère non productive (politique, science, philosophie,
art, éducation, vie quotidienne, conscience sociale).
La culture de cette période se caractérise par le reflet de contradictions internes
société bourgeoise : le choc des tendances opposées, la lutte des principaux
classes de la bourgeoisie et du prolétariat, polarisation de la société, montée rapide
culture matérielle et début de l’aliénation personnelle.
Dans le 19ème siècle Il y a une révolution radicale liée à l'apparition d'une machine qui
éloigne une personne de la nature, brisant les idées habituelles sur sa
rôle dominant, et transforme une personne en un être dépendant d'une machine. DANS
conditions de mécanisation, une personne va à la périphérie de la vie spirituelle, s'éloigne de
fondements spirituels. Un lieu de travail artisanal associé à la personnalité et à la créativité
maître, s'est lancé dans un travail monotone.
Culture spirituelle du 19ème siècle. développé et fonctionné sous l’influence de deux
les facteurs les plus importants : la réussite dans le domaine de la philosophie et des sciences naturelles. Présentateur
culture dominante du XIXe siècle. il y avait la science.
Différentes orientations de valeurs reposaient sur deux positions de départ :
établir et affirmer les valeurs du mode de vie bourgeois, d'une part,
et le rejet critique de la société bourgeoise, d’autre part. D'où l'apparence
phénomènes si dissemblables dans la culture du XIXe siècle : le romantisme, le réalisme critique,
symbolisme, naturalisme, positivisme, etc.
Le 2.XX siècle est le plus dynamique de l’histoire de la civilisation humaine et cela
ne pouvait qu'affecter le caractère tout entier de sa culture.
Dans l'histoire de la culture du 20e siècle. Trois périodes peuvent être distinguées :
1) le début du 20e siècle en 1917 (dynamique aiguë des processus socio-politiques,
variété de formes artistiques, de styles, de concepts philosophiques) ;
2) 2030 (restructuration radicale, certaine stabilisation des dynamiques culturelles,
formation d'une nouvelle forme de culture socialiste),
3) années 40 d'après-guerre. toute la seconde moitié du XXe siècle. (temps de formation
cultures régionales, montée de la conscience nationale, émergence
mouvements internationaux, développement rapide de la technologie, émergence de nouveaux
technologies, développement actif des territoires, fusion de la science et de la production, changement
paradigmes scientifiques, formation d'une nouvelle vision du monde). La culture est un système
tout est interconnecté et déterminé mutuellement.
À la fin du XXe siècle, la culture de style européen s'est répandue dans d'autres pays.
continents vers les pays d’Asie et d’Amérique, ainsi que vers l’Australie et la Nouvelle-Zélande

au 20ème siècle caractéristiques communes et tendances typiques de l'Occident
culturelle en général. L'activité humaine a façonné le siècle dernier
une culture universelle unique, qui comprenait :
industrialisation de la production et de la consommation de masse ;
moyens de transport et de transmission d'informations unifiés;
la science et l’éducation internationales accessibles à presque tous ;
diversité stylistique et de genre dans l'art.
La culture occidentale du XXe siècle, basée sur l'entrepreneuriat, est exclusivement
mobile et dynamique. Ses personnages principaux étaient des gens impliqués dans les affaires
et ceux qui savent gagner de l'argent. Leur comportement était caractérisé par l'individualisme, le sens pratique,
le désir de confort, de réussite et d’enrichissement constants. Dans le même temps, l'Occident
culture du 20ème siècle était ouvert à la génération de nouvelles idées, échantillons, concepts,
orientation. Sa caractéristique dominante était l'idée d'une activité humaine transformatrice, comme
son objectif principal. À son tour, la culture était considérée comme
médiateur entre l'homme et la nature.
Culture artistique du 20e siècle
Sa particularité était la présence de deux systèmes artistiques :
modernisme et postmodernisme.
Le réalisme dans la culture du XXe siècle est l’influence continue de la culture du XIXe siècle. Avec
tradition directe héritée de ce siècle, deux nouvelles tendances émergent dans
le réalisme
1.Réalisme pictural
2.Réalisme socialiste
3. Néoréalisme
4.Hyperréalisme
Conformément au réalisme pictural, l'art paysager et lyrique a atteint un essor particulier.
peinture dans laquelle le caractère et l'état de la nature se combinent avec des ambiances et
sentiments humains (I Grabar, K. Yuon). Ils ont travaillé dans le genre des portraits théâtraux
M. Vroubel, P. Koustodiev, V. Serov.
Le réalisme social représente une forme de réalisme axé sur la réflexion
réalité sociale, promouvant les idées socialistes sous les formes
idéal artistique. Croyances ou sentiments démocratiques des artistes
on retrouve le réalisme socialiste, leurs vues humanistes, leurs sentiments du drame de la vie
reflété dans leur travail (les premiers Picasso, A. Matisse, M Saryan, P Kuznetsov).
Une attention particulière doit être portée à l'école mexicaine du néoréalisme, les muralistes, dont l'essence
consistait à décorer les édifices publics avec des cycles de fresques de l'histoire du pays,
la vie du peuple, sa lutte. Le personnage principal de ces fresques est le peuple. (D. Rivera,
D. Siqueiros, X. Orozco, R. Guttuso).
Dans les années 80 De nouvelles formes de réalisme ont émergé, appelées « réalisme colérique ».
hyperréalisme, ou peinture photo-documentaire, réalisme naïf, folklore
réalisme, etc. Modernisme
Traduit du français, « modernisme » signifie « nouveau, moderne ». La plus brillante
directions du modernisme qui se sont montrées les plus dynamiques au premier semestre

XXème siècle : Dadaïsme, surréalisme, expressionnisme, fauvisme, suprématisme, cubisme,
avant-garde, existentialisme, abstractionnisme.
Les éléments suivants ont eu une grande influence sur la pratique du modernisme :
les idées de volontarisme irrationnel de A. Schopenhauer et F. Nietzsche ;
la doctrine de l'intuition d'A. Bergson et N. Lossky ;
psychanalyse 3. Freud et C.G. Garçon de cabine;
existentialisme de M. Heidegger, J.P. Sartre et A. Camus ;
théories de philosophie sociale de l'École de Francfort par T. Adorno et G. Marcuse.
L’ambiance émotionnelle générale du modernisme peut être exprimée dans la phrase suivante :
le chaos de la vie moderne, sa désintégration contribue au désordre et
la solitude d'une personne, ses conflits sont insolubles et désespérés, et les circonstances,
dans lequel il est placé sont irrésistibles.
Les traits caractéristiques du style Art Nouveau étaient :
le désir d'esthétiser l'environnement humain ;
l'accent a été mis sur l'activité d'influence sur les processus vitaux ;
divertissement et décoration.
Le fauvisme est considéré comme le premier mouvement de l’art moderniste du XXe siècle.
La critique française a qualifié un groupe de jeunes artistes de Fauves, parmi lesquels
Parmi eux, A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marche et d'autres.
l'activité d'exposition a été la plus intense en 1902-1907
Une autre direction du modernisme était le dadaïsme (fr dadaisme de duda horse,
patin; langage de bébé incohérent au sens figuré) avant-gardiste
direction de l'art d'Europe occidentale, qui s'est développé principalement dans
La Suisse, la France et l'Allemagne pendant la Première Guerre mondiale (1916).
Le dadaïsme est né en Suisse parmi l'intelligentsia encline à protester
contre la guerre à une sorte de choc artistique Fondateurs du Dadaïsme
étaient les poètes T. Tzara et R. Gulsenbeck, l'artiste G. Arp et d'autres.
des manifestes publiés et la revue "Cabaret Voltaire" (1916-1917), avec leurs
avec des représentations théâtrales scandaleuses improvisées, ils ont essayé de briser
idées établies sur les types et genres d'art existants.
Surréalisme (du français surréalisme, surréalisme, super-réalisme) avant-garde
orientation dans la culture artistique du XXe siècle, qui proclamait l'image de la sphère
l'inconscient est l'objectif principal de l'art.
Le surréalisme s'est manifesté de manière très vive et efficace dans la peinture. Le principe lui-même
la connexion de l'incompatible est visuelle, donc pittoresque. Toiles
les surréalistes furent immédiatement choqués. Compositions complexes
les peintures surréalistes combinaient le « chaos des éclaboussures automatiques »
subconscient" avec une reconstitution photographiquement précise de détails réels et
articles. A cet égard, les travaux du célèbre
Artiste espagnol S. Dali.
L'expressionnisme (du latin expressio expression) est un mouvement artistique en
art de l'Allemagne, qui s'est développé dans le premier quart du 20e siècle. Pareil que pour
Fauves, pour les expressionnistes, la couleur est devenue la base de l'organisation de la vie artistique.