Cultura da Europa Ocidental do século XIX. Cultura da Europa Ocidental do século XIX Cultura da Europa Ocidental do século XIX

1. Cultura europeia do século XIX. // Culturologia. História da cultura mundial. – M., 1995. – S. 146 – 166.

2. Shuneyka Ya.

Franciska Goya // palavras nativas. – 2000. - Nº 4. – P. 58 – 64. (começando no Nº 3).

ESCULTURA DA EUROPA OCIDENTAL.

1. Androsov S.

Obras desconhecidas de Gian Lorenzo Bernini: [Italiano. escultor do século XVII] // Art. – 1989. - Nº 12. – P. 68 – 71.

2. Turchin V. S.

Auguste Rodin: Aos 150 anos do seu nascimento // Especial secundário. Educação. – 1990. - Nº 10. – P. 36 – 38.

CLASSICISMO.

1. Tuchkov I.

Classicismo imperial: [Estilo Império, início do século XIX] // Pátria. – 2002. - Nº 8. – P. 13 – 16.

2. Brodskaya N.V.

Arte francesa do século XIX: Classicismo, romantismo // PISH. – 2001. - Nº 5. – P. 2 – 12.

3. O classicismo francês é o último. Quinta-feira XVIII – primeiro quarto do século XIX (Espanha, Inglaterra, Alemanha) // Ilyina T. V. História das Artes. Arte da Europa Ocidental: livro didático. –M.: Superior. escola, 2000. – P. 243 – 267.

4. Classicismo // Chernokozov A. I. História da cultura mundial: Um minicurso. – Rostov do Don: Phoenix, 1997. – P. 138 – 144.

5. Classicismo - a lógica da beleza // Martynov V. F. Cultura artística mundial. – Mn.: Tetrsystems, 1997. – P. 182 – 185.

6. Estética do classicismo // Kondrashov V. A., Chichina E. A. Ética. – Rostov do Don: Phoenix, 1998. – P. 438 – 448.

ROMANTISMO.

1. Romantismo // Chernokozov A. I. História da cultura mundial: Um minicurso. – Rostov do Don: Phoenix, 1997. – P. 144 – 148.

2. Estética do Romantismo // Kondrashov V. A., Chichina E. A. Ética. Estética. – Rostov do Don: Phoenix, 1998. – P. 454 – 469.

3. Romantismo: a cultura artística da França do início do século XIX // Arte na escola. – 1998. - Nº 6. – P. 26 – 30.

ABSTRACIONISMO.

Abstracionismo // Chernokozov A. I. História da cultura mundial: um curso de curta duração. Rostov do Don: Phoenix, 1997. – P. 171 – 174.

2. Kachanovsky V.V.

Expressionismo, cubismo e abstracionismo // Kachanovsky V. V. História da cultura da Europa Ocidental. – Mn., 1998. – P. 149 – 152.

VANGUARDA

1. Zingerman BI.

A imagem do homem na obra de Modigliani: [Italiano. artista., 1884 - 1920] // Teatro. – 1988. - Nº 9. – P. 148 – 161.

2. Mamontova O.

Amedio Modigliani // Arte. – 1985. - Nº 2. – P. 64 – 69.

3. Trosnikov M.V.

Parâmetros espaço-temporais na arte das primeiras vanguardas (Kuzmin, Kharms, Zabolotsky, Vvedensky, Messiaen) // Questões de Filosofia. – 1997. - Nº 9. – P. 66 – 81.

4. Ponter H.

Vanguarda artística e realismo socialista // Questões de literatura. – 1992. - Nº 3. – P. 161 – 175.

5. Belaya G.

A vanguarda como luta contra Deus: sobre a arte do século XIX // Questões de literatura. – 1992. - Nº 3. – P. 115 – 124.

6. Esaulov I.

Genealogia da vanguarda: sobre a vanguarda da Rússia antiga. Século XX // Questões de literatura. – 1992. - Nº 3. – P. 176 – 191.

7. Sosnovsky N.

O mito de Lyubertsy “Harlem”, ou Nosso último dever internacional: [Sobre o lugar da vanguarda na arte] // Conhecimento é poder. – 1992. - Nº 4. – P. 89 – 97.

8. Abramov A. I.

Decadência na dimensão sociocultural: [Rumo às características das buscas filosóficas e estéticas dos simbolistas russos] // Ciências sociais e modernidade. – 1997. - Nº 1. – P. 146 – 152.

9. Pluralismo e monismo na história da cultura russa dos séculos XIX-XX. // Kondakov I. V. Introdução à história da cultura russa. – M.: Aspect Press, 1997. – P. 497 – 538.

10. Koldobskaya M.

Pavel Filonov: O segredo estratégico da vanguarda russa // NV. – 2001. - Nº 46. – P. 38 – 40.

11.Rastorguev E.

A escova solar de Matisse // Jovem artista. – 1994. - Nº 2. – P. 13 – 15.

IMPRESSIONISMO. PÓS-IMPRESSIONISMO.

1. Impressionistas. Pós-impressionistas // Ilyina T. V. História das Artes. Arte da Europa Ocidental: livro didático. –M.: Superior. escola, 2000. – P. 291 – 312.

2. Impressionismo // Chernokozov A. I. História da cultura mundial: um minicurso. – Rostov do Don: Phoenix, 1997. – P. 151 – 154.

3. Compreensão impressionista da beleza // Martynov V. F. Cultura artística mundial. – Mn.: Tetrasystems, 1997. – P. 201 – 206.

4. Kuznetsova E. A.

Estética do impressionismo // Vestnik Mosk. un-ta. Ser. 7. Filosofia. – 2000. - Nº 2. – P. 83 – 90.

5. Brodskaya N.V.

Pós-Impressionismo: J. Seurat, V. Van Gogh, A. de Toulouse - Lautrette: [final do século XIX - início do século XX] // Ensinar. isto. Na escola. – 1999. - Nº 6. – P. 13 – 20.

6. Brodskaya V.N.

Pós-Impressionismo // Professor. isto. Na escola. – 2001. - Nº 2. – P. 6 – 14.

7. Lenyashina N.

“Contemplar e compreender a vida”: [Sobre fr. artista Século XIX E. Degas] // Artista. – 1984. - Nº 7. – P. 43 – 50.

MODERNISMO.

1. Modernismo: Análise e crítica das principais tendências. Sentado. Arte. /Ed. VV Vanslov e Yu D. Kolpinsky. – M.: Arte, 1969. – 243 p.

2. Estética do modernismo // Martynov V. F. Cultura artística mundial. – Mn.: Tetrasystems, 1997. – P. 247 – 260.

3. Trofimova E. I. Reminiscências de estilo no pós-modernismo russo da década de 1990 // Ciências sociais e modernidade. – 1999. - Nº 4. – P. 169 – 177.

4. Serebrovsky V. O que é “moderno”?: [Da história do estilo] // Ciência e vida. – 1992. - Nº 2. – P. 74 – 81.

5. O destino do “estilo moderno” na arte do século XX; “Estilo moderno” na arquitectura do século XX // Pequena História das Artes: Arte do Século XX. 1901. – 1945/Ed. V. M. Polevoy. – M., 1991. – P. 35 – 55.

PÓS-MODERNO.

1. Pós-moderno // Culturologia. – Rostov do Don: Phoenix, 1995. – P. 317 – 343.

2. Kozlowski P.

Cultura pós-moderna. – M.: República, 1997.

3. Tuganova O.E.

Pós-modernismo na cultura artística americana e suas origens filosóficas // Questões de Filosofia. – 1982. - Nº 4. – P. 122 – 128.

4. Butenko I.A.

5. Kuritsyn V.

É hora de multiplicar prefixos: Rumo ao conceito de pós-modernismo // Zvyazda. – 1997. - Nº 7. – P. 178 – 183.

6. Anastasyev N.

“As palavras têm um longo eco”: (Política sobre a arte do pós-modernismo) // Questões de literatura. – 1996. - Nº 7-8. páginas 3 a 30.

REALISMO.

1. Realismo de meados do século XIX // Ilyina T. V. História das Artes. Arte da Europa Ocidental: livro didático. –M.: Superior. escola, 2000. – P. 278 – 291.

2. Realismo // Chernokozov A. I. História da cultura mundial: um curso de curta duração. – Rostov do Don: Phoenix, 1997. – P. 148 – 151.

3. Malinovsky E.

Realismo crítico na pintura polaca // Cultura dos povos da Europa Central e do Sudeste nos séculos XVIII-XIX. – M., 1990. – S. 161 – 169.

SURREALISMO.

1. Surrealismo // Pequena História das Artes: Arte do Século XX. 1901 – 1945/Ed. V. M. Polevoy. – M., 1991. – S. 192 – 197.

2. Mirskaya L., Pigulevsky V.

Surrealismo e visão de mundo romântica na arte ocidental do século XX. // Arte. – 1986. - Nº 7. – P. 42 – 45.

3. Kachanovsky V.V.

Surrealismo // Kachanovsky V. V. História da cultura da Europa Ocidental. – Mn., 1998. – P. 152 – 157.

4. Bachelis T.

Uma palavra sobre Salvodor Dali: espanhol. artista, 1904 – 1989 // A Arte do Cinema. – 1989. - Nº 6. – P. 73 – 77.

5. Moscou M.

O gênio multifacetado: Salvador Dali (ensaio e bibliografia) // Bibliografia. – 1998. - Nº 1. – P. 112 – 117.

CULTURA DA EUROPA OCIDENTAL DO SÉCULO XX.

1. Polevoy V.M.

O século XX. – M.: Artista Soviético, 1989. – 456 p.

2. Formação da cultura artística do século XX // Cultura artística mundial: Estudo. mesada – M., 2001. – S. 371 – 410.

3. Pivoev V.M.

Cultura europeia da primeira metade do século XX // Professor. isto. na escola – 2000. - Nº 10. – P. 8 – 15.

4. Pivoev V.M.

Cultura mundial da segunda metade do século XX // Professor. isto. na escola – 2001. - Nº 2. – P. 15 – 23.

5. Torshina L. E.

Arte do século XX: Movimentos e mestres: Um breve dicionário com introdução e enquadramento histórico // Professor. isto. na escola – 2000. - Nº 4. – P. 9 – 23.

6. Cultura artística da Europa Ocidental da segunda metade do século XX // Cultura artística mundial: Uch. mesada /Ed. BA Ehrengross. – M., 2001. – S. 489 – 511.

7. Cultura ocidental moderna // Chernokozov A. I. História da cultura mundial: um curso de curta duração. – Rostov do Don: Phoenix, 1997. – P. 157 – 162.

8. O património da Europa na cultura mundial: (Artigos) // Problemas actuais da Europa. – 2000. - Nº 2. – P. 15 – 80.

9. Vasilchuk Yu.A.

A era da revolução científica e tecnológica: “milagre económico” como personificação da cultura mundial // Polis. – 1996. – Nº 6. – P. 5 – 29.

10. Trubnikov N.N.

Quinze para as doze: Sobre a questão da superação da espiritualidade. crise da cultura europeia // Questões de filosofia. – 1993. – Nº 1. – P. 48 – 50.

O Grande Jogo: (Sobre a cultura italiana moderna) // Questões de literatura. – 1987. - Nº 1. – P. 100 – 127.

12. Berdiaev N. A.

Picasso // Ciências Filosóficas. – 1990. - Nº 7. – P. 72 – 76.

CULTURA DA AMÉRICA LATINA.

1. Vetrova T.N.

Panorama do cinema mundial e “Horizontes Latinos” // América Latina. – 2007. - № 1. – P. 91 – 101.

2.Cultura da América Latina // Cultura artística mundial: Estudo. mesada /Ed. BA Ehrengross. – M., 2001. – S. 641 – 670.

3. Dyurgerov M.

Paris Latino-Americana: (Buenos Aires): Pelas cidades da América Latina // América Latina. – 1990. - Nº 11. – P. 103 – 105.

4. Dabaghyan E.S.

Venezuela: Chávez vai ficar? // América latina. – 2002. - Nº 7. – P. 4 – 20.

5. Vetrova T.N.

Janela sobre o cinema mexicano // América Latina. – 2002. - Nº 6. – P. 103 – 107.

6. Milyutin E.V.

"Sovexportfilm" na Nicarágua // América Latina. – 2002. - Nº 7. – P. 89 – 94.

7. Vetrova T. N.

Cinema argentino no Instituto Cervantes // América Latina. – 2002. - Nº 7. – P. 87 – 89.

8. Girin Yu.N.

Surrealismo na cultura da América Latina // América Latina. – 2002. - Nº 7. – P. 95 – 102.

9. Espinel Suárez A.

O tema do amor e da morte na mitologia dos índios colombianos // América Latina. – 2002. - Nº 7. – P. 111 – 120.

10. Cultura Dominicana: origens e hoje // América Latina. – 1983. - Nº 8. – P. 75 – 87.

11. Kantor A. M.

Sobre as tradições e a comunidade da arte latino-americana // América Latina. – 1981. - Nº 10. – P. 88 – 104.

12. Preservar o patrimônio cultural mundial: (cultura e arte da América Latina) // América Latina. – 1981. - Nº 5. – P. 102 – 110.

13. Sobre a identidade histórica e cultural da América Latina // América Latina. – 1981. - Nº 2. – P. 71 – 119.

14. Khait V.L.

Velho e Novo Mundo: interação de culturas: (Desenvolvimento da cultura na América Latina) // América Latina. – 1993. - Nº 6. – P. 56 – 63.

15. Shemyakin Ya.G.

A interação intercivilizacional é a força motriz e o freio do processo de formação da cultura: (cultura latino-americana) // América Latina. – 1993. - Nº 4. – P. 85 – 88.

16. Girin Yu.N.

Sobre os problemas de interpretação da cultura latino-americana // América Latina. – 1996. - Nº 10. – P. 107 – 111.

17. Aladin V. G.

O continente latino-americano no contexto da cultura mundial // América Latina. – 1996. - Nº 9. P. 122 – 125.

18. Experiência de relações interétnicas: (Interação de culturas da América Latina) // América Latina. – 1997. - Nº 2. – P. 70 – 81.

19. Zemskov V.B.

Domingo Faustino Sarmiento: ritualismo cultural-criativo no contexto da tradição: (Um dos criadores da cultura latino-americana) // América Latina. - Nº 3. – P. 96 – 101, 109.

20. Ermoleva E. G.

Formação de pessoal em condições de reformas de mercado // América Latina. – 1997. - Nº 3. – P. 77 – 87.

21. As férias como fenômeno da cultura ibero-americana (História das férias de massa) // América Latina. – 1997. - Nº 11. – P. 57 – 75.

22. Tananaeva L. I.

Sobre as origens do feriado latino-americano // América Latina. – 1998. - Nº 1. – P. 4 – 19.

23. Shemyakin Ya.G.

Universalismo e localismo na cultura latino-americana // América Latina. – 1998. - Nº 5. – P. 93 – 104.

24. Shemyakin Ya.G.

Conceitos de tipo civilizacional latino-americano: Problemas dos estudos culturais // América Latina. – 1998. - Nº 11. – P. 76 – 82.

24. Shemyakin Ya.G.

Sobre a questão da síntese cultural na América Latina // América Latina. – 1991. - Nº 1. – P. 45 – 47.

25. Shemyakin Ya.G.

Cultura latino-americana e sincretismo religioso // América Latina. – 1999. - Nº 2-3. – Pág. 95 – 97.

26. Zemskov V. B.

Síntese cultural na América Latina: utopia cultural ou mecanismo formador de cultura? // América latina. – 1999. - Nº 4. – P. 94 – 101.

27. Sizonenko A.I.

Cientistas russos e América Latina: (A formação das relações científicas no século XIX – primeira metade do século XX) // América Latina. – 1999. - Nº 5-6. – Pág. 172 – 177.

28. Yushkova O.A.

Cerâmica figurada de antigas culturas peruanas // América Latina. – 1986. - Nº 8. – P. 99 – 104.

29. Tananaeva L. I.

Arte antiga peruana (período pré-inca) // América Latina. – 2000. - Nº 1. – P. 87 – 105.

30. Produtos cerâmicos dos antigos maias // América Latina. – 1986. - Nº 11. – 1 p. (região); S. 4.

31. La Garza de M.

Sobre o significado religioso da arte plástica maia // Boletim de história antiga. – 1991. – Nº 2. – P. 117 – 129.

32. Knorozov Yu.V., Ershova G.G.

Sacerdotes - Astrônomos Maias // América Latina. - Nº 1983. - Nº 6. – P. 127 – 137.

33. Ershova G. G.

Letras dos antigos maias // América Latina. – 1982. - Nº 9. – P. 108-133.

34. Que lugar ocupava a música na sociedade asteca? // América latina. – 1989. - Nº 3. – P. 3. (região).

35. Baglay V. E.

O homem e seu destino nas ideias dos antigos astecas // América Latina. – 1995. - Nº 12. – P. 82 – 91.

36. Vetrova T. N.

Cinema argentino: acorde, amor! // América latina. – 1997. - Nº 4. – P. 100 – 109.

37. Sanjines J.

“O cinema deve servir ao povo” (Cinema da Bolívia) // América Latina. – 1980. - Nº 4. – P. 116 – 126.

38. Vetrova T. N.

Continuação da biografia: (Semana do Cinema Brasileiro) // América Latina. – 1981. - Nº 7. – P. 78 – 84.

39. Vetrova T. N., Sukhostat T. N.

Patriarca do cinema brasileiro (Nelson Pereira Dos Santos) // América Latina. – 1985. - Nº 7. – P. 112 – 124.

40. Um novo olhar sobre o cinema brasileiro // América Latina. – 1988. - Nº 7. – P. 75 – 82.

41. Vetrova T. N.

Filmes de um diretor brasileiro em Moscou (N. P. Dos Santos) // América Latina. – 1997. - Nº 7. – P. 82 – 88.

42. Valero A.

Sobre a história do cinema russo // América Latina. – 1980. - Nº 12. – P. 134 – 140.

43. Vetrova T. N.

Atração mútua (Garcia Márquez e cinema) // América Latina. – 1987. - Nº 3. – P. 95 – 108.

44. “...O cinema cubano numa encruzilhada criativa” // América Latina. – 1989. - Nº 5. – P. 106 – 110.

45. Shatunovskaya I.K.

Cinema nacional: primeiros passos: (Nicarágua) // América Latina. – 1980. - Nº 7. – P. 67 – 69.

46. ​​​​Vetrova T. N.

Cinema chileno – depois de um longo silêncio // América Latina. – 1996. - Nº 11. – P. 52 – 60.

47. Silyunas V. Yu.

Grotesco e heroísmo: filmes latino-americanos no Festival de Cinema de Moscou // América Latina. – 1980. - Nº 1. – P. 129 – 138.

48. Bykova I.S.

Primeiro Latino-Americano... [festival de cinema] // América Latina. – 1980. - Nº 5. – P. 85 – 91.

49. Shatunovskaya I.K.

O cinema latino-americano hoje // América Latina. – 1980. - Nº 9. – P. 129 – 137.

50. Shatunovskaya I.K.

Cinema latino-americano: pessoas e destinos // América Latina. – 1987. - Nº 12. – P. 62 – 74.

51. Shatunovskaya I.K.

A câmera cinematográfica escreve história: [cinema documental da América Latina] // América Latina. – 1981. - Nº 11. – P. 118 – 122.

52. Shatunovskaya I.K.

Tashkent – ​​82: O cinema nacional luta e reflete // América Latina. – 1982. - Nº 11. – P. 109 – 122.

53. Shatunovskaya I.K.

No XIV Festival Internacional de Cinema de Moscou: [Cinema Latino-Americano] // América Latina. – 1985. - Nº 11. – P. 106 – 117.

54. Konstantinova N. S.

País carnavalesco [Brasil] // América Latina. – 1987. - Nº 4. – P. 132 – 145.

55. Konstantinova N. S.

País carnavalesco: [História e conteúdo dos cortejos carnavalescos no Brasil] // América Latina. – 1987. – Nº 4. – P. 132 – 145.

56. Khait V.L.

Carnavalização da arte e da arquitetura da América Latina // América Latina. – 2000. - Nº 4. – P. 66 – 79.

57. Dunaeva K. A.

Redescobrindo...: Arte [América Latina] // América Latina. – 2001. - Nº 3. – P. 72 – 82.

58. Khait V.L.

Pai da pintura moderna brasileira: [E. Di Cavalcanti] // América Latina. – 1987. - Nº 4. – P. 146 – 155.

59. Tananaeva L. I.

Sobre a pintura cubana do século XIX // América Latina. – 1999. - Nº 1. – P. 48 – 71.

60. Sheleshneva N. A.

A gráfica argentina: ironia social e metáfora poética // América Latina. – 1986. - Nº 8. – P. 105 – 110.

61. Davityants T. D.

O tema principal da criatividade são as crianças: [Sobre o artista boliviano R. Boulanger] // América Latina. – 1979. - Nº 5. – P. 104 – 105.

62. Davityants T. D.

Marina Nunens e a escultura boliviana // América Latina. – 1980. - Nº 8. – P. 81 – 89.

63. Khait V.L.

Artista brasileiro: [J. Da Mota e Silva (1914 – 1979)] // América Latina. – 1983. – Nº 5. – P. 94 – 106.

64. Krauts T. I.

Bruno Jrji: habilidade e inspiração: [Sobre o escultor brasileiro] // América Latina. – 1979. - Nº 5. – P. 155 – 164.

65. Khait V.L.

Portinari Brasileiro: [Pintura do Brasil] // América Latina. – 1980. - Nº 2. – P. 101 – 113.

66. Merzhanov S. B.

Oscar Niemeyer - arquiteto e cidadão // América Latina. – 1987. - Nº 9. – P. 71 – 80.

67. Niemeyer O.

“A luta para transformar a sociedade é mais importante que a arquitetura” // América Latina. –1984. - Nº 2. – P. 95 – 106.

68. Khait V.L.

Utopia “realizada” [Arquiteto Oscar Niemeyer. Brasil] // América Latina. – 1989. - Nº 3. – P. 74 – 87.

69. Sukhosta A. A.

Quantos anjos cabem na ponta de uma agulha?: [Sobre a obra do artista venezuelano Bracho] // América Latina. – 1995. - Nº 8. – P. 94 – 97.

70. Khait V.L.

Arquitetura moderna [da Venezuela] // América Latina. – 1980. - Nº 12. – P. 125 – 133.

71. Sheleshneva N. A.

A pintura em busca da expressão nacional: [Venezuela] // América Latina. – 1980. - Nº 12. – P. 141-143.

72. Khait V.L.

73. “A cultura do povo russo está próxima de mim em espírito”: [Sobre o artista cubano O. Godinez] // América Latina. – 1995. - Nº 10. – P. 73 – 76.

74. “A arquitetura é uma orquestra na qual soam muitos instrumentos”: [A. L. Quintana] // América Latina. – 1986. - Nº 1. – P. 124 – 134.

75. Mosquera H.

Pintura jovem cubana: primitivismo e modernidade // América Latina. – 1987. - Nº 1. – P. 113 – 117.

76. A história nas telas do artista cubano [H. M. Fernandez] // América Latina. – 1987. - Nº 6. – P. 88.

77. Vasilyeva S.V.

Refletir a verdade da vida: [Sobre a obra dos artistas cubanos] // América Latina. – 1988. - Nº 12. – P. 108 – 114.

78. Nosso humor Nues é ensurdecedor: [Sobre a obra do cartunista cubano René de la Nues] // América Latina. – 1988. - Nº 12. – P. 123 – 130.

79. “Ele ficará para sempre na nossa memória”: (Dedicado ao artista cubano René Portocarrero)

80. Otero L.

O drama dos ornamentos de Portocarrero // América Latina. – 1985. - Nº 12. – P. 71 – 74.

81. Barnet M.

Quando a mitologia vive no coração: (Sobre a obra do artista cubano L. Zúñiga) // América Latina. – 1984. - Nº 9. – P. 109 – 111.

82. Otero L.

Wifredo Lam – artista de três mundos: [Vida e obra de um artista cubano] // América Latina. – 1985. - Nº 2. – P. 90 – 98.

83. Shatunovskaya I.K.

Artista, faça um milagre: [H. David - cartunista] // América Latina. – 1982. - Nº 5. – P. 120 – 125.

84. Belovolov Yu.G.

Um artista nascido de uma revolução: [Sobre a obra do artista cubano A. R. Rivas] // América Latina. – 1979. - Nº 4. – P. 199 – 202.

85. A pintura cubana pelo prisma da revolução // América Latina. – 1982. - Nº 11. – P. 130-139.

86. Thomas Sanchez: “... pintando paisagens, conheço melhor minha pátria” // América Latina. – 1984. - Nº 4. – P. 84 – 85.

87. Levykin E. V.

Arte em aquarela de Ignacio Beteta // América Latina. – 1985. - Nº 10. – P. 120 – 125.

88. Semenova I.K.

Cores do México: [Sobre o artista I. Barrios] // América Latina. – 1985. - Nº 3. – P. 111 – 115.

89. Kosichev L. A.

Sobre o destino das pinturas de Diego Rivera: [México] // América Latina. – 1985. - Nº 1. – P. 126 – 132.

90. Kozlova E. A.

As origens da pintura de Rufino Tamayo: [México] // América Latina. – 1986. - Nº 9. – P. 124 – 134.

91. Artista – lutador: (exposição de D. A. Siqueiros em Moscou) // América Latina. – 1985. - Nº 7. – P. 108 – 109.

92. Shatunovskaya I.K.

Devoção às Origens: (Sobre a obra do artista mexicano J. Soriano) // América Latina. – 1986. - Nº 10. – P. 125 – 129.

93. “Uma obra de arte é sempre uma mensagem aos seus contemporâneos”: (Entrevista com o artista mexicano Victorfederico) // América Latina. – 1986. - Nº 5. – P. 119 – 122.

94. Kozlova E. A.

Universo Mexicano: [Sobre a obra de R. Tamayo] // América Latina. – 1990. - Nº 3. – P. 111 – 118.

95. Kosichev V. A.

Pincéis e tintas de Pablo O'Higgins // América Latina. - 1982. - Nº 6. – P. 103 – 111.

96. Sheleshneva N. A.

Orozco: nas origens da pintura mexicana do século XX // América Latina. – 1983. - Nº 11. – P. 127 – 129.

97. Sheleshneva N. A., Ilyin S. F.

Artista-filósofo: [Sobre a obra do artista mexicano A. Bustos] // América Latina. – 1983. - Nº 9. – P. 122 – 130.

98. Sychev S.S.

“Para que o mundo triunfe”: Em memória de D. A. Siqueiros // América Latina. – 1984. - Nº 2. – P. 114 – 124.

99. Beltran A.

“A arte popular deve contribuir para o desenvolvimento da autoconsciência da nação”: [Sobre a arte popular do México] // América Latina. – 1979. - Nº 6. – P. 156 – 164.

100. Alto V.L.

Exposição de arquitetura mexicana // América Latina. – 1982. - Nº 11. – P. 106 – 108.

101. Cardenel E.

Cultura da nova Nicarágua // América Latina. – 1980. - Nº 11. – P. 5 – 14.

102. Tananaeva L.I.

A formação da arte colonial no Vice-Reino do Peru // América Latina. – 2000. - Nº 6. – P. 87 – 104., Nº 9. – P. 60 – 76.

103. Mironenko O. Yu.

Simbolismo e cor na pintura de Nelly Loli: [Peru] // América Latina. – 1987. - Nº 5. – P. 120 – 126.

104. Garças M.

Arte rebelde [pintura mural chilena] // América Latina. – 1990. - Nº 10. – P. 130 – 133.

105. Fedotova E. D., Khan-Magomedova

Arte que pede resistência: [Artistas do Chile: arte no exílio] // América Latina. – 1979. - Nº 3. – P. 179 – 183.

106. Carranza S.

“Salvar os valores da cultura indiana é dever do artista // América Latina. – 1987. - Nº 12. – P. 57 – 61.

107. Pynina-Voitsekhovskaya S. V.

Canção sobre os índios do Equador (Sobre a obra do artista Eduardo Kingman) // América Latina. – 1986. - Nº 11. – P. 120 – 120.

108. Sukhosta A. A.

Guayasamin - homem, artista, lutador // América Latina. – 1982. - Nº 10. – P. 99 – 107.

109. Sheleshneva N. A.

Mil desenhos de um artista equatoriano: [O. Guasayamina] // América Latina. – 1987. - Nº 3. – P. 109 – 119.

110. Petrova T. N.

Arte popular do Equador // América Latina. – 1989. - Nº 5. – P. 126 – 129.

111. Cultura equatoriana hoje // América Latina. – 1988. - Nº 8. – P. 125 – 134.

112. Semenova I.K.

Labirintos de cor do artista equatoriano [V. Bazante] // América Latina. – 1989. - Nº 6. – P. 87 – 88.

113. Khait V.L.

Dez séculos de arquitetura colombiana // América Latina. – 1987. - Nº 2. – P. 120 – 126.

114. Khait V.L.

Como nasce a originalidade das artes plásticas e da arquitetura // América Latina. – 1988. - Nº 9. – P. 102 – 115.

115. Khait V.L.

Como nasce a originalidade das artes plásticas e da arquitetura na América Latina // América Latina. – 1989. - Nº 4. – P. 100 – 115.

116. Stolbov V.S.

Livro latino-americano em “Ficção” // América Latina. – 1980. - Nº 10. – P. 119 – 123.

117. Kofman A.F.

Tango – canção: folclore ou literatura?: [História do tango argentino] // América Latina. – 1986. - Nº 3. – C 111.

118. Apostolli N.A.

Férias e cotidiano do Teatro Colón: [Aos 80 anos do Teatro de Ópera Argentino Colón] // América Latina. – 1988. - Nº 11. – P. 97 – 99.

119. Cantor do Brasil: [Aos 70 anos do nascimento de J. Amado] // América Latina. – 1982. - Nº 8. – P. 89 – 113.

120. Konstantinova N.S.

Teatro brasileiro em busca // América Latina. – 1980. - Nº 6. – P. 118 – 130.

121. Vasina E. N.

Teatro – um documento de tempo: [Brasil] // América Latina. – 1987. - Nº 5. – P. 110 – 119.

122. Kage H.

Nossa visão do teatro latino-americano // América Latina. – 1993. - Nº 1. – P. 78 – 83.

123. Shatunovskaya I.K.

Voo cheio de alma...[Ballet Latino-Americano] // América Latina. – 1985. - Nº 10. – P. 126 – 132.

124. Vasina E. N.

Últimas tendências do teatro latino-americano // América Latina. – 1993. - Nº 1. – Pág. 67 – 72.

125.Movimento teatral em Cuba hoje // América Latina. – 1981. - Nº 8. – P. 115 – 126.

126. Grushko P.

Páginas da poesia cubana do século XX: [Resenha de poesia] // América Latina. – 1980. - Nº 6. – P. 105 – 117.

127.Razuvaev V.V.

O teatro no Chile na época de O’Higgins (século XIX) // América Latina. – 1990. - Nº 7. – P. 91 – 100,1

128. Kosichev L. A.

Victor Jara – diretor teatral: [Chile] // América Latina. – 1981. - Nº 6. – P. 103 – 107.

129.Silyunas V. Yu.

Férias e pesadelos no palco do Teatro Novo: // América Latina. – 1987. - Nº 10. P. 76 – 89.

130. Zemskov V.B.

A literatura latino-americana no contexto espiritual da virada dos séculos XIX para XX. // América latina. – 1994. - Nº 3. – pág. 86-95.

131. Fedosov D.G.

Índios e tradições rituais do Vice-Reino do Peru // América Latina. – 2001. - Não. 3. – pp. 83 – 93.

132. Música da América Latina // América Latina. – 1989. - Nº 1. P. 2 – 3..

133. Semenova I.K.

Foi chamado de “grandeza musical” do continente [Nos 100 anos do compositor brasileiro E. Vila - Lobos] // América Latina. – 1987. - Nº 4. – Pág. 156 – 158.

134. Moura R. M.

Música popular brasileira em rostos e gêneros // América Latina. – 1998. - Nº 2. – P. 120 – 124.

135. Gonzalez I., Enriquez A. M.

Ernesto Lecuono: Reflexões sobre os 100 anos de nascimento do compositor e intérprete cubano // América Latina. – 1995. - Nº 10. – P. 71 – 72.

136. Música de Silverste Revuelsa: (Ao 80º aniversário do nascimento do músico mexicano // América Latina. –1979. - No. 5. – P. 137 – 154.

137. Kosichev V. A.

Violeta Parra e a nova canção chilena // América Latina. – 1984. - Nº 4. – P. 89 – 102.

138. Músicos de rock na luta contra a ditadura de Pinochet // América Latina. – 1989. - Nº 2. – P. 121 – 124.

139. Shatunovskaya I.K.

Arte que une: [Músicos de países latino-americanos na 7ª competição que leva seu nome. PI Tchaikovsky] // América Latina. – 1983. - Nº 1. – Pág. 110 – 114.

140. “...A música é a alma viva do povo”: [Sobre a música dos países latino-americanos] // América Latina. – 1985. – 3 2. – P. 77 – 89.

141. A ciência cubana hoje // América Latina. – 1987. – Nº 2. – P. 76 – 78.

142. No interesse do povo: “Pessoal nacional - mais e melhor”: [Desenvolvimento do ensino superior em Cuba] // América Latina. – 1988. - Nº 12. – P. 58 – 63.

143. Glinkin A. N.

Conselho Superior Universitário Centro-Americano (HCUC) // América Latina. – 1990. - Nº 8. – P. 130 – 131.

144. Kryazeva I. A.

O que preocupa hoje os musicólogos latino-americanos // América Latina. – 1990. - Nº 6. – Pág. 107 – 109.

145.Lavanderia

América Latina: quanto gastar em educação? // América latina. – 1996. - Nº 2. – P. 81 – 87.

CULTURA RUSSA

SÉCULOS IX – XVII

1. Goleizovsky N.K.

Mistérios da Catedral da Anunciação: novidades na história da Rússia // Questões de história. – 1998. - Nº 6. – P. 104 – 118.

2. Cultura russa dos séculos X – XVII // história da cultura mundial: Uch. mesada. Às 4 horas Parte 2. / Ed. WD Rosenfeld. – Hrodno, 1998. – P. 119 – 158.

3. Sedov P.V.

Construção em Moscou sob o comando do czar Fyodor Alekseevich // História doméstica. – 1998. - Nº 6. – P. 150 – 158.

4. Aristova V.V.

Simbolismo do antigo templo russo // Ensino de história na escola. – 2002. - Nº 7. – P. 2 – 15.

5. Representações mitológicas no folclore não ritual [dos eslavos orientais] // Yudin A. V. Cultura espiritual popular russa. –M.: Superior. escola, 1999. – P. 181 – 217.

6. Mitologia dos eslavos orientais // Yudin A. V. Cultura espiritual popular russa. M.: Mais alto. escola, 1999. – P. 51 – 86.

7. Karavchkin

Filosofia da beleza na cultura da Antiga Rus' // Homem. – 1995. - Nº 5. – P. 61 – 88.

8. Clímax e pontos críticos da espiritualidade popular [Eslavos orientais: “santidade”, “santos”, tolos santos, cultura do riso...] // Yudin A.V. Cultura espiritual popular russa. –M.: Superior. escola, 1999. – P. 218 – 284.

9. Dissidência russa: buscas espirituais das pessoas comuns [heresias; Velhos Crentes e cisma; seitas dos tempos pós-petrinos] // Yudin A. V. Cultura espiritual popular russa. –M.: Superior. escola, 1999. – P. 285 – 328.

10. História da cultura russa // Borzova E. P. História da cultura mundial. – São Petersburgo: Lan Publishing House, 2001. – P. 528 – 607.

11. Cultura artística da Rússia Antiga e Medieval // Cultura artística mundial: Estudo. subsídio / Ed. BA Ehrengross. – M., 2001. – S. 142 – 192.

12. Cultura dos antigos eslavos. Cultura da Rus de Kiev // Culturologia. História da cultura mundial. – M., 1995. – P. 73 – 88.

13. Belkin A. A.

Bufões russos: a cultura do riso da Rus' desde as origens até os dias atuais // Didact. – 2000. - Nº 1. – P. 17 – 27.

14. Kiseleva M.S.

Herói épico e fenômeno da Antiga Rus' // Homem. – 2000. - Nº 3. – P. 73 – 86.

15. Voloshinov A. V.

“Trindade” de Andrei Rublev: geometria e filosofia // Homem. – 1997. - Nº 6. – P. 52 – 74.

16. Suchkov N.P.

O mistério da “Trindade” de Andrei Rublev // Ciência na Rússia. – 1993. - Nº 1. – P. 109 – 115.

17. Alpatov M.

“O Costume do Artista Sábio”: [Sobre a obra de A. Rublev] // Família e escola. – 1988. - Nº 6. – P. 17 – 20, 64.

18. Danilova I.

Natureza morta do século XVII // Jovem artista. – 2000. - Nº 4. – Pág. 30 – 34.

19. Wagner G.

Teófanes, o Grego, foi um artista do pré-renascimento // Arte. – 1989. - Nº 4. – Pág. 61 – 65.

20. Arte russa antiga // Ilyina T. V. História da arte. Arte doméstica: livro didático. –M.: Superior. escola, 2000. – pág. 5 – 86.

21. Selezneva I.A.

Câmaras palacianas de ouro e prata na primeira metade do século XVII // Questões de história. – 1999. - Nº 10. – P. 138 – 143.

22. Karpov G.M.

Literatura, teatro e música na Rússia do século XVII // O ensino de história na escola. – 1994. - Nº 1. – P. 49.

23. Muryanov M.F.

Fragmento da história cultural dos antigos eslavos // Estudos Eslavos Soviéticos. – 1984. - Nº 1.

24. Sakharov A.M.

Cultura espiritual russa do século XVII // Questões de história. – 1975. - Nº 7. – P. 95 – 115.

25. Rumyantseva V.S.

Escola russa do século XVII // Questões de história. – 1978. - Nº 6. – P 214 – 220.

26. Zhilina N.

Padrão de joias russas // Pátria. – 2002. - Nº 11/12. – Pág. 161 – 165.

27. Medyntseva A.

Imarek escreveu: A Palavra Viva da Antiga Rus' // Pátria. – 2002. - Nº 11/12. – P. 148 – 152.

28. Povetkin V.

Vasos de vitríolo demoníaco: O que os antigos novgorodianos brincavam // Rodina. – 2002. - Nº 11/12. – Pág. 153 – 157.

29. Rybina E.

Não com a língua: (Vida e lazer dos antigos novgorodianos) // Pátria. – 2002. - Nº 11/12. – P. 138 – 142.

30. Darkevich V.P.

Unidade e diversidade da cultura russa antiga (final dos séculos X a XIII) // Questões de história. – 1997. - Nº 4. – P. 36 – 52.

31. Perkhavko V. B.

Os comerciantes e o início da “mundanidade” da cultura russa // O ensino de história na escola. -–2002. - Nº 5. – P. 2 – 11.

32. Nikíforov K.

Como arde uma urna de ouro...: Capela Iveron: da destruição ao renascimento // Pátria. – 2002. - Nº 3. – P. 92 – 94.

33. Eliseev S.

O nascimento da catedral: (Catedral da Assunção do Kremlin de Moscou; Aristóteles Fioravanti - sobre isso) // Reuniões de história: ensaios científicos populares. – M., 1988. – P. 75 – 91.

34. Cultura russa dos séculos XIV-XVIII // Culturologia. História da cultura mundial. M., 1995. – S. 88 – 114.

35. Líbano N. I.

A ascensão do estado moscovita. O florescimento da cultura. Final do século XIV // Literatura russa. – 1998. - Nº 2. – P. 6 – 13.

A intelectualidade no poder: o Governo Provisório em 1917. Seminário Internacional de Historiadores em São Petersburgo. O material foi preparado por S. M. Lyandres (EUA), A. V. Smolin, V. Yu. Chernov (São Petersburgo) // História doméstica. – 1999. - Nº 4. – P. 103 – 113.

36. Shrader Yu.A.

A dualidade dos anos sessenta: (Da história da intelectualidade soviética) // Novo Mundo. – 1992. - Nº 5. – P. 238 – 244.

37. Bayrau D.

Intelectualidade e poder: experiência soviética // História nacional. – 1994. - Nº 2. – P. 122 – 135.

38. Lebedev V.

O destino da intelectualidade russa: (Aspecto histórico) // Revisão literária. – 1990. - Nº 9. – P. 3 – 10.

39. Markova E. V., Volkov V. A., Rodny A. N., Yasny V. K.

O destino da intelectualidade nos campos de Vorkuta. 1930 – 1950 // História nova e recente. – 1999. - Nº 5. – P. 52 – 78.

ICONOPÇÃO RUSSA

1. Tarasov O. Yu.

Emblemática na pintura de ícones barrocos dos séculos XVII-XVIII // Estudos Eslavos. – 1998. - Nº 4. – P. 24 – 31.

2. Aristova V.V.

Antigo ícone russo. Simbolismo e iconografia // Ensino de história na escola. – 2002. - Nº 9. – P. 2 – 13.

3. Elizbarashvili N.

“Grande Mártir George” em Kakheti: O destino de um dos ícones de Simon Ushakov // Museu Soviético. – 1991. - Nº 3. – P. 12 – 16.

4. “Trindade” de Rublev – da Galeria Tretyakov à igreja?: Materiais da mesa redonda // Museu Soviético. – 1991. - Nº 6. – P. 26...

5. Kochetkov I.

Complexo disperso: ... iconostase de 1497. Catedral da Assunção do Mosteiro Kirilo-Belozersky // Museu Soviético. – 1991. - Nº 5. – P. 34 – 37.

6. Pligi V.

Sobre os segredos dos ícones antigos: (Sobre a origem e autoria da iconostase da Catedral da Anunciação do Kremlin de Moscou) // Ciência e religião. – 1991. - Nº 8. – P. 30 – 35.

7. Plug-in V.A.

Sobre a origem da “Trindade” de Rublev // História da URSS. – 1987. – Nº 2. – P. 64 – 80.

Este foi um século em que o ritmo de desenvolvimento da civilização ocidental acelerou cada vez mais, ocorreu a formação de uma sociedade industrial e a economia de mercado foi fortalecida e desenvolvida. Um dos fatores mais importantes que influenciaram todas as esferas da vida foi o impulso crescente progresso científico e técnico. O século XIX deu ao mundo o navio a vapor, a locomotiva a vapor, o transporte automóvel, o telégrafo, o telefone, o rádio, a fotografia, a gravação de som e o cinema. A iluminação elétrica aparece nas cidades. O prestígio das ciências exactas e técnicas está a aumentar e o ensino primário está a ser introduzido como obrigatório para todos.

A estrutura social da sociedade também está a mudar: o número de pessoas empregadas na agricultura e que vivem no campo está a diminuir; o número de habitantes das cidades está a crescer, a igualdade de classes está a ser estabelecida na vida económica e o processo de transformação de uma sociedade democrática está em curso.

A característica mais importante da cultura ocidental desta época é a excepcional diversidade de tendências e gêneros na arte e na literatura. Muitos deles foram herdados pela cultura do século XIX de séculos anteriores: foram o classicismo, o sentimentalismo e o pré-romantismo. O início de outros estilos remonta ao século XIX.

No início do século, com base no pré-romantismo, romantismo, cujas características são a negação do quadro rígido do classicismo, o desejo de liberdade, a ironia em relação ao progresso burguês, a dolorosa discórdia entre o ideal e a realidade social. Realismo, que surgiu no início do século e rapidamente se tornou um movimento artístico líder, deu resultados brilhantes em todos os tipos de arte. Distingue-se pelo desejo de uma reflexão verdadeira da realidade e ao mesmo tempo pela presença de um elevado ideal autoral na obra, pela reprodução de personagens e situações típicas e ao mesmo tempo pela individualização na sua representação. Naturalismo partiu da ideia da completa predeterminação do destino, da vontade e do mundo espiritual de uma pessoa por seu ambiente social, hereditariedade e fisiologia. Esforçando-se por uma exibição objetiva e imparcial da realidade, os naturalistas compararam-se aos cientistas e os seus métodos artísticos aos métodos de análise científica. Simbolismo construída no pressuposto de que existe uma realidade oculta ao conhecimento humano direto; o propósito da arte é romper com essas realidades ocultas; Essa “essência ideal do mundo” pode ser conhecida com a ajuda de símbolos - ideias que estão além dos limites da percepção sensorial. Representantes impressionismo eles tentaram capturar o mundo real da forma mais natural - em toda a sua beleza e variabilidade minuto a minuto, para transmitir suas impressões e humores fugazes na pintura. Uma continuação e, de certa forma, uma negação do impressionismo foi pós-impressionismo, que se caracterizou pela busca de princípios permanentes de existência, essências materiais e espirituais estáveis ​​​​do mundo.

O século XIX produziu muitos grandes nomes. Entre eles na literatura estão Mark Twain, Honoré de Balzac, Prosper Merimee, François de Chateaubriand, Gustave Flaubert, Guy de Maupassant, Emile Zola, George Byron, Walter Scott, Charles Dickens, Victor Hugo, George Sand, Heinrich Heine, Ernst Theodore Amadeus Hoffmann; na música - Robert Schumann, Franz Schubert, Richard Wagner, Ludwig van Beethoven, Franz Liszt, Frederic Chopin, Giuseppe Verdi, Claude Debussy, na pintura - Auguste Ingres, Eugene Delacroix, Gustave Courbet, Käthe Eolwitz, Edouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Paul Gauguin, Paul Cezanne, Van Gogh, na escultura - Auguste Rodin, na ciência - Charles Darwin, Louis Pasteur, Max Planck, Bernhard Riemann, Pierre e Marie Curie, Wilhelm Roentgen.

Na arquitetura do início do século XIX, o estilo principal era o classicismo, a partir do qual surgiu estilo império - a etapa final no desenvolvimento do classicismo na arquitetura. O estilo Império é caracterizado por formas maciças e monumentais, decoração rica e uso ativo do patrimônio artístico da cultura da Europa Antiga, especialmente da Roma Antiga. Exemplos de edifícios em estilo Império serviram como personificação das ideias de poder estatal e glória militar. A construção de arcos e colunas triunfais no estilo romano antigo era popular. Em meados do século chega a hora do ecletismo na arquitetura, o estilo é popular historicismo, expressando a vontade de mostrar as origens da arquitectura nacional e identificar as suas principais características.

Na segunda metade do século XIX, a introdução de novos materiais e tecnologias na prática construtiva ampliou significativamente as capacidades funcionais e artísticas dos arquitetos. Inicia-se a construção de novos tipos de estruturas, um exemplo é a famosa Torre Eiffel em Paris (1889).

Cultura da Europa Ocidental do século XIX

Introdução

No desenvolvimento da literatura e da arte da Europa Ocidental do século XIX. - o período do aparecimento de obras que se tornaram um enorme bem cultural e uma conquista do génio humano, embora as condições de desenvolvimento fossem complexas e contraditórias.

Os fatores que influenciaram os principais processos e rumos da criatividade artística foram variados. Incluíam mudanças nas relações básicas, na vida política, no desenvolvimento da ciência, na revolução industrial e nos seus resultados, e no aspecto religioso.

1. Principais processos e rumos da vida sócio-política, científica e religiosa

Entre os factores socioeconómicos e políticos, as revoluções sociais e o movimento revolucionário tiveram uma importância decisiva. No século 19 as revoluções burguesas varreram muitos países europeus e representaram uma das etapas mais importantes da luta de classes. Contribuíram para o estabelecimento e desenvolvimento do capitalismo, para a solução de problemas históricos urgentes, em particular, para a unificação da Itália e da Alemanha, e despertaram na humanidade progressista o desejo de libertação da opressão social e da injustiça.

A revolução industrial, que terminou no século XIX, teve um enorme impacto no desenvolvimento do mundo da Europa Ocidental. A Revolução Industrial levou a uma reestruturação significativa do trabalho e do mundo objetivo. O seu resultado imediato é um aumento sem precedentes na produtividade do trabalho social. As necessidades práticas estimularam o rápido desenvolvimento da ciência. Século XIX - este é o florescimento da ciência natural clássica, a criação de um sistema unificado de ciências. Neste momento, a ligação entre ciência e produção torna-se mais estreita. Surgem os primeiros laboratórios de pesquisa voltados para a indústria. As descobertas em vários campos das ciências naturais estão influenciando cada vez mais o desenvolvimento das principais indústrias: metalurgia, energia, engenharia mecânica, fabricação de instrumentos, transportes e indústria química.

Às conquistas mais marcantes da revolução industrial do século XIX. Isso inclui o uso da eletricidade na indústria, em novos meios de comunicação (telégrafo, telefone), em dispositivos de acionamento de máquinas de trabalho, em diversos processos tecnológicos de diversas indústrias, na criação de lâmpadas incandescentes para iluminação de salas e ruas. A criação de uma locomotiva a vapor, motor de combustão interna, telefone, rádio, cinema e muito mais representou uma revolução na ciência e na tecnologia.

Começou a formação de uma sociedade industrial, radicalmente diferente da pré-industrial que a precedeu. A produção industrial, associada ao constante desenvolvimento da tecnologia, ao lançamento de novos bens e à criação do setor de serviços, como enfatizou K. Marx, desempenhou um grande papel civilizador. Ao arrancar enormes massas de pessoas das estruturas sociais anteriores, minando essas próprias estruturas, a industrialização torna-se a força motriz que introduz as massas em novas relações e as habitua a um novo modo de vida, ritmo de trabalho, disciplina, expande a alfabetização e os horizontes de existência.

Processos políticos e sociais turbulentos predeterminaram mudanças nas formas de governo em muitos países. A França passou por convulsões especialmente significativas, onde ao longo de um século o Diretório, o Consulado, o Império foram estabelecidos duas vezes, a dinastia Bourbon foi restaurada, a República foi proclamada duas vezes e até a Comuna de Paris ocorreu, quando a classe trabalhadora tomou energia por um curto período de tempo.

Convulsões revolucionárias contínuas ocorreram no século XIX. em ciência. Durante este período histórico, a ciência foi glorificada por R. Mayer (1814-1878), J. Joule (1819-1889), G. Helmholtz (1821-1894), que descobriu as leis de conservação e transformação da energia, que forneceram um base unificada para todos os ramos da física e da química. De grande importância para a compreensão do mundo foi a criação da teoria celular por T. Schwann (1810-1882) e M. Schleiden (1804-1881), que mostrava a estrutura uniforme de todos os organismos vivos. Charles Darwin (1809-1882), que criou a teoria da evolução na biologia, introduziu a ideia de desenvolvimento nas ciências naturais. Graças ao sistema periódico de elementos descoberto pelo brilhante cientista russo D.I. Mendeleev (1834-1907), foi comprovada a conexão interna entre todos os tipos de matéria conhecidos. A descoberta do elétron, do rádio, a transformação dos elementos químicos, a criação da teoria da relatividade por A. Einstein (1879-1955) e da teoria quântica por M. Planck (1858-1947) marcaram um avanço no campo da o micromundo e as altas velocidades.

No século 19 um desenvolvimento significativo do pensamento filosófico foi alcançado. Foi preparado de acordo com os ensinamentos de I. Kant (1724-1804) e I. Fichte (1762-1814). Com base em suas disposições, criou-se uma teoria romântica, lançaram-se os fundamentos de uma filosofia objetivo-idealista, formalizada no harmonioso ensinamento de F.V. Schelling (1775-1854). Schelling viu na arte a esfera onde as oposições entre o teórico e o moral-prático são superadas; o princípio estético aparece como “equilíbrio”, harmonia completa da atividade consciente e inconsciente, a coincidência da natureza e da liberdade, o triunfo dos sentimentos e dos princípios morais.

O conceito objetivo-idealista foi desenvolvido nas obras do maior filósofo alemão G. Hegel (1770-1831), que lhe conferiu completude na forma das leis básicas da dialética. Assim como Schelling, Hegel defendeu a ideia do desenvolvimento progressivo da humanidade e o princípio do historicismo. Além disso, o princípio do historicismo é desenvolvido de forma mais completa nas obras de Hegel. Ele via toda a história da humanidade como um processo único no qual cada época ocupa um lugar especial e influencia o desenvolvimento subsequente.

A dialética se estabeleceu não apenas em sistemas filosóficos integrais, seus elementos penetraram e enriqueceram diversas formas de cultura espiritual.

Em contraste com as posições de Hegel, surgiu ao mesmo tempo um conceito idealista, rejeitando a ideia da possibilidade de progresso histórico, cujos defensores eram F.R. de Chateaubriand (1768-1848) e A. Schopenhauer (1788-1860).

Século XIX deu ao mundo K. Marx e F. Engels, que criaram a doutrina materialista em meados do século. K. Marx (1818-1883) e F. Engels (1820-1895) afirmaram a primazia da matéria e, usando a dialética hegeliana, desenvolveram o conceito de materialismo histórico, segundo o qual a história da humanidade aparece como uma mudança de formações (métodos de produção) e luta de classes. Seu ensino, que recebeu maior desenvolvimento, ficou na história com o nome de marxismo.

Influente no século XIX. houve também um movimento filosófico associado ao nome de O. Comte (1798-1857). Comte é o fundador do positivismo, que surgiu na década de 30. Século XIX, e depois modernizado devido ao desenvolvimento da ciência. O positivismo é uma doutrina segundo a qual somente o conhecimento empírico baseado na experiência e sua descrição precisa pode ser conhecimento verdadeiro. Comte chegou a admitir que a filosofia anterior, como estudo especial da realidade, não tem direito à existência independente.

Século XIX e especialmente a sua primeira metade é um momento de interesse geral na ciência histórica. Em quase todos os países, estão a surgir sociedades históricas, estão a abrir museus e estão a ser publicadas revistas. A descoberta do princípio do historicismo e do pensamento dialético permitem desenvolver princípios científicos da história. Esta missão foi levada a cabo pelo historiador francês François Guizot (1787-1874), criador da teoria pré-marxista da luta de classes.

Conquistas científicas do século XIX. também cobriu linguística (por exemplo, J.F. Champollion (1790-1832) decifrou hieróglifos egípcios), arqueologia; As bases da folclorística científica, da história da arte e da crítica literária foram lançadas. Um complexo de disciplinas científicas humanitárias está sendo formado; A ciência econômica atinge patamares significativos, nasce a sociologia. Sob a influência de tendências ateístas na sociedade, a igreja vive uma grave crise. Novas religiões estão a penetrar na Europa, estão a nascer os conceitos de separação entre Igreja e Estado, liberdade de consciência, religião, secularização da educação, etc.. Os processos de secularização minam a influência da religião como princípio integrador. Os conflitos religiosos estão a enfraquecer, mas ao mesmo tempo o sentido de unidade dos crentes está a ser minado. Estes processos não significam uma ruptura nos laços sociais, mas alteram em grande medida a natureza desses laços. A unidade da sociedade é em grande parte formada como unidade nacional. O crescimento da mobilidade social, ou seja, o movimento da população entre a cidade e o campo e entre diferentes áreas, aproxima diferentes grupos da população. Ao mesmo tempo, ocorre uma aproximação cultural verticalmente, à medida que camadas com situação financeira diferente passam a comunicar no âmbito de uma mesma atividade profissional.

O desenvolvimento da produção significou a introdução de tecnologias cada vez mais complexas, o que era impossível sem um certo mínimo de educação pública. O Iluminismo contribuiu para a abolição de muitos vestígios medievais nas esferas do direito, dos processos judiciais, da arte, da moralidade e da cultura política. Conduziu à democratização gradual da sociedade, à medida que sectores cada vez mais vastos da população começaram a gozar de protecção legal, adquiriram a oportunidade de participar na vida civil e puderam envolver-se em realizações culturais.

Assim, a estrutura industrial da sociedade significou uma profunda transformação qualitativa não só da natureza da produção, mas também das estruturas sociais prevalecentes e da cultura da sociedade. Grandes mudanças ocorridas no século XIX. no desenvolvimento da filosofia, ciência e tecnologia, teve uma enorme influência no desenvolvimento da literatura e da arte na Europa Ocidental.

Este capítulo contém material sobre o desenvolvimento da arte nos países da Europa Ocidental no século XIX. sistematizado de acordo com as principais direções e tipos de estilo. As obras artísticas e literárias caracterizadas e analisadas são retiradas selectivamente da história daquele país da Europa Ocidental onde foram alcançados os resultados mais marcantes e que deram o contributo mais significativo para o desenvolvimento de um determinado tipo de arte e criatividade artística.

Uma característica comum do desenvolvimento da cultura mundial no século XIX. houve um aumento constante no intercâmbio cultural internacional. Isto foi facilitado pelo rápido desenvolvimento dos contactos económicos mundiais, melhoria dos meios de transporte, comunicações e informação mútua.

Consideremos a essência e o conteúdo das tendências mais importantes no desenvolvimento da cultura europeia no século XIX.

2. Classicismo

Como estilo artístico, o classicismo (do latim classicus - exemplar) começou a tomar forma na arte europeia no século XVII. A sua característica mais importante foi o apelo aos princípios da arte antiga: racionalismo, simetria, direção, contenção e estrita conformidade do conteúdo da obra com a sua forma. Este estilo desenvolveu-se na França, refletindo o estabelecimento do absolutismo neste país.

Existem duas fases no desenvolvimento do classicismo: o século XVII. e XVIII - início do século XIX. No século 18 o classicismo tornou-se um estilo pan-europeu e foi associado ao Iluminismo burguês. Nesta época, tornou-se um expoente dos ideais cívicos e das aspirações revolucionárias burguesas.

Os princípios do classicismo baseiam-se nas ideias do racionalismo filosófico, que defende a ideia de um padrão de mundo razoável e de uma natureza bela e enobrecida. Segundo este conceito, uma obra de arte é fruto da razão e da lógica, que triunfa ou derrota o caos e a fluidez da vida percebida pelos sentidos. Para os classicistas, apenas o atemporal, isto é, o imperecível, tem valor estético.

O classicismo apresentou novos padrões éticos, pois atribuiu grande importância à função social e educativa da arte. Os heróis do classicismo são resistentes às vicissitudes e à crueldade do destino. Para eles, o geral é superior ao pessoal, as paixões estão subordinadas ao dever, à razão e aos interesses públicos.

A estética do classicismo, baseada na orientação para um princípio racional, determinou os requisitos correspondentes, ou seja, regras normativas. Uma hierarquia estrita de gêneros foi estabelecida. Assim, na pintura, as pinturas históricas, as pinturas míticas e religiosas foram reconhecidas como gêneros “elevados”. Os “baixos” incluíam paisagem, retrato e natureza morta. A mesma subordinação de gêneros foi observada na literatura. Tragédia, épico e ode eram considerados “altos”, e comédia, sátira e fábula eram considerados “baixos”. Uma clara demarcação de planos e suavidade de formas foram estabelecidas para obras de escultura e pintura. Se havia movimento nas figuras, isso não perturbava sua calma escultural e seu isolamento plástico. Para destacar claramente os objetos, foi utilizada uma cor local: marrom para o próximo, verde para o meio, azul para o fundo.

O classicismo foi caracterizado por características de utopismo, idealização e abstração, que se intensificaram durante o período de seu declínio. Em meados do século XIX. o classicismo degenerou em academicismo sem vida.

Embora houvesse características comuns, o classicismo não era um fenômeno homogêneo. Assim, na França, o período de revolução foi precedido e acompanhado pelo desenvolvimento do classicismo republicano, e durante os anos do Diretório e principalmente do Consulado e do Império Napoleônico, o classicismo perdeu seu espírito revolucionário e se transformou em uma tendência conservadora. Na Itália, na Espanha e nos países escandinavos, desenvolveu-se um novo classicismo, às vezes sob a influência direta da arte francesa, às vezes independentemente dela e até mesmo precedendo-a no tempo.

1 Literatura

Um dos representantes do classicismo na literatura foi o grande Johann Wolfgang Goethe (1749-1832), fundador da literatura moderna alemã. Ele foi a única figura do Iluminismo que pôde observar no século XIX. uma refração de todos os ideais da era anterior. Goethe iniciou sua carreira literária com a rebelião, participando na década de 70. no movimento literário romântico "Storm and Drang". Em 1774 ele escreveu um romance autobiográfico, The Sorrows of Young Werther. A obra "Elegias Romanas" de Goethe (1790), criada durante o chamado período do "classicismo de Weimar", pertence a Goethe. Está imbuído de materialismo elementar. O drama "Ernani" (1788) é marcado por tendências antifeudais e antitiranas.

Talento poético excepcional, educação versátil, experiência como testemunha de grandes movimentos históricos - tudo isto deu-lhe a oportunidade de ver com perspicácia os problemas do próximo século. Sentindo a complexidade e a inconsistência da nova realidade, Goethe mantém a fé nas capacidades humanas e nos princípios racionais do universo. O auge da criatividade de Goethe é a compreensão filosófica da vida - a tragédia "Fausto" (1808). Fala não apenas da Alemanha, mas de toda a humanidade, da sua contínua ascensão a formas superiores de consciência e de vida.

Fausto é a personificação de uma personalidade tempestuosa, inquieta e solitária que percorre um longo e dolorosamente difícil caminho de busca do propósito de sua existência, do sentido da história. Ele busca a verdade e a felicidade não só para si, mas para todas as pessoas e está pronto para lutar por suas crenças. Esta obra encarna as aspirações progressistas da humanidade, emergindo das trevas da Idade Média.

Nos primeiros anos do século XIX. Johann Friedrich Schiller (1759-1805), poeta alemão, dramaturgo e teórico da arte iluminista, continuou a criar. Ele, como Goethe, é o fundador da literatura clássica alemã. A fama chegou a Schiller imediatamente. A atitude de Schiller em relação à Revolução Francesa não foi clara. Apesar da sua recepção simpática, Schiller condenou os revolucionários pela crueldade e pelo terror, embora a Convenção tenha concedido ao autor de "Os Ladrões" o elevado título de Cidadão da República Francesa.

No início do século XIX. Schiller escreveu as tragédias "Mary Stuart" e "The Maid of Orleans", o drama folclórico "William Tell", reconhecido como um poderoso hino à liberdade conquistada através da luta.

O classicismo republicano na França refletiu-se nos dramas de M.Zh. Chenier (1764-1811). É também autor de hinos e da tragédia patriótica revolucionária "Caius Gracchus" (1792). Na peça "Carlos IX, ou uma Lição para Reis" (1789) e outras, ele glorifica republicanos e patriotas, castiga os aristocratas, o fanatismo religioso e a ignorância. Chenier também escreveu peças com conteúdo alegórico.

A poesia lírica francesa mais marcante da era revolucionária é a poesia de seu irmão André Chénier (1762-1794). Ele viu na arte antiga a personificação da virtude e da liberdade, bem como o triunfo do princípio sensual. Ele compôs elegias nas quais glorificou o amor terreno e o prazer da vida, antecipando a poesia romântica. Escreveu odes políticas e o ciclo político "Iambas". Após a revolução, ele defendeu uma monarquia constitucional, foi preso e guilhotinado.

2 Arte inventiva

No desenvolvimento da cultura artística mundial do século XIX. Os pintores, escultores e artistas gráficos da França desempenharam um papel excepcionalmente importante e proeminente. A rápida mudança das formas políticas neste país deu origem a toda uma série de revoluções tanto na vida artística como nos movimentos artísticos. Em termos de coragem nas buscas ideológicas e criativas nas artes plásticas, nenhum país se compara à França.

O líder do classicismo francês na pintura é Jacques Louis David (1748-1825). Da tribuna da Convenção revolucionária e da tribuna do Clube Jacobino, ele foi reconhecido como um artista “cujo gênio aproximou a revolução”.

O trabalho de David incorporou a era heróica. O artista reviveu as ideias da antiguidade, percebendo-a como um exemplo de cidadania. "O Juramento dos Horácios" é sua obra mais famosa. Três irmãos Horatii, indo defender sua cidade natal, aceitam espadas de seu pai e fazem um juramento. A unanimidade deles é expressa por um passo decisivo em direção às espadas, que os irmãos dão simultaneamente. Esta imagem soa como um apelo às armas, à acção revolucionária e patriótica.

A enorme pintura de David, A Coroação de Napoleão, combina as habilidades brilhantes de um pintor de retratos e de um pintor histórico. Entre as pinturas históricas está “Andrômaca de luto pela morte de Hectare”, onde a composição se desdobra como um antigo baixo-relevo.

A pintura “Cônsul Brutus, condenando seus filhos à morte” foi percebida como “A Tomada da Bastilha na pintura”.

Durante os anos da revolução, David foi o organizador da vida artística, o criador de retratos e pinturas históricas dedicadas a acontecimentos contemporâneos. Uma de suas melhores pinturas é “A Morte de Marat”, na qual o assassinato político é interpretado usando os meios da tragédia antiga. A dura verdade da vida, o som trágico, a simplicidade e brevidade da composição, a contenção da cor, a monumentalidade escultórica das formas fazem desta tela um monumento à revolução.

Os retratos feitos por David enfatizam a essência social do modelo, incorporando a ideia do caráter e atividade de uma pessoa (por exemplo, o retrato do “Doutor A. Leroy”. O artista criou retratos realistas - “Verdureiro ”, “Velho de Chapéu Preto”, que marcou o início de um novo realismo do século XIX

O aluno, pintor, desenhista e músico de David, Jean Auguste Ingres (1780-1867), foi um brilhante mestre da composição e do desenho fino e rigoroso. É autor de pinturas sobre temas históricos e religiosos ("O Voto de Luís XIII", "A Apoteose de Homero").

Ele entrou para a história da arte francesa como um pintor de retratos realistas de primeira classe.

Em sua melhor obra, “Retrato de Bertin”, o artista dá uma imagem profundamente generalizada e vívida do caráter espiritual e moral da burguesia francesa. Ingres é um poeta inspirado em belos nus (a série "Odaliscas", "A Grande Banhista"), autor de brilhantes retratos a lápis. O desenho é o verdadeiro teste à habilidade de um artista”, afirmou o Eng. Suas tendências classicistas tardias tiveram grande influência no desenvolvimento do academicismo na arte francesa.

3 Escultura

Pouco foi criado nesta forma de arte pelos classicistas. Na Alemanha é I.G. Shadov (1764-1850), próximo do classicismo iluminista. É autor de obras monumentais e decorativas (quadriga do Portão de Brandemburgo em Berlim), estátuas e bustos de retratos.

O escultor italiano A. Cakova (1757-1822) criou a lápide do Papa Clemente XIII e a estátua mitológica "Cupido e Psique", bem como retratos escultóricos da nobreza.

O representante do classicismo tardio é o dinamarquês B. Thorvaldsen (1768-1844). Suas obras são caracterizadas pela harmonia estrita, completude plástica, contenção fria e idealização de imagens ("Janson", "Mercúrio com Cachimbo").

Na história da cultura francesa, o teatro ocupou um dos primeiros lugares. Ele apresentou uma galáxia de dramaturgos e atores notáveis. No palco francês, quase todos os movimentos artísticos desenvolveram-se e atingiram a perfeição e todos os géneros teatrais foram desenvolvidos. Novas formas de organização teatral também se desenvolveram aqui, por exemplo, o novo teatro privado, empresarial e comercial.

E na dramaturgia, na arte de atuar durante a revolução, surgiu um novo estilo de classicismo revolucionário, despertando o heroísmo e os sentimentos patrióticos das massas. Tragédias clássicas foram encenadas no palco. Durante os anos da ditadura jacobina, foram feitas tentativas de criar um teatro de propaganda de massa.

A reação termidoriana reviveu o sentimentalismo com a glorificação da moralidade familiar. Durante o período do Diretório, a tarefa do teatro era conter o impulso revolucionário das massas e incutir nelas a crença na idealidade do sistema burguês. Essa mudança de ideias refletiu-se no novo gênero de melodrama que surgiu durante os anos da revolução. Se a princípio o melodrama tinha uma orientação anticlerical ou antidespótica, depois perde o conteúdo rebelde e substitui os conflitos sociais pelos morais, retratando as atrocidades dos indivíduos.

Durante os anos da revolução, nasceu um gênero de performance teatral como o vaudeville. Ele percorreu um caminho semelhante ao desenvolvimento do melodrama. Saturado de humor alegre, mais tarde perdeu o espírito de luta e a acuidade jornalística, tornando-se um gênero puramente divertido.

Durante o Império Napoleônico, os direitos adquiridos pelos teatros após o Decreto sobre a Liberdade dos Teatros foram limitados. Foram restaurados os privilégios dos principais teatros e, sobretudo, do teatro nacional francês - a Comédie Française, fundada em 1680. A dramaturgia do período do Império obedecia aos cânones do classicismo, mas sem ideologia democrática, anticlerical e antimonarquista características.

A figura mais significativa do teatro francês do final do século XVIII - início do século XIX. era F. J. Talma (1763-1826) - o maior ator do classicismo revolucionário. A sua aspiração humanística ajudou-o a superar as limitações da arte pomposa e oficial no período pós-revolucionário. Ele atuou nas tragédias de Shakespeare, criou imagens de pessoas inquietas, dilaceradas por contradições internas, afogadas em um mundo de maldade e interesse próprio. Ele reformou a técnica de atuação classicista, estabeleceu trajes antigos autênticos e deu um impulso poderoso ao desenvolvimento do teatro francês ao longo do caminho do romantismo.

5 Criatividade musical

No campo da música, o classicismo na virada dos séculos XVIII para XIX. assumiu novas formas, que foram associadas à Grande Revolução Francesa. Esses formulários foram projetados para um público de massa e serviram a ideais revolucionários. Compositores deste estilo e época - F.Zh. Gossec (1734-1829) e E. Megul (1763-1817). Exemplos vívidos da “ópera da salvação” - gênero surgido durante a Revolução Francesa, que se caracteriza pela ideia de luta contra a tirania e um desfecho bem sucedido - “salvação”: “Lodoiska”, “Dois Dias ”por L. Cherubini (1760-1842), etc.

Esses ideais encontraram sua expressão culminante nas obras de L. Beethoven, embora suas obras posteriores tenham sido caracterizadas por traços de romantismo.

3. Romantismo

Os enormes cataclismos sociais que abalaram primeiro a França e depois toda a Europa não puderam ser percebidos de forma racional, analítica e imparcial. A decepção com a revolução como forma de mudar a existência social causou uma acentuada reorientação da própria psicologia social, uma mudança de interesse da vida externa de uma pessoa e suas atividades na sociedade para os problemas da vida espiritual e emocional do indivíduo.

As tentativas de superar a unilateralidade do racionalismo e modelar uma personalidade holística e harmoniosa na cultura artística predeterminaram as principais direções de seu desenvolvimento no século XIX. Seguiu primeiro o caminho do romantismo (romantisme francês; da Idade Média romano - romance), e depois, quando as possibilidades do romantismo estavam em grande parte esgotadas, pelo caminho da arte sócio-analítica do realismo.

A arte romântica é caracterizada por: aversão à realidade burguesa, uma rejeição decisiva dos princípios racionalistas do iluminismo e do classicismo burguês, desconfiança no culto da razão, que era característico dos iluministas e escritores do novo classicismo.

O pathos moral e estético do romantismo está associado principalmente à afirmação da dignidade da personalidade humana, ao valor intrínseco da sua vida espiritual e criativa. Isso foi expresso nas imagens de heróis da arte romântica, que se caracterizam pela representação de personagens extraordinários e paixões fortes, e pela busca pela liberdade sem limites. A revolução proclamou a liberdade individual, mas a mesma revolução deu origem ao espírito de ganância e egoísmo. Esses dois lados da personalidade (o pathos da liberdade e do individualismo) manifestaram-se de forma muito complexa no conceito romântico do mundo e do homem.

Os românticos negaram a necessidade e a possibilidade de uma reflexão objetiva da realidade. Portanto, proclamaram a arbitrariedade subjetiva da imaginação criativa como a base da arte. Os enredos das obras românticas foram escolhidos de forma a incluir acontecimentos excepcionais e cenários extraordinários em que os personagens atuavam.

Originário da Alemanha, onde foram lançadas as bases da visão de mundo romântica e da estética romântica, o romantismo está se espalhando rapidamente por toda a Europa. Abrangeu todas as esferas da cultura espiritual: literatura, música, teatro, humanidades, artes plásticas. Na primeira metade do século XIX. Na Europa existiu uma filosofia romântica: Johann Gottlieb Fichte (1762-1814), Friedrich Wilhelm Schelling (1775-1854), Arthur Schopenhauer (1788-1860) e Søren Kierkegaard (1813-1855). Mas, ao mesmo tempo, o romantismo deixou de ser um estilo universal, que era o classicismo, e não afetou significativamente a arquitetura, influenciando principalmente a arte paisagística e a arquitetura de pequenas formas.

1 Literatura

O romantismo alemão produziu escritores notáveis ​​​​como Jean Paul (1763-1825), Heinrich von Kleist (1777-1811).

Heinrich von Kleist foi um talentoso dramaturgo, contista e poeta. Seu trabalho está associado à era da guerra de libertação de Napoleão. É autor dos dramas “Amphitryon”, “Schentesileia”, “Kätchen of Heilbronn”, nos quais retrata a trágica solidão de um homem dominado por uma paixão maníaca. Para os heróis dessas obras, o mundo é incompreensível, eles correm entre a proximidade da morte e a atração por ela. Kleist também escreveu comédias (“The Broken Jug”), onde retratou zombeteiramente a ordem patriarcal dos funcionários judiciais.

O auge do romantismo é a obra de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann (1776-1822). O escritor mais importante do romantismo alemão, Hoffmann era extraordinariamente talentoso - ele era um músico talentoso e um caricaturista brilhante. Suas obras são caracterizadas pelo drama e sarcasmo, pelo lirismo e pelo grotesco ("O Elixir do Diabo", "O Pote de Ouro", "O Senhor das Pulgas"). Colidindo a realidade com o mundo da fantasia, Hoffman muitas vezes interpreta a fantasia de forma irônica, o que expõe a fraqueza interna do fantástico e delineia uma transição para a realidade. Seus elementos de sátira são especialmente perceptíveis no excelente conto de fadas “Little Tsakhes” (1819), onde o autor retrata ironicamente o papel do ouro em uma sociedade de classes.

A música desempenhou um papel importante no trabalho de Hoffmann. A imagem de um músico era para Hoffmann sinônimo de sonhador, e essa imagem permeia a maioria de suas obras e se opõe ao vulgar filisteu filisteu. Músico errante, nobre entusiasta, pouco prático no dia a dia, desprezando as riquezas materiais, ama a arte e nela encontra o sentido mais elevado da vida.

Em 1821-1822 Hoffmann escreveu o livro “Notas do Gato Murr”, onde o compositor Kreisler confronta o gato Murr, que encarna o mundo do filistinismo sem asas.

Hoffmann é um dos fundadores da estética e crítica musical romântica alemã. É autor de uma das primeiras óperas românticas - Ondina.

Na primeira metade do século XIX. Heinrich Heine (1797-1856) foi o grande poeta alemão que combinou romance e ironia em sua obra. Heine foi um poeta da democracia revolucionária. Em muitos dos seus poemas apoia-se em canções folclóricas, graças ao desenvolvimento de motivos dos quais atinge extraordinária naturalidade, clareza e simplicidade.

Após a Revolução de Julho de 1830 e sua convivência com Marx, notas militantes revolucionárias começaram a soar na obra poética de Heine. O auge do desenvolvimento ideológico do grande poeta foram "Poemas Modernos" (1839-1846) e o poema "Alemanha. Um Conto de Inverno" (1844). Um lugar especial em "Poemas Modernos" é ocupado por "Tecelões", em que Heine expressa poeticamente a ideia da missão histórica do proletariado como denunciante do sistema burguês. Em The Winter's Tale, Heine ridiculariza o ultrapassado mundo feudal e defende a ideia de uma luta revolucionária por uma Alemanha unida.

É sabido que a revolução de 1848 na Alemanha foi derrotada. Isso se tornou uma fonte de tragédia espiritual para Heine. No entanto, tendo ficado desiludido com a democracia burguesa, Heine não partilhava da posição da classe trabalhadora, temendo as tendências comunistas igualitárias entre os trabalhadores. Embora reconhecesse como justa a vitória do proletariado, Heine tinha medo dela e acreditava que isso implicaria a morte da arte. O último livro de poemas de Heine, Romansero (1851), contém a ideia do triunfo do mal sobre o bem. Mas Heine permanece intransigente em relação à Alemanha reaccionária.

Na Inglaterra, o impacto do romantismo lírico de George Noel Gordon Byron (1766-1824) foi enorme. Seu poema "A Peregrinação de Childe Harold" poetizou o romântico rebelde-individualista, cuja imagem era típica da era pós-napoleônica. No centro das obras de Byron está a imagem de um herói sombrio, desapontado e solitário que foge da sociedade civilizada para o Oriente, onde ainda podem ser encontradas paixões e sentimentos brilhantes. Nos chamados poemas orientais "O Giaour", "O Corsário", "A Noiva de Abidos", "Dara" e outros, o herói de Byron torna-se mais ativo, luta contra o governante oriental, déspota e tirano. Portanto, a força destes poemas reside na indomabilidade do protesto público. No entanto, na era da reação, traços de pessimismo aparecem na poesia de Byron.

- "Manfred" e "Caim". Uma das melhores obras do poeta é o romance em verso "Don Juan", que ficou inacabado. Nele, Byron defende seu ideal

Liberdade política, mas só pode ser realizada, segundo o poeta, no seio da natureza, longe da tirania de uma sociedade civilizada. O humanismo ativo e a previsão profética fizeram de Byron o governante dos pensamentos da então Europa.

O romantismo inglês também é representado por J. Keathe (1795-1821) e P.B. Shelley (1792-1822). John Keate é o autor do idílio patriarcal-utópico "Endymion", que expressa um protesto contra a intolerância puritana. As odes “Fogo” e “Psique” glorificam o culto à beleza e à harmonia da natureza. Kite é autor do poema simbólico-alegórico "Hyperion".

Percy Bishoo Shelley é o autor do poema alegórico “Queen Mab”, que expõe a depravação da sociedade contemporânea. No poema "The Rise of Islam" Shelley justifica a derrubada violenta do despotismo. Na tragédia "Cenci" e no poema lírico "Prometheus Unbound" ele deu uma compreensão filosófica dos problemas da liberdade e da tirania.

Porém, com o falecimento desses poetas, o movimento romântico inglês desaparece.

Na França, primeiro terço do século HEC. O Romantismo foi o principal movimento da literatura. Numa fase inicial do seu desenvolvimento, a figura central foi François René de Chateaubriand (1768-1848). Ele representou a ala conservadora deste movimento. Tudo o que ele escreveu é uma polêmica contra as ideias do Iluminismo e da revolução. O tratado “O Espírito do Cristianismo” glorifica a “beleza da religião” e fundamenta a ideia de que o catolicismo deve servir de base e conteúdo da arte. A salvação do homem, segundo Chateaubriand, reside apenas em voltar-se para a religião. Chateaubriand escreveu num estilo pomposo, florido e falsamente pensativo.

Uma defensora das ideias liberais foi Germaine de Stael (1766-1817), que muito fez para fundamentar os princípios do romantismo. Nos romances "Dolphine" e "Corinna" a escritora defende o direito da mulher à liberdade de sentimento, e também mostra o choque da personalidade humana com os fundamentos da sociedade nobre burguesa. Em 1803, Napoleão expulsou-a de Paris por se manifestar em defesa da liberdade política:

Uma nação só tem propriedades distintivas quando é livre.

A obra de Alfred de Vigny (1797-1863) pertence à direção do romantismo conservador. Escreveu poemas, dramas e o romance histórico "Saint-Mars", que conta a história de uma conspiração de nobres contra o Cardeal Richelieu. No centro da obra está uma pessoa solitária e orgulhosa que despreza a multidão.

A obra de Alfred de Musset (1810-1857) ocupa um lugar especial no romantismo francês. Em "Contos Espanhóis e Italianos" o autor interpreta ironicamente motivos românticos. Os heróis de suas peças são jovens que não estão satisfeitos com a realidade, que estão em desacordo com ela e não conseguem romper com ela. No romance “Confissão de um Século” ele fala de um representante da geração dos anos 30, profundamente desiludido com a realidade prosaica da França burguesa.

Na literatura da França do século XIX. destacar o romantismo progressista, do qual Hugo e George Sand são considerados representantes.

Victor Hugo (1802-1885) percorreu um difícil caminho de desenvolvimento. No início de sua carreira, ele elogiou os lírios Bourbon e a piedade católica; a partir de meados dos anos 20, foi um defensor das ideias liberais democráticas. Em 1827, ele formulou os princípios de uma nova dramaturgia romântica. Critica as regras das “três unidades” e se opõe à estrita distinção entre gêneros estabelecida no classicismo. Hugo exigia liberdade e naturalidade, sem negar a importância da “cor local”, e reconhecia a possibilidade de misturar o trágico e o cômico. Este manifesto, apresentado por Hugo no prefácio da peça "Cromwell", desempenhou um papel positivo na libertação da literatura dos cânones do classicismo.

Entre os romances de destaque de Hugo estão "Notre-Dame de Paris", "Trabalhadores do Mar", "O Homem que Ri". Um lugar especial é ocupado pelo romance "Os Miseráveis", que aborda os problemas sociais mais prementes do século XIX. Mostrando as injustiças e os vícios da sociedade burguesa, Hugo não perde a fé na possibilidade de regeneração moral de uma pessoa sob a influência da humanidade e da misericórdia. A história dos heróis do romance Jean Valjean e Fantine é mostrada pelo escritor contra um amplo contexto público. A encantadora imagem do menino Gavroche tornou-se uma encarnação viva do espírito revolucionário do povo nas páginas do romance.

Em 1874, foi publicado o último romance de Hugo, O Noventa e Terceiro Ano, dedicado à Revolução Francesa. As simpatias de Hugo estão do lado das ideias revolucionárias, mas ele não consegue resolver as contradições entre a luta revolucionária, que leva à morte de pessoas, e o sentimento humano, entre o terror e a misericórdia.

A representante da tendência democrática do romantismo, George Sand (a própria Aurora Dudevant) (1804-1876), levantou questões sociais candentes em suas obras. Nos romances “Indiana”, “Valentine”, “Lelia”, “Jacques”, escritos no início da carreira, abordou a questão da posição da mulher na família e na sociedade, e se opôs à moralidade burguesa. Muitas de suas obras são autobiográficas. Nos romances dos anos 40 “O Aprendiz Errante”, “O Moleiro de Anjibo”, “O Pecado de Monsieur Antoine”, dirigidos contra o egoísmo dos proprietários e da civilização burguesa, que traz sofrimento ao povo, imagens de heróis do povo são mostrados com simpatia.

As obras mais significativas do escritor são os romances “Consuelo” e “Horácio”. Se o primeiro é o problema e o destino da arte numa sociedade de classes, então em “Horácio” o tipo de individualismo burguês é desmascarado.

No romance "Mauprat" J. Sand escreveu:

Não podemos arrancar uma única página de nossas vidas, mas podemos jogar o livro inteiro no fogo.

2 Criatividade musical

A direção romântica da música revelou-se extremamente rica em talentos notáveis. Na Alemanha, é o compositor, crítico musical alemão, expoente da estética do romantismo Robert Schumann (1810-1856), que criou ciclos de piano programático ("Borboletas", "Carnaval", "Peças Fantásticas", "Kreisleriana"), ciclos vocais lírico-dramáticos, a ópera "Genovena", o oratório "Paraíso e Peri" e muitas outras obras.

Os primeiros representantes da ópera romântica na Alemanha foram E.T.A. Hoffmann (ópera "Ondine") e K.M. Weber (1786-1826). Weber lutou pela ópera nacional alemã e em sua obra refletiu o desejo do povo alemão pela libertação e reunificação do país. As obras de Weber determinaram os principais rumos da ópera romântica alemã: ópera folclórica lendária e de conto de fadas (Free Shooter, Oberon), uma ópera sobre um enredo de cavalaria medieval (Euryanthe), escrita como uma grande ópera em que os diálogos falados são substituídos por recitativos . Os musicólogos acreditam que desta ópera há um caminho direto para Tannhäuser e Lohengrin de Wagner.

Óperas românticas também foram criadas por R. Schumann e F. Flotov (Alexandra Stradella, Martha). O. Nikolai (1810-1849) escreveu a ópera cômica "The Merry Wives of Windsor" baseada no enredo da comédia de Shakespeare.

A direção romântica está representada nas obras do grande compositor, maestro, musicólogo e reformador da arte da ópera alemão Richard Wagner (1813-1883), uma das maiores figuras da história da cultura musical mundial. Suas óperas são amplamente conhecidas: “Rienzi”, “O Holandês Voador”, “Tannhäuser”, “Lohengrin”, “Tristão e Isolda”, a tetralogia “O Anel dos Nibelungos” (quatro óperas: “Das Rheingold”, “Walkyrie ”, “Siegfried”, “A Morte dos Deuses”), o mistério “Parsifal”. A obra de Wagner enriqueceu a arte operística mundial com realizações notáveis ​​​​no campo da expressão musical e do drama. Ele criou os chamados dramas musicais com um novo tipo de melodia - “melodia sem fim”. Suas óperas são poemas vocais-sinfônicos gigantescos que não têm análogos na história da ópera. A música de Wagner distingue-se pela sua enorme expressividade, riqueza orquestral e harmónica. Seu trabalho influenciou a arte musical mundial dos tempos subsequentes.

No século 19 As principais casas de ópera alemãs foram a Ópera de Dresden, a Ópera da Corte de Weimar, as Óperas de Berlim e a Ópera de Leipzig. Em 1872-1876. De acordo com o plano de R. Wagner, foi construído o Teatro Bayreuth (Casa de Espetáculos Cerimoniais), destinado à produção de suas óperas.

O representante da tendência romântica na arte musical francesa é o compositor e maestro Hector Berlioz (1803-1869). É dono da “Sinfonia Fantástica”, “Sinfonia de Luto e Triunfo”, da ópera-duologia “Os Troianos” (depois de Virgílio), do Réquiem e da sinfonia dramática “Romeu e Julieta”. No último período de sua criatividade, Berlioz criou a ópera cômica Beatrice e Benedict, cheia de graça e humor, baseada no enredo da comédia de Shakespeare, Much Ado About Nothing.

Características nacionais do teatro musical francês do século XIX. refletido no gênero da ópera cômica. Esta é principalmente uma ópera de D.F. Aubert (1782-1871) "Fra Diavolo". Juntamente com o dramaturgo E. Scribe, Ober tornou-se o criador de um novo tipo de ópera cômica, caracterizada por enredos de aventura altamente divertidos e ação em rápido desenvolvimento. A música de Ober é elegante, melódica, caracterizada pela vivacidade e variedade de formas. Ele escreveu 36 óperas, incluindo The Bronze Horse e Black Domino.

Ober também é um dos criadores do gênero de grande ópera (grande ópera). Sua ópera "O Mudo de Portici" ("Fenella") tem um enredo histórico, revelado através das entonações rítmicas de canções folclóricas, danças e músicas da Grande Revolução Francesa. A obra de Ober influenciou o desenvolvimento subsequente de óperas do gênero heróico e romântico.

J. Meyerbeer (1791-1864), compositor, pianista e maestro, criou obras no gênero de grande ópera. O surgimento do teatro musical romântico na França está associado à sua ópera Robert the Devil. Ele também escreveu as óperas "Os Huguenotes" e "O Profeta". Em obras como "Dinara" e "Mulher Africana" já apareceram traços de ópera lírica.

Óperas da primeira metade do século XIX. - performances monumentais e românticas compostas sobre temas históricos.

O despertar da vida social e política da Itália, ocorrido após a Grande Revolução Francesa, provocou uma virada no desenvolvimento da arte nacional italiana - nasceu uma nova direção no gênero ópera. Seu fundador foi G. Rossini (1792-1868), que já em suas primeiras óperas “Tancred” e “Italiano em Argel” tentou reformar a ópera. Rossini transformou não só o gênero da ópera séria, dramatizando-o e ampliando os meios de expressão artística, mas também a ópera buffa, enriquecendo seu conteúdo realista e aguçando seus traços satíricos.

Rossini recorreu às obras de Voltaire, Shakespeare, W. Scott e Beaumarchais. Ele conseguiu desenvolver e melhorar quase todas as formas de ópera - árias, conjuntos, coros, recitativos. A parte da orquestra foi enriquecida. Introduzindo inovações, Rossini desenvolveu e preservou a principal tradição da ópera italiana - a melodia vocal de sua música, ao mesmo tempo que limitava a arbitrariedade dos solistas e o abuso da coloratura. A obra-prima da ópera buffa de Rossini e de toda a arte musical mundial é “O Barbeiro de Sevilha”, em que o significado do enredo se combina com o brilho vital e a nitidez das características.

A obra de Rossini influenciou o desenvolvimento da ópera heróico-romântica francesa.

Na arte musical italiana do século XIX. a direção romântica é representada pelas obras de V. Bellini e G. Donizetti. Eles são seguidores de G. Rossini. A melhor ópera de V. Bellini (1801-1835) é “Norma”, que encarna o sonho do compositor de libertar a sua pátria. Há também um significado político relevante noutra ópera do compositor – “Os Puritanos”.

As obras de Bellini se distinguem pelo profundo lirismo, paixão e expressividade das melodias. Ele é caracterizado pela euforia romântica. Ele fez grandes contribuições para o desenvolvimento do bel canto.

G. Donizetti (1797-1848) - autor de óperas maravilhosas, incluindo “Lucia di Lammermoor”, “Don Pasquale”, “A Favorita”, “Filha do Regimento”, “Linda de Chamounix”, “Elisir do Amor”, etc. São brilhantes, teatrais, cheios de melodias expressivas e fáceis de lembrar, possuem personagens contrastantes. O compositor trabalhou em diversos gêneros operísticos (melodrama, ópera histórico-heróica, lírico-dramática, cômica, ópera buffa). As óperas de Donizetti são baseadas nas obras de V. Hugo, W. Scott e J. Byron. Donizetti tem um dom generoso para a melodia e é um mestre na arte do bel canto.

As ideias do romantismo refletiram-se na obra do compositor, pianista e maestro húngaro Franz Liszt (1811-1886). Criou o oratório "Sinfonia de Fausto", 13 poemas sinfônicos programáticos, 19 rapsódias, estudos, valsas e outras obras musicais.

O representante do romantismo foi o compositor e pianista polonês Frederic Chopin (1810-1849). Escreveu dois concertos, três sonatas, quatro baladas, um scherzo, uma série de obras improvisadas, noturnos, estudos, valsas e canções.

3.3 Artes visuais

Estes compositores são o orgulho não só da cultura europeia, mas também mundial. As tendências românticas também se manifestaram na pintura. O início do romantismo na pintura francesa está associado à obra de Theodore Gericault (1791-1824). Uma de suas principais obras é a tela “A Jangada da Medusa”, que retrata náufragos e perdidos no oceano. Este quadro é um manifesto do romantismo na pintura. Géricault já estava livre da influência classicista e da divisão de temas e gêneros em sublime e básico. Portanto, o artista encontrou algo heróico e significativo na vida real. E na nova arte ele incorporou a intensidade excepcional da ação, que quebrou o equilíbrio da composição e tornou o desenho irregular. O artista encontra por sua expressão um ritmo rápido, a intensidade dos contrastes do claro-escuro.Isso é facilitado pelo rico pitoresco da cor.

No final da vida, Géricault fez retratos maravilhosos de doentes mentais, que refletiam com força realista a dor de uma pessoa. Além disso, pintou cenas e paisagens do cotidiano (“Epsom Derby”). A obra de Géricault influenciou os realistas de meados do século XIX.

O fenómeno mais notável do romantismo é a pintura de Eugene Delacroix (1798-1863), que pintou frequentemente telas baseadas na poesia de Byron e criou uma série de composições históricas. A obra-prima de sua obra é a pintura “A Liberdade Guiando o Povo”, pintada no auge dos acontecimentos revolucionários de 1830 e que encarna o pathos rebelde característico do romantismo. Delacroix rejeitou o dogma acadêmico, mas não mudou seu desejo pela arte antiga. Esta imagem combina as características de uma mulher parisiense moderna com a beleza clássica e a força poderosa da Nike da Samotrácia.

Desde os anos 20 Século XIX Delacroix tornou-se um líder reconhecido nesta direção. Defendendo a liberdade ilimitada de criatividade, os românticos lutaram por uma representação da natureza intensamente expressiva e excitada. Temperamento apaixonado e imaginação irreprimível são expressos pelo artista em obras que recriam imagens da história. Literatura oriental, clássica e contemporânea. Estas são "Mulheres Argelinas" e as melhores de suas obras históricas - "A Captura de Constantinopla pelos Cruzados".

A pintura “O Massacre de Chios” é permeada por um sonho de liberdade, que retrata um episódio da luta do povo grego contra o jugo turco.

Delacroix é considerado o criador da pintura histórica da Nova Era.

Os românticos difundiram e democratizaram a arte gráfica, criando novas formas flexíveis na litografia e na xilogravura de livros.

A obra do maior cartunista gráfico Honore Daumier (1808-1879) também está associada à escola romântica. É considerado um grande artista, cuja obra representa um ponto de viragem da era romântica para o apogeu do realismo nos anos 40-70. Século XIX Graças à introdução da litografia na arte, suas obras como “O Útero Legislativo”, “Rua Transnopen”, “O Impressor que Defendeu a Liberdade de Imprensa” tornaram-se muito difundidas.

Suas pinturas e aquarelas “Burlak”, “Sopa”, “Carro Classe III” estão cheias de sentimentos profundos e concentrados, dedicados à vida dura das pessoas comuns, à grandeza de seu caminho de vida (“Carro Pesado”) e à pureza do seu mundo interior (“Lavadeira”). A indignação popular é o conteúdo do quadro “Revolta”.

O pintor Daumier possuía integridade monumental e agudeza de percepção, rápido poder de expressão e ternura lírica.

4 Arquitetura

Na arquitetura do século XIX. O Romantismo, como já foi observado, não criou uma escola própria, porém, nos países industrializados, especialmente na Inglaterra, a arquitetura industrial começou a se desenvolver rapidamente. Construído nos anos 30-40. estações, pontes, fábricas por vezes antecipavam soluções características do final do século XIX. O rápido crescimento das cidades levou à necessidade de reconstruir bairros antigos e construir novas avenidas e artérias de transporte. Assim, em 1853, começou a remodelação de Paris, mudando sua aparência de forma irreconhecível.

Os historiadores da arte acreditam que o romantismo se consolidou na arquitetura inglesa, criando um estilo neogótico impressionante e imponente. Além disso, igrejas, edifícios residenciais e edifícios públicos foram construídos em estilo gótico na Inglaterra.

Em meados do século XIX. os arquitetos C. Barry e O. Pugin construíram o grandioso conjunto do Parlamento de Londres, que incluía a capela medieval de Henrique VII. Este edifício espetacular e majestoso às margens do Tâmisa tornou-se uma parte orgânica da capital inglesa.

Em 1861, outro edifício romântico foi construído em Londres - o Crystal Palace (pavilhão principal da Exposição Mundial). Construída em ferro e vidro, tornou-se um prenúncio da arquitetura do século XX. Ao mesmo tempo, o desenho aberto do palácio lembrava o estilo gótico tão apreciado na Inglaterra. O autor do projeto do Crystal Palace foi o jardineiro J. Paxton, que aproveitou sua experiência na construção de estufas. Este Palácio de Cristal despertou a admiração do arquitecto inovador do século XX. Corbusier, mas em 1936 o palácio pegou fogo.

A formação do teatro romântico progressista na França foi facilitada pelo trabalho de escritores progressistas como Stahl, Stendhal, Hugo e Merimee.

O ápice da dramaturgia é o drama de V. Hugo, em que se manifestaram claramente os traços do romantismo progressista (humanismo apaixonado, denúncia das classes dominantes, simpatia pelas pessoas comuns, desejo de verdade histórica, alta poesia). Suas melhores peças são “Marion de Lorme”, “Ernani”, “O Rei se diverte”, “Mary Tudor”, “Ruy Blas”.

O sucesso mais significativo foi alcançado pelos atores Frederic Lemaitre, Pierre Bocage e Elisa Rachel (1821-1958), que reviveram a tradição classicista no auge do romantismo, enfatizando motivos de luta contra os tiranos nas tragédias dos grandes clássicos. Durante os dias revolucionários de 1848, Rachel interpretou La Marseillaise, que foi sua maior conquista como atriz.

No início do século XIX. Peças clássicas e traduzidas foram encenadas principalmente em palcos na Inglaterra. Um ator de destaque foi E. Keene, representante do movimento romântico, cujo estilo de atuação era caracterizado pelo poder e pela liberdade das normas restritivas do classicismo.

Na Alemanha, no primeiro quartel do século XIX. o teatro desenvolveu-se numa direção romântica. Escritores românticos A.V. e F. Schlegeli, L. Tieck, G. Kleist, E.T.A. Hoffman afirmou a natureza sintética da arte teatral, negou a estilização, o cotidiano, reconheceu aqueles atores cuja atuação se distinguia pela verdade interior e pelo temperamento. Os melhores atores da época foram I. Fleck e L. Devrient. Com a sua peça, que expressava protesto contra a injustiça social, abriram caminho ao realismo do século XIX. Excelente ator alemão dos anos 30. K. Seidelman criou personagens poderosos e nitidamente individuais, alcançando uma transformação genuína.

Assim, de uma forma geral, o romantismo contribuiu para um conhecimento filosófico mais aprofundado, uma generalização artística multifacetada do processo de desenvolvimento do homem e do mundo com todas as contradições que lhes são inerentes. Ele enriqueceu a cultura com valores espirituais eternos e abriu novos caminhos para o seu desenvolvimento.

O romantismo recebeu expressão especialmente vívida no balé. O balé romântico foi formado na França na virada do segundo terço do século XIX. e se espalhou por toda a Europa. Com o estabelecimento do romantismo na performance do balé, a bailarina assumiu a posição de liderança, desenvolveu-se a técnica de salto e surgiu a técnica de dançar nos dedos (sapatilhas de ponta), que abriu novas possibilidades expressivas. A primeira a usar a dança nas sapatilhas de ponta foi uma das mais famosas e brilhantes representantes dessa tendência no balé - a dançarina italiana Maria Taglioni (1804-1884). Ela criou muitos papéis, incluindo o papel-título em La Sylphide, que foi encenado pela primeira vez na Ópera de Paris.

As danças em conjunto originam-se do balé romântico - uma forma de dança uníssona do corpo de balé, que será desenvolvida ao longo do século XIX. O conjunto de dança era uma massa de bailarinos atuando em sincronia, formando grupos simétricos e acompanhando os solistas da dança. Essas características foram manifestadas de maneira especialmente clara no balé “Giselle” do compositor A. Adam, encenado em Paris em 1841 pelos coreógrafos J. Perrault e J. Coralla.

4. Realismo

No século 19 pela primeira vez na história da humanidade, um sistema económico global está a ser estabelecido e as mais diversas camadas da realidade são incluídas na esfera da produção social. Assim, o tema da arte se expande: os processos sociais (análise sociológica), as nuances mais sutis da psicologia humana (análise psicológica), da natureza (paisagem) e do mundo das coisas (natureza morta) são atraídas para ela, adquirindo valor estético. O tema principal da arte também sofreu profundas mudanças - o homem, cujas ligações sociais vão adquirindo um carácter universal e verdadeiramente global. Todas estas mudanças deram origem a um novo tipo de concepção artística do mundo, materializado no realismo, que surgiu como movimento nas décadas de 30 e 40. Século XIX

Sob uma luz realista, os fenômenos da realidade aparecem em toda a sua complexidade, versatilidade e riqueza de propriedades estéticas. A tipificação torna-se o princípio da generalização. A veracidade dos detalhes e a apresentação de personagens típicos agindo em circunstâncias típicas são os princípios básicos do realismo. O realismo não se opôs ao romantismo, foi seu aliado na luta contra a idealização das relações sociais burguesas, pela originalidade nacional e histórica das obras de arte (o sabor do lugar e do tempo). Em meados do século, o realismo tornou-se a tendência dominante na cultura europeia.

O realismo surgiu na França e na Inglaterra sob condições de relações capitalistas estabelecidas. As contradições sociais e as deficiências do sistema capitalista determinaram a atitude fortemente crítica dos escritores realistas em relação a ele. Eles denunciaram a avareza, a desigualdade flagrante, o egoísmo e a hipocrisia. Na sua intencionalidade ideológica, torna-se realismo crítico. Ao mesmo tempo, a obra dos grandes escritores realistas está permeada pelas ideias de humanismo e justiça social.

4.1 Literatura da França

Um exemplo de poesia realista na França do século XIX. foi o poeta Pierre Jean de Beranger (1780-1857). Atuou durante a monarquia napoleônica e em 1813, na canção “Rei Iveto”, condenou as aventuras militares de Napoleão e sua política tributária. Durante a Restauração, tornou-se um verdadeiro poeta-lutador. Suas canções divertidas durante esse período ridicularizaram os habitantes ricos e bem-sucedidos da cidade. A canção política de Beranger é repleta de democracia e marcada por um animado humor nacional.

Um brilhante representante do realismo crítico foi Stendhal (o próprio Henri Bayle, 1783-1842). O escritor era admirado por pessoas de caráter ativo e forte. Ele viu tais heróis entre as figuras da Renascença ("Crônicas Italianas"), em Shakespeare, entre seus contemporâneos.

Um dos romances mais notáveis ​​de Stendhal é “O Vermelho e o Preto” (1830). O herói do romance é Julien Sorel, um admirador apaixonado da era napoleônica, um homem de alma sublime e sensível, que busca superar o ambiente social inerte. Porém, ele não consegue fazer isso, pois as classes dominantes não o aceitaram, plebeu de nascimento. No romance "O Mosteiro de Parma", o escritor condena a era reacionária, que predeterminou a tragédia de pessoas inteligentes, talentosas e profundamente sentimentais.

O auge, o ponto mais alto do desenvolvimento do realismo da Europa Ocidental é a obra de Honore de Balzac (1799-1850). De acordo com o plano de Balzac, sua obra principal, o épico “A Comédia Humana”, consistiria em 143 livros, refletindo todos os aspectos da vida da sociedade francesa. Balzac dedicou todas as suas forças a esta obra titânica, criou 90 romances e contos.

Neste épico, os romances estão conectados por um conceito comum e muitos personagens. Inclui romances como “A obra-prima desconhecida”, “Shagreen Skin”, “Eugenie Grande”, “Père Goriot”, “Cesar Birotteau”, “Lost Illusions”, “Cousin Betta” e muitos outros. O épico é uma imagem realista de alcance grandioso, refletindo a moral e as contradições da vida social da França. Balzac dota seus heróis de inteligência, talento e caráter forte. Suas obras são profundamente dramáticas, retratam o poder do “princípio do dinheiro”, desintegrando antigos laços patriarcais e familiares, atiçando as chamas das paixões egoístas.

O mestre do conto foi Prosper Merimee (1803-1870), um notável escritor realista. Seus contos são lacônicos, rígidos, elegantes. Apresentam personagens fortes e vibrantes, naturezas íntegras e capazes de sentimentos fortes - “Carmen” (que serviu de base para a ópera homônima de Bizet), “Columbo”, “Falcone”. Mesmo naqueles contos em que o escritor retrata heróis românticos e situações românticas, a ação não é transferida para um plano romântico, mas é dada uma motivação realista.

Merimee também escreveu peças. Uma das obras marcantes do escritor é a crônica “A Jacquerie”, que retrata o movimento camponês do século XIV. Ele escreveu o único grande romance, “A Crônica dos Tempos de Carlos IX”, que fala sobre a luta entre católicos e protestantes e os acontecimentos da Noite de São Bartolomeu. O autor desmascara a intolerância fanática.

Em conexão com a mudança na posição política da burguesia após a revolução de 1848 e a sua recusa em cooperar com a classe trabalhadora, um novo tipo de realismo crítico está emergindo na literatura francesa - os escritores recusam-se a criar imagens poderosas, e o o conceito de típico se reduz ao mais comum, ao ordinário. Em geral, a arte se aproxima ainda mais da vida.

O maior representante da nova etapa do realismo foi Gustave Flaubert (1821-1880). A atitude do escritor para com as camadas sociais da população era contraditória: ele odiou a burguesia durante toda a sua vida, tratou as massas com desprezo e considerou a atividade política inútil. Por isso, Flaubert convoca o artista a “entrar na torre de marfim” e servir a beleza. Apesar da insustentabilidade desta posição, Flaubert deu uma notável imagem crítica da vulgaridade burguesa, sem permanecer alheio à luta social. Uma das obras mais marcantes de Flaubert é o romance Madame Bovary. No centro do romance está a imagem de uma mulher de ambiente burguês. Criada pela literatura romântica, ela morre em colisão com a realidade burguesa. O romance “Educação dos Sentimentos” retrata a moral das províncias e de Paris, a insignificância moral da burguesia. Este romance desenvolve o tema de um jovem letárgico, inerte, incapaz de atividade ativa. Os romances “Salambo”, “A Lenda de São Julião, o Misericordioso” e “Heródias” foram escritos com base em temas históricos, nos quais a situação de épocas distantes foi restaurada com objetividade científica. O escritor alcançou uma precisão escrupulosa na reprodução de detalhes realistas, a profundidade da análise psicológica revelada através do monólogo interno.

Uma orientação antiburguesa e uma análise social aguçada também são características de Guy de Maupassant (1850-1893). Suas melhores obras são os romances “Vida”, “Querido Amigo”, “Mont-Ariol”, “Pierre e Jean”. Maupassant é um mestre do conto e do conto. O escritor procurou contrastar a verdade dos sentimentos naturais do homem com a miséria espiritual, a ganância do proprietário burguês e a sua moralidade enganosa.

2 Literatura da Inglaterra

O escritor escocês Walter Scott (1771-1832) aproximou-se dos românticos pelo seu interesse pela Idade Média. No início de sua carreira criativa, colecionou folclore escocês e escreveu poemas românticos. Sua prosa realista trouxe-lhe fama mundial.

Walter Scott é o criador do gênero romance histórico, combinando tendências românticas e realistas. A morte do clã escocês é retratada pelo escritor nos romances “Waverley” e “Rob Roy”. Os romances "Ivanhoe" e "Quentin Durward" pintam um retrato da Inglaterra e da França medievais. Os romances "Os Puritanos" e "A Lenda de Montrose" destacam a luta de classes que se desenrolou na Inglaterra nos séculos XVII-XVIII.

A obra de W. Scott é caracterizada por uma composição especial de romances, predeterminada por destacar a descrição da vida, modo de vida e costumes do próprio povo, e não de reis, generais e nobres. Ao mesmo tempo, retratando a vida privada, o escritor reproduz um quadro de acontecimentos históricos.

Um dos grandes artistas da literatura mundial é Charles Dickens (1812-1870), é o fundador e líder do realismo crítico na literatura inglesa, um notável satírico e humorista. Seu primeiro trabalho, “The Pickwick Club Notes”, retrata a Inglaterra ainda patriarcal. Rindo da boa índole, credulidade e ingenuidade de seu herói, Dickens simpatiza com ele, destacando seu altruísmo, honestidade e fé na bondade.

O romance seguinte, As Aventuras de Oliver Twist, retrata uma cidade capitalista com suas favelas e a vida dos pobres. O escritor, acreditando no triunfo da justiça, obriga seu herói a superar todos os obstáculos e alcançar a felicidade pessoal.

No entanto, as obras de Dickens estão repletas de drama profundo. O escritor apresentou toda uma galeria de portadores do mal social, que são representantes da classe burguesa. Este é o agiota Ralph Nickleby, o cruel professor Oquirs, o hipócrita Pecksniff, o misantropo Scrooge, o capitalista Bounderby. A maior conquista de Dickens é a imagem do Sr. Dombey (o romance Dombey and Son) - um homem por quem todos os sentimentos morreram, e sua complacência, estupidez, egoísmo e insensibilidade são geradas por pertencer ao mundo dos proprietários.

Qualidades de Dickens como otimismo indelével, humor brilhante e muito nacional, uma visão sóbria e realista da vida - tudo isso faz dele o maior escritor popular da Inglaterra depois de Shakespeare.

O contemporâneo de Dickens, William Thackeray (1811-1863), em seu melhor romance Vanity Fair, expõe de forma vívida e figurativa os vícios da sociedade burguesa. Nesta sociedade, cada um desempenha o papel que lhe foi atribuído. Thackeray não vê heróis positivos, ele tem apenas duas categorias de personagens - enganadores ou enganados. Mas o escritor busca a verdade psicológica e evita o grotesco e o exagero característicos de Dickens. Thackeray trata a elite nobre burguesa da sociedade com desprezo, mas é indiferente à vida das classes mais baixas. Ele é um pessimista, um cético.

No final do século XIX. A direção realista da literatura inglesa foi representada principalmente pelo trabalho de três escritores que ganharam fama mundial: John Galsworthy (1867-1933), George Bernard Shaw (1856-1950), Herbert George Wells (1866-1946).

Assim, D. Galsuori na trilogia “The Forsyte Saga” e “Modern Comedy” deu um quadro épico da moral da Inglaterra burguesa no final do século XIX e início do século XX. revelando o papel destrutivo da possessividade na vida pública e privada. Ele escreveu dramas. Exerceu o jornalismo, onde defendeu os princípios do realismo. Mas na trilogia Fim do Capítulo surgiram tendências conservadoras.

D. B. Shaw é um dos fundadores e primeiros membros da “Sociedade Fabian” socialista, criadora de discussões dramáticas, no centro das quais está o choque de ideologias hostis, uma solução intransigente para problemas sociais e éticos (“A Casa de um Viúvo ”, “A Profissão da Sra. Warren”, “O Carrinho de Maçã” ). O método criativo de Shaw é caracterizado pelo paradoxo como meio de derrubar o dogmatismo e o preconceito (Androcles e o Leão, Pigmalião), ideias tradicionais (peças históricas César e Cleópatra, Santa Joana).

Suas peças combinam comédia com aspectos políticos, filosóficos e polêmicos e visam influenciar a consciência social e as emoções do espectador. Bernard Shaw - ganhador do Prêmio Nobel em 1925. Foi um dos que saudou a Revolução de Outubro.

Shaw escreveu mais de 50 peças e se tornou o assunto da cidade como um homem espirituoso. Suas obras estão repletas de aforismos e permeadas de pensamentos sábios. Aqui está um deles:

Existem duas tragédias na vida. Uma é quando você não consegue alcançar o que deseja de todo o coração. A segunda é quando você consegue.

GD Wells é um clássico da literatura de ficção científica. Nos romances “A Máquina do Tempo”, “O Homem Invisível”, “Guerra dos Mundos” o escritor contou com os mais recentes conceitos científicos. O escritor conecta os problemas que as pessoas enfrentam em relação ao progresso científico e tecnológico com as previsões sociais e morais para o desenvolvimento da sociedade:

A história humana está se tornando cada vez mais uma disputa entre a educação e o desastre.

3 Literatura dos países escandinavos

No último terço do século XIX. A literatura dos países escandinavos adquire ressonância global. Estas são principalmente as obras dos escritores noruegueses Henrik Ibsen (1828-1906), Bjornstjorn Martinius Bjornson (1832-1910), Knut Hamsun (1859-1952).

Em seus dramas nitidamente satíricos "A Doll's House" ("Nora"), "Ghosts", "Enemy of the People", G. Ibsen apelou à emancipação da personalidade humana da moralidade burguesa hipócrita. Suas obras são uma das maiores conquistas do drama realista da Europa Ocidental.

O fundador do drama norueguês e do realismo crítico é B.M. Bjornson (ganhador do Prêmio Nobel em 1903). Ele refletiu suas visões socialmente críticas nos dramas “Bankruptcy”, “Beyond Our Strength” e na poesia.

K. Hamsun é o autor dos romances psicológicos “Fome”, “Mistérios”, “Victoria”, que retratam a rebelião do indivíduo contra o ambiente filisteu. O trabalho de um agricultor foi glorificado por ele na peça “Os Sucos da Terra”, pela qual Hamsun recebeu o Prémio Nobel em 1920. O ódio de Hamsun pelo sistema capitalista levou ao seu fascínio pelas ideias nazis. A peça “Às Portas do Reino” reflete tendências antidemocráticas. Ele foi condenado por colaborar com os nazistas durante a Segunda Guerra Mundial.

4 arte musical

Na Itália do século XIX. Nas condições da reação política, a ópera revelou-se o gênero mais popular e democrático da arte teatral. O auge do realismo na ópera musical do século XIX. - a obra do grande compositor italiano Giuseppe Verdi (1813-1901), intimamente associado ao movimento de libertação italiano ("Nabucco", "Lombardos na Primeira Cruzada"). Em obras operísticas como Ernani, Macbeth e A Batalha de Legnano, é expresso um protesto contra toda a violência e opressão. As apresentações das óperas de Verdi, imbuídas das ideias da luta pela libertação e unificação da Itália, foram acompanhadas por tempestuosas manifestações patrióticas.

Os problemas de desigualdade social são o conteúdo das óperas "Luisa Miller", "Rigoletto", "Il Trovatore", "La Traviata" de Verdi, que expressam o lado lírico da obra do grande maestro. O tema histórico-heróico é incorporado de forma realista nas óperas “Vésperas Sicilianas”, “Ballo in Masquerade”, “Força do Destino”, “Don Carlos”.

Obras-primas do realismo operístico são as óperas Aida, Otelo e Falstaff de Verdi. São dramas musicais com desenvolvimento contínuo de ação. As cenas são construídas livremente, com uma transição flexível do recitativo para o monólogo, do solo para o conjunto. Um lugar importante é dado à orquestra. Verdi tem uma fusão completa de música com ação dramática. A democracia e a profunda humanidade da obra de Verdi trouxeram-lhe grande popularidade. Suas óperas estão constantemente no repertório de casas de ópera de todo o mundo.

As óperas italianas deram vida a novos princípios de performance vocal e cênica: expressividade dramática do canto, habilidade de atuação do cantor, precisão histórica de cenários e figurinos. Vocalistas notáveis, representantes do bel canto com fama mundial foram os cantores A. Patti, G. Pasta, I. Colbran e outros, os cantores M. Battistini, F. Galli e outros.

No mesmo período, uma nova direção apareceu no opera - verismo (verismo italiano, de vero - verdadeiro, verdadeiro). Seus representantes são os compositores R. Leoncavallo (1857-1919), P. Mascagni (1863-1945), W. Giordano (1867-1948), G. Puccini (1858-1924). As obras desses mestres baseiam-se em histórias realistas; um verdadeiro reflexo do mundo espiritual das pessoas comuns; música emocionalmente expressiva, falta de uma ideia social elevada. Um certo estilo de atuação também se desenvolveu - expressão exagerada, tensão sentimental, drama agudo. As melhores obras dessa direção são "Honra Rural" de Mascagni e "Pagliacci" de Leoncavallo. Graças à profundidade psicológica, a obra de G. Puccini, que escreveu “La Bohème”, “Tosca”, “Cio-chio-san”, supera as fronteiras do verismo.

Na França, desenvolveu-se a ópera lírica, que difere da grande ópera por seus temas mais íntimos e enredos emprestados da literatura clássica. São as óperas "Manon" e "Werther" de J. Massenet, "Fausto" e "Romeu e Julieta" de C. Gounod, "Hamlet" de A. Thomas e outros.Óperas líricas foram criadas sobre temas orientais exóticos. Estes são “Lakmé” de L. Delibes, “The Pearl Fishers” e “Djamile” de J. Bizet, “Samson and Dolila” de C. Saint-Saens. As óperas líricas incorporam de forma verdadeira e sutil as experiências humanas. A representação da vida cotidiana é caracterizada pela poesia. A linguagem musical destas óperas é democrática e próxima do folclore urbano.

A ópera "Carmen" de J. Bizet é reconhecida como o auge do realismo na ópera francesa. O trabalho de Bizet é caracterizado pelo refinamento das formas e pela clareza de apresentação. Os heróis da ópera são pessoas simples com personagens fortes e contraditórios. Esta ópera incorpora o sabor musical nacional espanhol. Ele contém um intenso curso de eventos dramáticos e uma variedade de cenas folclóricas. Esta é uma das óperas mais populares do mundo. PI Tchaikovsky reconheceu-o como “uma obra-prima no sentido pleno da palavra”.

Meados do século 19 tornou-se a época do nascimento de um novo gênero musical - a opereta - ópera leve, incluindo dança e diálogo (derivado da ópera cômica). O berço da opereta é a França, e seus fundadores são os compositores F. Herve e J. Offenbach.

O compositor, organista, cantor e libretista F. Herve (1825-1892) parodiou as formas tradicionais da ópera em muitas obras. Escreveu as operetas "Little Faust" e "Mademoiselle Nitouche".

O compositor, maestro e violoncelista J. Offenbach (1819-1880) trouxe fama mundial às operetas “Orfeu no Inferno”, “A Bela Helena”, “Vida Parisiense”, “Pericola”, etc. -sociedade aristocrática. A música de Offenbach é elegante, caracterizada por uma melodia lúdica e picante: ritmos de dança ardentes. A ópera "Os Contos de Hoffmann" está imbuída de lirismo e romance. A obra de Offenbach determinou o desenvolvimento não só da opereta francesa, mas também a formação deste gênero em outros países.

As operetas dos compositores franceses “Madame Ango’s Daughter”, “Girofle-Girofle” de C. Lecoq e “The Bells of Corneville” de R. Plunket ainda são populares em muitos países.

Na Áustria no início do século XIX. Junto com Viena, Salzburgo, Seisenstadt, Esterhasa e outros tornaram-se centros musicais.A Ópera da Corte de Viena foi inaugurada em 1869, este teatro tornou-se o principal teatro musical do país. Seu repertório foi dominado por óperas francesas e italianas. No último terço do século XIX. A opereta vienense se desenvolveu. Seus fundadores:

F. Suppe (1819-1895), que escreveu "Beautiful Galatea", "Boccaccio" e uma de suas melhores operetas - "Donna Juanita"; I. Strauss (filho) (1825-1849) - suas melhores criações “O Barão Cigano”, “O Morcego”, etc. Um grande compositor deste gênero é K. Milleker (1842-1899) - autor das operetas “O Estudante Mendigo”, “Gasparon” ", "Pobre Jonathan."

As obras desses compositores utilizam amplamente melodias folclóricas, ritmos de dança e as operetas se distinguem pela melodia.

As valsas vienenses ("Danúbio Azul", "Contos dos Bosques de Viena", etc.) também trouxeram fama mundial a I. Strauss, graças à qual recebeu o nome de "Rei das Valsas".

K. Zeller (1842-1898), autor das operetas “O Vendedor de Pássaros” e “Martin, o Mineiro”, também trabalhou no gênero opereta.

Apesar de ser para a obra de compositores ingleses do século XIX. Em geral, caracterizada pela ausência de um caráter nacional claramente definido, a cultura da ópera na Inglaterra cresceu rapidamente. O Covent Garden Theatre era o maior da Inglaterra e recebia apresentações da Ópera Real Italiana.

Em 1856 foi fundada a Royal English Opera. No final do século XIX. Começou um período que ficou na história com o nome de Renascimento musical inglês - aumenta o interesse dos compositores pelos temas nacionais.

Nos anos 60-70, as operetas francesas eram encenadas nos palcos dos teatros ingleses, depois surgiram as operetas inglesas. O criador da opereta nacional inglesa é o compositor A. Sullivan (1842-1900). Em colaboração com W. Gilbert, escreveu as operetas "Avental", "Piratas de Penzas", "O Mikado", "Paciência" e outras.

5 Belas artes

Neste tipo de arte, a principal característica do realismo é a compreensão do caráter social do homem. No entanto, na pintura o realismo está mais intimamente associado aos meios visuais que criam a ilusão de autenticidade visual do que na literatura.

A tendência realista da pintura francesa reforçou a sua posição em meados do século XIX. após a revolução de 1848. Na história da arte francesa, nunca a luta entre dois campos, duas culturas artísticas fundamentalmente opostas, foi tão intensa como durante este período. As melhores características do povo francês e sua arte avançada foram incorporadas por artistas como Millet, Courbet, Manet e Carnot. Eles não foram autorizados a assistir a exposições e foram perseguidos em jornais e revistas. Eles foram combatidos por uma massa de negociantes de arte, favoritos de Napoleão III e de toda a burguesia reacionária do Segundo Império.

JF Millet (1814-1875) em suas pinturas épicas monumentais cheias de verdades da vida mostrou o campesinato francês, seu trabalho, sua força moral ("The Ear Pickers", "Angelus").

Gustave Courbet (1819-1877) em “The Stone Crusher” e “The Knitters” mostrou a dignidade calma e confiante dos trabalhadores, e em “Funeral at Ornans” - o significado da vida cotidiana, embora tenha começado com imagens romanticamente excitadas (“Retrato de Chopin”). O seu trabalho é uma luta pelas ideias democráticas, pelos princípios do realismo, pela arte verdadeira, pela proximidade da arte com a vida. As obras de Courbet distinguem-se pelas suas formas estáticas e rica cor tonal. Ele foi o primeiro a usar a palavra “realismo” em relação à pintura. Courbet deu às cenas de gênero um significado monumental que antes só era permitido na pintura histórica.

Millet e Courbet tornaram-se os precursores do impressionismo.

As obras de Edouard Manet (1832-1883) são dedicadas a Paris. Ele é um dos coloristas brilhantes do mundo da arte. Nas suas pinturas, com espantosa vigilância e frescura, transmite-se uma verdadeira caracterização de todos os tipos de habitantes de Paris ("Café da Manhã no Estúdio", "Leitura", "No Barco", "Nana"), que transmitem até hoje o aparecimento da França daquela época. Embora Manet em suas primeiras pinturas tenha tentado repensar as imagens e temas dos antigos mestres no espírito da modernidade ("Almoço na Grama", "Olympia"), ele começou a criar pinturas sobre temas cotidianos, históricos e revolucionários. A página mais forte da história do realismo crítico francês é a sua última pintura, “Bar no Folies Bergere”, sobre a solidão da existência humana. Antecipando o impressionismo, ele se voltou para a pintura light plein air (“Argenteuil”).

A pintura inglesa floresceu no século XIX. para o primeiro terço do século. Está associado ao desenvolvimento de uma brilhante pintura de paisagem.

Um dos artistas mais originais de sua época foi William Turner (1775-1851). Ele viajou extensivamente pela Europa e suas paisagens assumiram um toque romântico (“Naufrágio”). Ousadas nas buscas pelas cores e pela luz, com uma escala distorcida de objetos, suas pinturas são, por assim dizer, antecessoras do impressionismo (“Chuva, Vapor e Velocidade”). Também ficou famoso como pintor histórico, que criou paisagens com cenas mitológicas ou históricas ("Jardim das Hespérides", "Edifício Dido de Cartago", etc.).

A arte de John Constable (1776-1837), um dos maiores artistas ingleses, era profundamente realista. Sua arte é verdadeira, democrática, semelhante ao lirismo humanístico da natureza. Ele introduziu pela primeira vez o uso de pintores do século XIX. esboços. O orvalho da manhã, o calor do meio-dia, a grama verde úmida, a harmonia mais sutil dos tons outonais, o frescor radiante do verão - tudo isso se reflete poeticamente em suas paisagens. Ele retrata encostas de argila, terrenos baldios cobertos de urze, troncos podres, tocos na margem sombreada de um rio, prados aquáticos e uma nuvem flutuando alto no céu. O artista glorificou o homem e seu trabalho criativo.

Seus melhores trabalhos são “Hay Wagon Crossing a Ford”, “Jumping Horse”, “Field of Grain”, “Weymouth Bay”, etc. J. Constable desempenhou um papel importante no desenvolvimento da pintura plein air europeia.

6 obras de F. Goya

Após a morte de Velázquez em 1660, a arte espanhola esteve em profundo declínio durante cem anos. E só no final do século XVIII - início do século XIX. A atrasada Espanha produziu inesperadamente um artista brilhante que se tornou não apenas um dos maiores pintores e artistas gráficos da Espanha, mas também teve uma influência profunda em toda a arte europeia dos séculos XIX e XX - Francisco Goya (1746-1828). Ele criou um grande número de belos afrescos, pinturas, águas-fortes, litografias e desenhos.

O artista começou com esboços multicoloridos e festivos para a Royal Tapestry Manufactory nos anos 90. Século XVIII ele se transformou em um artista expressivo e profundamente trágico. No início do século XIX. Goya chegou a uma consciência distinta e clara de suas simpatias e antipatias sociais e a uma formulação profunda de questões filosóficas da luta entre o bem e o mal. Ele tomou incondicionalmente o lado do povo que lutou contra a intervenção napoleônica ("Execução dos Rebeldes", uma série de gravuras "Desastres da Guerra"). Durante estes anos, criou obras inspiradas e realistas que glorificam o povo espanhol ("A Forja", "A Rapariga com um Jarro"). Goya pintou pinturas cheias de ironia maligna e acusatória ("A Família do Rei Carlos IV") e glorificando a beleza, a saúde e a força moral do povo espanhol ("Mulher com lenço amarelo", "Maja vestida", "Maja nua "). O magnífico retrato de “Isabel Cobos de Porcel” representa uma mulher cheia de fogo, força interior, independência e um sentido de elevada dignidade. Este não é apenas um tipo clássico de beleza espanhola nacional, mas também um caráter profundamente individual.

A obra de Goya está imbuída de um espírito verdadeiramente nacional, mas ao mesmo tempo difere das obras dos seus contemporâneos. Seu trabalho retrata sua época com inspiração, e muitas vezes ele recorreu a alegorias ou imagens fantásticas complexas. Ele criou a famosa série de gravuras “Caprichos” (isto é, um capricho, um jogo de fantasia) - em 80 folhas, um mundo terrível de monstros e aberrações aparece diante do espectador. A afiada sátira social do artista é dirigida contra a ilegalidade, a superstição, a ignorância e a estupidez. Estas gravuras contêm uma acusação contra a igreja, a nobreza e os governantes. A linguagem artística de "Caprichos" combinou caprichosamente o grotesco e a realidade, a sátira afiada e a análise perspicaz da realidade.

Durante o período de estabelecimento do realismo na arte teatral francesa, o realismo crítico começou a se desenvolver e a predileção dos românticos por mostrar apenas personalidades excepcionais começou a ser superada. O ator Frederic Lemaitre criou um tipo social que, na percepção de seus contemporâneos, tornou-se um símbolo da Monarquia burguesa de Julho.

Às vésperas da revolução de 1848, voltou a ouvir-se o tema heróico, que foi veiculado em sua obra, como se observa, pela grande atriz trágica Eliza Rachel. Mas depois da revolução, o repertório teatral sofreu novamente um revés e as tendências protectoras e apologéticas burguesas intensificaram-se.

Durante a Comuna de Paris, o governo tentou transformar o teatro num meio de educação pública, mas após a sua derrota, o teatro francês empobreceu ideologicamente. E na obra dos principais atores trágicos do teatro da Comédie Française, os traços acadêmicos passaram a predominar. A destacada atriz francesa Sarah Bernhardt (1844-1923) estreou na Comedie Française em 1862. Seu repertório incluía papéis de heroínas trágicas do repertório clássico e moderno: Fedra, Andrômaca (peças de Racine), Zaira (peça de Voltaire ), Desdêmona, Doña Salt (Hernani de Hugo). Um dos melhores papéis da atriz é Margarita Gautier na peça “A Dama das Camélias”, de A. Dumas, o Filho. A arte de Bernard era um exemplo de perfeição técnica; ela tinha uma bela voz, dicção refinada e plasticidade.

No início do século XIX. A arte classicista preparou a formação do estilo trágico italiano, desenvolvido a partir dos repertórios revolucionários românticos e shakespearianos. O herói romântico do teatro italiano estava cheio de deveres cívicos e do desejo de servir abnegadamente à sua pátria. Trágicos famosos foram os atores E. Rossi, T. Salvini (1820-1915), a atriz A. Ristori. A principal característica desta direção da escola de palco italiana é a criação de personagens fortes, obstinados e autenticidade psicológica. O talento desses atores foi revelado com particular força nas peças de Shakespeare. A arte desses atores no desenvolvimento do teatro da Europa Ocidental durou uma época inteira.

Em 1843, o monopólio dos teatros Drury Lane e Covent Garden foi abolido na Inglaterra. Isso possibilitou que todos os outros teatros apresentassem peças de qualquer gênero. Vários novos edifícios de teatro foram construídos em Londres.

No final do século XIX. A dramaturgia realista europeia, em particular a dramaturgia de Ibsen, tem uma influência significativa no teatro inglês. A dramaturgia de B. Shaw, D. Galsworthy, G. Ibsen foi promovida pelo novo “Teatro Independente”, “Teatro do Novo Século”, “Sociedade de Teatro Literário”, “Old Vic”, etc.

Na Alemanha politicamente fragmentada, a vida teatral concentrava-se em pequenas cidades, nas quais os teatros da corte apresentavam repertório clássico.

A abolição dos monopólios dos teatros da corte em 1869 levou ao surgimento de muitos teatros comerciais e à diminuição do nível artístico do repertório. A luta pela criação de performances como uma obra de palco único começou no Teatro Meiningen, que se tornou o teatro da cidade em 1871. Os maiores atores da Alemanha em meados e finais do século XIX. havia B. Davison, A. Mashkovsky, E. Possart.

Os grandes trágicos I. Kainz e A. Zorma brilharam nas peças de G. Ibsen e G. Hauptmann.

Na virada do século, Berlim tornou-se o centro teatral da Alemanha. Em 1883 foi inaugurado o Teatro Alemão, em 1889 - o Teatro Livre, que promoveu a dramaturgia de Ibsen, Hauptmann, E. Zola, L. Tolstoy.

No início do século XIX. A vida teatral da Áustria foi marcada por um grande florescimento criativo dos teatros dos subúrbios, que esteve associado às atividades do dramaturgo F. Raymond e do ator I.N. Nestroya. No entanto, após a revolução de 1848, estes teatros perderam o seu carácter democrático e o seu repertório foi dominado por peças de entretenimento.

Na segunda metade do século XIX. O Teatro Burg ocupou um lugar de destaque na vida teatral da Áustria. Seu diretor, G. Laube, estabeleceu os clássicos no palco. Nos anos 70-80. O teatro foi dirigido por F. Dilgenstedt, que encenou um ciclo de tragédias shakespearianas, peças de Ibsen, Gogol, Turgenev, L. Tolstoy.

O berço do balé europeu moderno é a Itália. O balé italiano foi baseado nas tradições da pantomima e da dança antigas e na rica cultura da dança folclórica. Na virada dos séculos XVIII-XIX. Iniciou-se uma nova etapa no desenvolvimento do balé italiano, coincidindo com o período da luta de libertação do povo italiano. As apresentações foram criadas com base no princípio do balé eficaz, rico em dramaturgia, dinâmica e expressão. Esses balés foram encenados por G. Joey e S. Vigano, e neles dançarinos de pantomima se apresentaram.

O teatro La Scala foi considerado o maior centro de balé da Europa, em 1813 foi criada uma escola de balé no teatro.

Na segunda metade do século XIX. na Itália, como em outros países da Europa Ocidental, houve um declínio na arte do balé. Nessa época, um estilo virtuoso de atuação foi estabelecido. A atenção está voltada para a superação das dificuldades técnicas e a expressividade dramática é relegada a segundo plano. Na década de 80 do século XIX. Foram encenadas performances em sua maioria encantadoras, caracterizadas pelo incômodo e, via de regra, desprovidas de conteúdo ideológico. No entanto, os graduados da escola de balé La Scala no final do século, C. Brianza, P. Legnani, V. Zucchi, tornaram-se famosos não apenas por sua técnica mais elevada, mas também por seu notável talento dramático. Foi Pierina Legnani a primeira no mundo a realizar 32 fouettés. Aluno da escola La Scala, E. Cecchetti tornou-se um famoso dançarino-professor, com quem a incomparável Anna Pavlova posteriormente aprimoraria suas habilidades de dança.

5. Novos rumos da cultura da Europa Ocidental no final do século XIX.

Na segunda metade do século XIX. Na Europa Ocidental, a França torna-se o centro cultural, a democracia burguesa é estabelecida e aparecem as primeiras características da consciência de massa emergente. A concentração de residentes nas cidades é acompanhada pela dinamização da vida associada ao desenvolvimento da indústria, dos transportes, das comunicações, à aceleração do ritmo da evolução social e do progresso científico.

O fluxo de informação aumentou acentuadamente, o que levou a tentativas de criar um sistema de informação global. Ainda não existia rádio nem televisão, mas o telégrafo elétrico já havia aproximado pontos distantes do globo, e a crescente circulação de jornais contribuiu para uma maior divulgação de informações.

As ciências sociais e as humanidades foram forçadas a levar em conta o fator massa. Distribuição e consumo de arte desde meados do século XIX. Distingue-se principalmente pela sua crescente democratização. A literatura assumiu a liderança, a publicação está se desenvolvendo, muitas revistas novas aparecem com tiragens sem precedentes.

Já na época anterior houve uma diferenciação de funções na atividade criativa: além dos artistas, surgiu um corpo especial de intermediários - editores, negociantes de arte, empresários, etc. O empresário procurou agradar a todos os gostos, por isso foi incentivada a criação de produtos de baixa qualidade e pseudoartísticos. Foi no século XIX. a cultura de massa começa com todas as suas contradições e vícios.

A partir do realismo e do romantismo, surgem novas teorias artísticas e estéticas que ganharam mais ou menos popularidade. A sucessora de algumas tradições românticas foi a “Irmandade Pré-Rafaelita” que surgiu na Inglaterra em 1842 - uma sociedade de poetas e artistas: o poeta e pintor D.P. Rosseti (1828-1882), poetisa K. Rosseti (1830-1879), pintores Des.E. Millais (1842-1896) e E. Burne-Jones (1821-1878), artista, designer, escritor W. Morris (1834-1896). Os pré-rafaelitas combinaram a sua rejeição da civilização moderna com a idealização da Idade Média e do início da Renascença, e com as exigências da estetização da vida. Eles procuraram reviver a "religiosidade ingênua" na arte. As ideias dos pré-rafaelitas posteriormente influenciaram amplamente o desenvolvimento do simbolismo na literatura inglesa (O. Wilde), o estilo Art Nouveau nas artes plásticas e decorativas.

1 Simbolismo

Como uma nova direção na arte, o simbolismo surgiu na Europa no final do século XIX e início do século XX. Os representantes mais proeminentes do simbolismo francês foram os poetas Paul Verlaine (1844-1896), Stéphane Mallarmé (1842-1898), Arthur Rimbaud (1854-1891) e outros.

P. Verlaine (coleções de poemas “Celebrações Galantes”, “Romances Sem Palavras”, “Sabedoria”) introduziu um mundo complexo de sentimentos e experiências na poesia lírica e deu ao verso uma musicalidade sutil.

A obra de O. Mallarmé é caracterizada por uma sintaxe complicada, inversões e o desejo de transmitir o “supersensível”. Isso pode ser visto claramente nos fragmentos dramáticos de “Heródias” e na coleção “Poemas”.

Uma das principais figuras da poesia francesa é A. Rimbaud, autor dos livros de poesia e prosa “Através do Inferno” e “Iluminação”, imbuídos de ilogicidade, pensamentos “fraturados”, antiburguesismo e pathos profético:

O próprio poeta se torna suscetível - por meio de uma longa, exaustiva e cuidadosamente pensada desordem de todos os sentidos.

O simbolismo se difundiu em outros países: na Alemanha - nas obras de Stefan George (1868-1933), na Áustria - Hugo Hofmannsthal (1874-1923) e Rainer Maria Rilke (1875-1926), na Bélgica - Maurice Maeterlinck (1862- 1949)), Georges Rodenbach (1855-1898).

S. Gheorghe defendeu o culto à “arte pura” e o seu papel messiânico nas coleções “O Sétimo Anel” e “A Estrela da União”. Ele foi influenciado por F. Nietzsche (coleção "Novo Reino").

As letras e a dramaturgia de G. Hofmannsthal ("Every Person") estão imbuídas de simbolismo.

O tema principal da obra de Rilke é o desejo de superar a solidão através do amor pelas pessoas e da fusão com a natureza. Suas obras (“Livro de Imagens”, “Livro de Horas”) combinam simbolismo filosófico, musicalidade e plasticidade. O romance diário "Notas de Malte Laurids Brigge" antecipa a prosa existencialista.

M. Maeterlinck expressou seu protesto contra a mundanidade do naturalismo em sua poética simbolista. É autor das peças "Irmã Beatrice", "Monna Vanna", "Blue Bird". Maeterlinck - ganhador do Prêmio Nobel de 1911

A obra do maior poeta simbolista J. Rodenbach, autor dos romances simbolistas "Dead Bruges" e "The Bell Ringer", é de natureza religiosa e mística.

Os simbolistas, concentrando sua atenção na expressão artística através de símbolos de “coisas em si” e ideias que estão além da percepção sensorial humana, procuraram romper a realidade visível para “realidades ocultas”, a essência ideal supertemporal do mundo, seu “imperecível”. beleza. Aqui as principais tendências da arte moderna já se manifestaram claramente - anseio por liberdade espiritual, uma trágica premonição de catástrofes sociais, desconfiança em valores culturais e espirituais milenares, misticismo.

O doloroso declínio da civilização é óbvio, indiscutível para o notável poeta francês Charles Baudelaire (1821-1867). Ele é um prenúncio do simbolismo francês. Seu livro principal recebeu um título provocativo, mas que corresponde exatamente à condensada visão trágica do mundo - “Flores do Mal”. Isto é ódio ao mundo burguês, rebelião anárquica, desejo de harmonia. O poeta combina esses sentimentos com o reconhecimento da intransponibilidade do mal:

Os verdadeiros viajantes são aqueles que partem em viagem, deixando o passado para trás.

2 Naturalismo

Uma transformação específica do final do século XIX ocorre com a tradição realista – a degeneração do realismo em naturalismo.

Os defensores dessa direção partiram da ideia da completa predeterminação do destino, da vontade e do mundo espiritual de uma pessoa pelo ambiente social, pela vida cotidiana, pela hereditariedade e pela fisiologia. Na década de 80 do século XIX. o naturalismo se torna um movimento influente na literatura francesa. O representante e teórico mais proeminente deste movimento é Emile Zola (1840-1902). Em sua obra principal - a série de romances de vinte volumes "Rugon-Macquart" Zola pintou um amplo panorama da sociedade francesa, abrangendo a vida de todos os segmentos da população do país. Em seus melhores romances, “A Barriga de Paris”, “A Armadilha”, “Germinal”, “Dinheiro” e “Derrota”, o escritor retratou as contradições sociais com grande força realista. No entanto, a ideia das leis da sociedade como leis biológicas limitava o seu realismo.

Outros representantes famosos do naturalismo na literatura foram: os irmãos franceses Edmond (1822-1896) e Jules (1830-1876) Goncourt, os alemães Arnaud Holtz (1863-1929), Gerhart Hauptmann (1862-1946), o belga Camille Lemonnier ( 1844-1919).

Nos romances dos irmãos Goncourt ("Germinie Lacerte", "Rene Mauprin") a vida de diferentes camadas da sociedade é mostrada através de métodos realistas e naturalistas. Em 1879, após a morte de seu irmão, Edmond Goncourt escreveu o conto “Os Irmãos Zemgano”. Por vontade de Edmond Goncourt, foi fundada a Academia Goncourt (1903), que atribui anualmente um prémio ao melhor romance do ano em França.

Arno Holtz - teórico naturalista. Publicou uma coleção de poemas, “The Book of Time”, bem como, junto com I. Schlaf, uma coleção de contos, “Papa Gamley”, e um drama, “The Zelike Family”.

O fundador do naturalismo alemão, G. Hauptmann, autor dos dramas "Before Sunrise", "Rose Bernd", "Before Sunset", da comédia "Beaver Coat", em que a crítica social convive com a absolutização das leis biológicas, simbolismo (drama de conto de fadas "The Sunken Bell" "). Mais tarde, tendências místicas apareceram em sua obra. Ele é o autor do drama "The Weavers" sobre a revolta polonesa dos tecelões da Silésia. Vencedor do Prêmio Nobel de 1912

O movimento naturalista na arte foi heterogêneo. Juntamente com características realistas e democráticas, dominavam frequentemente tendências de decadência, com a sua inerente desesperança, imoralismo e perda de espírito.

3 Impressionismo

Sob a influência de representantes da pintura do realismo crítico (Courbet, Daumier), surgiu uma nova direção na arte - o impressionismo (da impressão francesa - impressão). As atitudes estéticas desta direção caracterizaram-se pelo desejo de combinar tarefas cognitivas com a busca de novas formas de expressão do mundo subjetivo único do artista, de transmitir as próprias percepções fugazes e de capturar o mundo real em toda a sua variabilidade e mobilidade. A sua história é relativamente curta - apenas 12 anos (da primeira exposição de pinturas em 1874 à oitava em 1886).

O impressionismo está representado nas obras de artistas como Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Degas, Camille Pissarro e outros, que se uniram para lutar pela renovação da arte contra o academicismo oficial na criatividade artística. Após a realização da oitava exposição, em 1886, esses grupos se desfizeram, esgotando as possibilidades de desenvolvimento em uma única direção na pintura.

Claude Monet (1840-1926) é um importante representante do impressionismo, autor de paisagens de cores sutis, cheias de luz e ar. Nas séries de telas “Palheiros” e “Catedral de Rouen”, procurou captar estados fugazes e instantâneos do ambiente luz-ar em diferentes momentos do dia. Do nome da paisagem de Monet "Impressão. Sol Nascente" veio o nome do movimento - impressionismo. Num período posterior, traços de decorativismo apareceram na obra de C. Monet.

Camille Pissarro (1830-1903) - representante do impressionismo, autora de paisagens leves e de cores puras (“Terreno Arado”). Suas pinturas são caracterizadas por uma paleta suave e contida. No final do seu trabalho voltou-se para a imagem da cidade - Rouen, Paris ("Boulevard Montmartre", "Opera Passage in Paris"). Na segunda metade da década de 80. influenciado pelo neo-impressionismo. Também funcionou como um cronograma.

A caligrafia criativa de Edgar Degas (1834-1917) é caracterizada pela observação impecavelmente precisa, pelo desenho mais rigoroso, pelas cores brilhantes e primorosamente belas. Tornou-se famoso por sua composição angular livremente assimétrica, conhecimento de expressões faciais, poses e gestos de pessoas de diferentes profissões e características psicológicas precisas: “Dançarinos Azuis”, “Estrela”, “Banheiro”, “Passadeiras”, “Descanso dos Dançarinos”. ”. Degas é um maravilhoso mestre do retrato. Sob a influência de E. Manet, ele mudou para o gênero cotidiano, retratando a multidão de rua parisiense, restaurantes, corridas de cavalos, bailarinos, lavadeiras e a grosseria da burguesia presunçosa. Se as obras de Manet são brilhantes e alegres, em Degas elas são coloridas de tristeza e pessimismo.

Pierre Auguste Renoir (1841-1919), juntamente com C. Monet e A. Sisley, criaram o núcleo do movimento impressionista. Durante este período, Renoir trabalhou para desenvolver um estilo artístico vivo e colorido com uma "pincelada suave" (conhecido como estilo arco-íris de Renoir); cria muitos nus sensuais (“Banhistas”). Na década de 80, ele gravitou cada vez mais em torno da clareza clássica das imagens em seu trabalho. Acima de tudo, Renoir adorava pintar imagens infantis e juvenis e cenas pacíficas da vida parisiense ("Guarda-chuvas", "Moulin de la Galette", "J. Samary"). A sua obra é caracterizada por paisagens e retratos leves e transparentes que glorificam a beleza sensual e a alegria de ser. Mas Renoir tem a seguinte ideia."

Há quarenta anos tenho viajado para descobrir que o preto é a rainha de todas as cores.

A obra de Henri Toulouse-Lautrec (1864-1901) também está intimamente relacionada ao impressionismo. Trabalhou em Paris, onde pintou dançarinas, cantoras e prostitutas de cabaré em seu estilo próprio, caracterizado por cores vivas, composição ousada e técnica brilhante. Seus cartazes litográficos tiveram grande sucesso.

O impressionismo pode ser visto de forma muito mais ampla - como um estilo em que não existe uma forma claramente definida, o assunto é capturado em traços fragmentários que capturam instantaneamente cada momento, revelando, no entanto, uma unidade e conexão ocultas. Neste sentido mais amplo, o impressionismo manifestou-se não só na pintura, mas também em outras formas de arte, em particular, na escultura.

Assim, o grande escultor francês Auguste Rodin (1840-1917) foi contemporâneo e aliado dos impressionistas. A sua arte dramática, apaixonada e heroicamente sublime glorifica a beleza e a nobreza do homem, é permeada de impulso emocional (o grupo “Kiss”, “Thinker”, etc.) É caracterizado pela coragem das buscas realistas, pela vitalidade das imagens e modelagem pictórica energética. A escultura tem uma forma fluida, adquirindo um caráter aparentemente inacabado, o que torna sua obra semelhante ao impressionismo e ao mesmo tempo permite criar a impressão do nascimento doloroso de formas a partir de matéria amorfa elementar. O escultor combinou estas qualidades com um design dramático e um desejo de reflexão filosófica (“A Idade do Bronze”, “Cidadãos de Calais”). O artista Claude Monet o chamou de “o maior dos grandes”. Rodin escreveu:

A escultura é a arte das reentrâncias e convexidades.

No século 19 criado por escultores famosos como François Rud (1784-1855) - o criador do baixo-relevo "Marseillaise" no Arco do Triunfo em Paris, representando a figura da Liberdade liderando os revolucionários; animalista Bari; mestre do retrato escultural realista Dolu.

Mas só Rodin introduziu algo novo na arte plástica da modelagem, ampliou seu alcance e enriqueceu a linguagem. Os bustos de Rodin são caracterizados pela nitidez e integridade na transmissão do caráter da pessoa retratada, seu mundo interior ("J. Dolu", "A. Rochefort"). A obra de Rodin foi inovadora, fecunda, deu impulso à busca artística de muitos mestres da escultura europeia do século XX.

A influência do impressionismo pode ser encontrada nas obras de muitos escritores, artistas, compositores que representam vários métodos criativos, em particular, os irmãos Goncourt, K. Hamsun, R.M. Rilke, E. Zola, Guy de Maupassant, M. Ravel, C. Debussy e outros.

Claude Debussy (1862-1918) - fundador do impressionismo musical. Ele incorporou na música impressões fugazes, os matizes mais sutis das emoções humanas e dos fenômenos naturais. Os contemporâneos consideraram o prelúdio de “A Tarde de um Fauno” uma espécie de manifesto do impressionismo musical. Aqui se manifestaram a instabilidade de humor, sofisticação, sofisticação, melodia caprichosa e harmonia colorida. Uma das obras mais significativas de Debussy é a ópera "Pelléas et Mélisande" baseada no drama de M. Maeterlinck. O compositor cria a essência de um texto poético obscuro e simbolicamente nebuloso. A maior obra sinfônica de Debussy são os três esquetes sinfônicos "O Mar". Nos anos seguintes, características do neoclassicismo apareceram nas obras de Debussy.

O compositor e pianista francês Maurice Ravel (1875-1937) continuou e desenvolveu a busca de Debussy pela música impressionista.

Suas obras são caracterizadas pela sensualidade, harmonia exótica e magníficos efeitos orquestrais (balé "Daphnis e Chloe", bolero para orquestra).

4 Pós-Impressionismo

As principais características do impressionismo foram desenvolvidas no pós-impressionismo. Representantes proeminentes desta tendência foram os artistas P. Cezanne, V. Van Gogh, P. Gauguin. Eles começaram a trabalhar simultaneamente com os impressionistas e foram influenciados por eles em seu trabalho. Cada um deles, porém, representou uma individualidade brilhante e deixou uma marca profunda na arte.

Assim, Paul Cézanne (1839-1906) em seus primeiros trabalhos voltou-se para as técnicas de pintura dos antigos mestres (“Orgia”), depois foi influenciado por G. Courbet (“O Fogão no Estúdio”). Desde os anos 70 O sistema pictórico próprio de Cézanne foi tomando forma, atingindo a maturidade no final dos anos 80. Foi nessa época que Cézanne se afastou do impressionismo. Procurou cuidadosamente não a variabilidade das cores, mas sim padrões estruturais estáveis, desprovidos de insignificância, o equilíbrio harmonioso da natureza, a unidade das suas formas em todos os géneros (retrato, composição figurativa, paisagem, autorretrato, natureza morta). É autor de pinturas como “As Margens do Marne”, “Pêssegos e Pêras”, “Pierrot e Arlequim”. Cézanne operava principalmente com gradações de três cores primárias – verde, azul e amarelo. Possui um design arrojado e lacônico.

A obra de Cézanne encontrou muitos imitadores e seguidores e teve grande influência na pintura do século XX.

Paul Gauguin (1848-1903) é um dos destacados representantes do pós-impressionismo, próximo do simbolismo e do estilo Art Nouveau. Ele usou generalizações sintéticas de cores e linhas. O tema principal das pinturas de Gauguin é a vida e as lendas dos povos da Oceania (Taiti), o mundo poético da harmonia entre o homem e a natureza. Suas pinturas, decorativas e cheias de simbolismo, caracterizam-se por cores ricas e puras. Num esforço para se aproximar das tradições artísticas da arte nativa, Gauguin veio deliberadamente a primitizar a forma. Ele tem um desenho extremamente simplificado, as formas dos objetos são deliberadamente planas, as cores são limpas e brilhantes. As composições são de natureza ornamental. Gauguin é o autor de pinturas como “Ford”, “Are You Jealous?” No Taiti ele escreveu uma de suas obras-primas "De onde viemos? Quem somos? Para onde vamos?"

O auge do pós-impressionismo é a obra de Vincent van Gogh (1853-1890). Existem dois períodos em sua obra: a primeira metade dos anos 80. e os últimos três anos de sua vida, quando esteve gravemente doente. Apesar do curto período de sua vida criativa, o artista criou obras que deixaram uma marca indelével na cultura mundial. A obra de Van Gogh tem um caráter pessimista, ansioso, doloroso e expressivo. Em suas obras há deleite pela vida, pelo mundo, ou um sentimento de solidão e melancolia dolorosa. Suas pinturas "Cabanas", "Quarto", retratando casas ou quartos simples, são cheias de drama. A impressão de tensão é potencializada por uma técnica especial de aplicação de tinta com pinceladas nítidas, às vezes em zigue-zague ou paralelas, conduzindo ao representar, por exemplo, a terra ou uma cabana em uma direção e o céu em outra direção oposta. Com extraordinária agudeza de percepção, pinta a natureza (flores, árvores, grama), arquitetura, pessoas (“Auvers depois da chuva”, “Igreja em Auvers”, “Retrato do Doutor Gachet”). As suas paisagens, pintadas em Arles, estão imbuídas de um apaixonado amor pela vida. Eles contêm uma combinação de cores vivas, ritmo expressivo de desenhos e soluções composicionais ousadas e livres (“Night Cafe”, “Red Vineyards in Arles”).

Durante sua vida, Van Gogh não desfrutou de nenhuma fama. Sua enorme influência na arte foi sentida muito mais tarde.

E, em geral, o trabalho dos pós-impressionistas expressou os motivos e estados de espírito dominantes de seu tempo e teve grande influência no desenvolvimento da cultura artística na virada dos séculos XIX para XX.

arte classicismo da Europa Ocidental realismo

O teatro da Europa Ocidental também experimentou a influência do simbolismo e da decadência. Figuras desse movimento clamavam pela criação de um teatro sintético em que as performances combinassem palavras, cores e música. Os simbolistas viram seu propósito em influenciar o espectador com imagens que não são passíveis de decodificação semântica específica. Ao mesmo tempo, defenderam o princípio da autonomia da criatividade do diretor e do artista em relação à dramaturgia, que é a base ideológica da performance. Se os atores do teatro realista criaram imagens multifacetadas e autênticas, os simbolistas procuraram contrastar isso com uma imagem-símbolo unilateral e poeticamente transformada.

Figuras simbolistas como S. Mallarmé, M. Maeterlinck, G. Craig (1872-1966) deram preferência ao teatro de marionetes e quiseram substituir os personagens da peça por uma “máscara” ou “super-fantoche”.

Os meios visuais (mise-en-scène pitoresca, poses escultóricas, música, cor) tiveram que ser subordinados à criação de uma atmosfera mística para incutir no espectador uma sensação da natureza ilusória da realidade circundante.

Os simbolistas tentaram restaurar vários tipos de performances medievais (mistérios, milagres, etc.), para usar técnicas e estilos de palco de diferentes épocas.

Nesse período surgiram muitos teatros-estúdio (especialmente em Paris), cujo repertório incluía peças-lendas místicas e poéticas de P. Quillard, C. Mendes, peças de Maeterlinck; foram lidas as obras de C. Baudelaire, A. Rimbaud, P. Verlaine, S. Mallarmé.

Junto com peças decadentes, houve dramas de Ibsen, B. Bjornson, primeiras peças de A. Strindberg (1849-1912), bem como de R. Rolaan (1866-1944) e M. Gorky.

Conclusão

Cultura artística do século XIX. desenvolvido sob a influência de vários fatores políticos, econômicos, sociais, religiosos e nacionais. A Grande Revolução Francesa, que proclamou as ideias de liberdade, igualdade e fraternidade, foi de particular importância para o seu desenvolvimento. A revolução estabeleceu a tarefa de preparar a sociedade para aceitar a grande ideia de uma única família humana. Na história da humanidade esta foi uma ideia nova, um novo ideal.

Como a prática divergia significativamente dos ideais proclamados pela revolução, a arte que se desenvolveu neste período compreendia criticamente a realidade, portanto a crítica era característica da cultura artística do século XIX.

A literatura, que determinou a vida artística deste século, assumiu uma posição de liderança entre todos os tipos de criatividade artística.

Além da arte das palavras, o século XIX. criou magníficos exemplos de criações musicais e teatrais. Na música, a ópera e o balé, assim como as obras sinfônicas, alcançaram alturas.

No campo das artes plásticas, as maiores conquistas pertencem à pintura. O crítico de arte Lionello Venturi observou: "... em termos de número e habilidade, os pintores brilhantes do século 19 podem ser comparados com os pintores de qualquer um dos séculos anteriores."

No século 19 finalmente surgiu como um tipo independente de belas-artes, a gráfica, o que foi facilitado pela invenção da litografia - gravura em pedra.

Uma característica do desenvolvimento da cultura e da arte do século XIX. é a diversidade de movimentos e estilos artísticos, métodos e formas que mudaram literalmente a cada década.

O desenvolvimento de certos tipos de arte ocorreu de forma desigual entre os países. Se a Itália, a Alemanha e a França tiveram precedência na escala e no nível de desenvolvimento da arte musical, então na criatividade literária - França e Inglaterra. As maiores conquistas na pintura vieram da França e da Espanha.

Realizado no século XIX. e perdas tanto em certas áreas da arte como nas conquistas de cada país.

O predomínio de uma visão crítica do mundo predeterminou a impossibilidade de criação de um grande estilo arquitetônico. Os historiadores da arte consideram os conjuntos arquitetônicos notáveis ​​​​de estilo neoclássico criados na virada dos séculos XVIII para XIX como as conquistas mais recentes. No século 19 os sucessos do planejamento urbano utilitário não continham o progresso da arquitetura artística - reinavam o ecletismo e o empréstimo de estilos arquitetônicos anteriores.

O mesmo aconteceu com a escultura monumental. O que de melhor foi criado pelos escultores do século XIX. pertence ao gênero da escultura em cavalete.

Do pouco que a arquitetura revelou, o melhor foi alcançado na Inglaterra, e na arte da escultura - na França.

Apesar da variedade de estilos que se desenvolveram no século XIX, a direção artística realista é considerada a principal, dando resultados brilhantes em todos os tipos de arte e literatura.

Literatura

1. Antiga cultura russa: literatura e arte. Ligado (CD). - M.: DirectMedia, 2004.

Ionin L.G. Sociologia da cultura. - M.: Logotipos, 1998.

Kadyrov A.M. Cultura da Rússia no final do século XIX e início do século XX. "Idade de Prata" da cultura russa. - Ufa: UGATU, 2002.

Knabe G.S. Antiguidade russa. Conteúdo, papel e destino da herança antiga na cultura russa: Esboço do curso teórico. - M.: Russo. estado humanista univ., 2000.

Kononenko B.I. Grande dicionário explicativo de estudos culturais. - M.: Editora LLC "Veche", Editora LLC AST, 2003.

Korovina S.V. A vida espiritual multicolorida da sociedade. - Ufa: Universidade Estadual de Bashkir, 2003.

Kravchenko, A. I. Culturologia: dicionário. - M.: Projeto Acadêmico, 2000.

Krinichnaya N.A. Mitologia russa: o mundo das imagens folclóricas. - M.: Projeto Acadêmico, 2004.

Culturologia. Século XX: dicionário. - São Petersburgo: Livro Universitário, 1997.

Likhachev D.S. Favoritos: Grande Legado. Obras clássicas da literatura da Antiga Rus'. Notas sobre o russo. - São Petersburgo: "Logos", 1998.

Lotman Yu.S. Semiosfera. - São Petersburgo: Arte, 2001.

Tutoria

Precisa de ajuda para estudar um tópico?

Nossos especialistas irão aconselhar ou fornecer serviços de tutoria sobre temas de seu interesse.
Envie sua aplicação indicando o tema agora mesmo para saber sobre a possibilidade de obter uma consulta.

Introdução.
A cultura do século XIX é a cultura das relações burguesas estabelecidas. Este é o período do aparecimento de obras que se tornaram um enorme bem cultural e uma conquista do génio humano, embora as condições de desenvolvimento fossem complexas e contraditórias. Os fatores que influenciaram os principais processos e rumos da criatividade artística foram variados.
Entre os factores socioeconómicos e políticos, as revoluções sociais e o movimento revolucionário tiveram uma importância decisiva. No século XIX, as revoluções burguesas varreram muitos países europeus. Contribuíram para o estabelecimento e desenvolvimento do capitalismo, para a solução de problemas históricos urgentes e despertaram na humanidade progressista o desejo de libertação da opressão social e da injustiça.
A revolução industrial, que terminou no século XIX, teve um enorme impacto no desenvolvimento do mundo da Europa Ocidental. O seu resultado imediato é um aumento sem precedentes na produtividade do trabalho social. O desenvolvimento da produção estimulou o rápido desenvolvimento da ciência. R. Mayer, J. Joule, G. Helmholtz descobriram as leis de conservação e transformação de energia, fornecendo uma base unificada para todos os ramos da física e da química. A. Einstein criou a teoria da relatividade, M. Planck - a teoria quântica, que levou a um avanço no campo do micromundo e das altas velocidades. Muitas outras grandes descobertas foram feitas em vários campos da ciência. A criação da locomotiva a vapor, do motor de combustão interna, do telefone, do rádio e do cinema revolucionou a ciência e a tecnologia. A formação de uma sociedade industrial começou. A produção industrial desempenhou um grande papel civilizador.
No século XIX, foi alcançado um desenvolvimento significativo do pensamento filosófico. Foi preparado de acordo com os ensinamentos de I. Kant e I. Fichte. Com base em suas disposições, criou-se uma teoria romântica, lançaram-se os fundamentos de uma filosofia objetivo-idealista, formalizada no harmonioso ensinamento de F.V. Schelling. O conceito objetivo-idealista foi desenvolvido nas obras do maior filósofo alemão G. Hegel, que lhe conferiu completude na forma das leis básicas da dialética. Em contraste com as posições de Hegel, surgiu ao mesmo tempo um conceito idealista, cujos defensores eram F. R. de Chateaubriand e A. Schopenhauer.
O século XIX deu ao mundo K. Marx e F. Engels, que criaram a doutrina materialista em meados do século. Eles, usando a dialética hegeliana, desenvolveram o conceito de materialismo histórico. Seu ensino entrou para a história sob o nome de “Marxismo”.
Influente no século XIX foi o movimento filosófico de O. Comte, que foi o fundador do positivismo - a doutrina segundo a qual apenas o conhecimento empírico baseado na experiência e sua descrição precisa pode ser conhecimento verdadeiro.
No século XIX, sob a influência das tendências ateístas da sociedade, a igreja passou por uma grave crise. Novas religiões estão a penetrar na Europa, estão a nascer os conceitos de separação entre Igreja e Estado, liberdade de consciência, religião e secularização da educação. Estes processos minam a influência da religião na sociedade.
Assim, as grandes mudanças ocorridas no início do século XIX no desenvolvimento da filosofia, da ciência e da tecnologia tiveram um enorme impacto no desenvolvimento da literatura e da arte na Europa Ocidental. Uma característica comum da cultura mundial nesta época era o crescimento constante do intercâmbio cultural internacional. Isto foi facilitado pelo rápido desenvolvimento dos contactos económicos mundiais, melhoria dos meios de transporte, comunicações e informação mútua.
Consideremos a essência e o conteúdo das várias tendências no desenvolvimento da cultura europeia no século XIX.

1. CARACTERÍSTICAS DA CULTURA DA EUROPA OCIDENTAL DO SÉCULO XIX.
A cultura deste período é caracterizada por um reflexo das contradições internas da sociedade burguesa. O choque de tendências opostas, a luta das principais classes - a burguesia e o proletariado, a polarização da sociedade, a rápida ascensão da cultura material e o início da alienação do indivíduo determinaram a natureza da cultura espiritual da época.
No século 19 Há uma revolução radical associada ao aparecimento da máquina, que aliena o homem da natureza, quebrando as ideias habituais sobre o seu papel dominante, e transforma o homem numa criatura dependente da máquina. Em condições de intensificação da mecanização, a pessoa vai para a periferia da vida espiritual, rompe com seus fundamentos espirituais. O lugar do trabalho artesanal associado à personalidade e criatividade do mestre foi ocupado pelo trabalho monótono.
Cultura espiritual do século XIX. desenvolveu-se e funcionou sob a influência de dois fatores importantes: sucessos no campo da filosofia e das ciências naturais. A principal cultura dominante do século XIX. havia ciência.
Várias orientações de valores basearam-se em duas posições de partida: o estabelecimento e afirmação dos valores do modo de vida burguês, por um lado, e a rejeição crítica da sociedade burguesa, por outro. Daí o surgimento de fenômenos tão díspares na cultura do século XIX: romantismo, realismo crítico, simbolismo, naturalismo, positivismo, etc. Cultura europeia do século XIX. é um reflexo daqueles princípios contraditórios que uma sociedade burguesa desenvolvida representa, mas, no entanto, não tem igual na profundidade de penetração na existência e no mundo espiritual do homem e na tensão criativa na ciência, literatura, filosofia e arte. No desenvolvimento da filosofia do século XIX. Podem ser distinguidas três direções definidoras: filosofia clássica alemã, filosofia dialético-materialista, filosofia do positivismo.
A filosofia clássica alemã representa a conquista mais importante do pensamento filosófico burguês. Sendo a ideologia da burguesia alemã, historicamente progressista para a sua época, reflectia tanto as condições únicas para o desenvolvimento do capitalismo na Alemanha no final do século XVIII e início do século XIX, como também as grandes mudanças socioeconómicas que ocorreu nos países mais desenvolvidos da Europa.
A formação da filosofia clássica alemã ocorreu sob a influência das mudanças revolucionárias na França, da revolução industrial na Inglaterra e das peculiaridades da situação sócio-política da Alemanha, que se encontrava em estagnação econômica. O pensamento filosófico da Alemanha refletia as peculiaridades da visão de mundo de sua época e não representava um todo único. I. Kant era um dualista, I. Fichte era um idealista subjetivo, F. Schelling e G. Hegel eram idealistas objetivos, L. Feuerbach era um materialista e ateu. Mas eles estavam unidos por uma linha de sucessão. A linha central de desenvolvimento da filosofia clássica alemã foi o estudo das formas de universalidade, que em Kant e Fichte eram consideradas como formas de pensamento, em Schelling e Hegel - como formas de ser, realidade, realidade espiritual. A filosofia clássica alemã está unida pela ideia de desenvolvimento, pela dialética. A filosofia clássica alemã é completada pelo maior materialista L. Feuerbach, cujo sistema filosófico foi formado com base na escola hegeliana. Esta filosofia determinou o pensamento do século e tornou-se a base metodológica para o desenvolvimento da cultura espiritual no século XIX. Os seus problemas são, antes de mais, problemas humanos, resolvidos através da criação de uma imagem sistemática do mundo. Quase todos os sistemas de relações “mundo-homem” propostos pelos filósofos alemães (exceto as ideias de L. Feuerbach) são idealistas em suas tentativas de explicar de uma vez por todas o lugar e o propósito do homem. Uma grande conquista da filosofia clássica alemã é a doutrina do desenvolvimento, a dialética, que tomou a forma de conhecimento científico e se tornou um método de pesquisa.
Uma contribuição significativa para o desenvolvimento da cultura é feita pela filosofia marxista e pela teoria marxista, que deixaram a sua marca no pensamento filosófico e artístico do século XIX. O documento do programa – o “Manifesto do Partido Comunista” – apresentava uma nova visão de mundo que se estendia à área da vida social. Reelaborando criativamente as ideias da filosofia clássica alemã, da economia política inglesa, do socialismo utópico francês e inglês, Marx e Engels descobriram as leis do desenvolvimento social e mostraram ao proletariado um caminho cientificamente fundamentado para melhorar as condições da sua existência. Além disso, a filosofia do marxismo tem um significado histórico e cultural para o desenvolvimento de qualquer investigação científica, incluindo a investigação no domínio da cultura. O método do materialismo dialético, um método universal para estudar um objeto natural, concebível ou social em desenvolvimento, baseia-se nesta teoria. Com base neste método, a arte realista passou a refletir as contradições do mundo interior do homem e suas conexões contraditórias com os processos da vida social. O destino do marxismo é dramático, mas o seu papel na cultura é inegável. A consciência positivista desenvolveu-se sob a influência da filosofia positivista. O conflito entre os ideais humanistas e a vida cotidiana prosaica resultou no reconhecimento de um fato científico. O positivismo apoiou-se na filosofia da Nova Era, no programa de domínio prático da ciência como sistema racional de conhecimento experimental confiável, descartando ideias metafísicas e tornando-se o precursor do cientificismo. No desenvolvimento de tendências críticas na cultura do século XIX. houve duas etapas. O primeiro esteve associado ao movimento revolucionário, o segundo - ao surgimento e difusão das ideias socialistas e à crise espiritual da sociedade burguesa, ou seja, à descrença na possibilidade do progresso espiritual, na viabilidade dos ideais humanísticos. Tudo isso levou ao surgimento do pessimismo, da apatia e da indiferença, que se refletiu em formas de cultura artística como o impressionismo, o naturalismo, o simbolismo, o esteticismo e a decadência.
O impressionismo se desenvolveu sob a influência do positivismo. Concentrando-se na fixação precisa de um “fato” (um momento na representação da realidade) e recusando generalizações amplas, a visão de mundo do impressionismo foi incapaz de adquirir padrões estáveis. Este movimento baseou-se nas últimas descobertas científicas no domínio da biologia, fisiologia, física e química, no domínio do estudo das sensações sonoras e visuais - naturalismo.
A influência do positivismo se manifestou mais claramente nele. Seu credo é “a natureza como ela é”. Os naturalistas rejeitaram a arbitrariedade da imaginação e compararam o trabalho de escritores e artistas com o trabalho de pesquisadores da natureza - naturalistas. O resultado dessa atividade é a observação através do temperamento. Um reflexo literal do aspecto biológico da vida humana foi expresso na profanação da arte, que predeterminou o seu escandaloso sucesso entre a burguesia, no surgimento da estética da “arte fisiológica”.
Mas a mudança mais significativa na cultura espiritual do século XIX. e a vida da sociedade foi a formação do romantismo, que reivindicou uma visão de mundo holística e um estilo de pensamento junto com outros - classicismo e realismo.
O romantismo é um fenômeno gerado pelo sistema burguês. Como visão de mundo e estilo de criatividade artística, reflete suas contradições: a lacuna entre o que deveria ser e o que é, o ideal e a realidade. A consciência da irrealização dos ideais e valores humanísticos do Iluminismo deu origem a duas posições ideológicas alternativas. A essência do primeiro é desprezar a realidade básica e retrair-se na concha dos ideais puros. A essência da segunda é reconhecer a realidade empírica e descartar toda especulação sobre o ideal. O ponto de partida da cosmovisão romântica é a rejeição aberta da realidade, o reconhecimento da lacuna intransponível entre os ideais e a existência real, a irracionalidade do mundo das coisas.
É caracterizada por uma atitude negativa em relação à realidade, pessimismo, interpretação das forças históricas como estando fora da realidade real cotidiana, mistificação e mitologização. Tudo isso motivou a busca pela resolução das contradições não no mundo real, mas no mundo da fantasia.
A cosmovisão romântica abrangia todas as esferas da vida espiritual - ciência, filosofia, arte, religião. Foi expresso de duas maneiras:
A primeira é que nele o mundo aparecia como uma subjetividade cósmica infinita e sem rosto. A energia criativa do espírito atua aqui como o começo que cria a harmonia mundial. Esta versão da cosmovisão romântica é caracterizada por uma imagem panteísta do mundo, otimismo e sentimentos sublimes.
A segunda é que a subjetividade humana é considerada individual e pessoalmente, entendida como o mundo interior e egocêntrico de uma pessoa em conflito com o mundo exterior. Esta atitude é caracterizada pelo pessimismo, uma atitude liricamente triste em relação ao mundo.
O princípio original do romantismo eram “dois mundos”: comparação e contraste dos mundos real e imaginário. A forma de expressar esse mundo dual era o simbolismo.
O simbolismo romântico representou uma combinação orgânica dos mundos ilusório e real, que se manifestou no aparecimento de metáforas, hipérboles e comparações poéticas. O romantismo, apesar de sua estreita ligação com a religião, era caracterizado pelo humor, pela ironia e pelo devaneio. O romantismo declarou a música como modelo e norma para todas as áreas da arte, na qual, segundo os românticos, soava o próprio elemento da vida, o elemento da liberdade e do triunfo dos sentimentos.
O surgimento do romantismo deveu-se a uma série de fatores. Em primeiro lugar, sócio-político: a Revolução Francesa de 1769-1793, as Guerras Napoleónicas, a Guerra da Independência da América Latina. Em segundo lugar, económica: a revolução industrial, o desenvolvimento do capitalismo. Em terceiro lugar, foi formado sob a influência da filosofia clássica alemã. Em quarto lugar, desenvolveu-se com base e no quadro dos estilos literários existentes: iluminismo, sentimentalismo.
O romantismo floresceu entre 1795 e 1830. - o período das revoluções europeias e dos movimentos de libertação nacional, e o romantismo manifestou-se de forma especialmente clara na cultura da Alemanha, Inglaterra, Rússia, Itália, França e Espanha.
A tendência romântica teve grande influência nas humanidades, e a tendência positivista nas ciências naturais, tecnologia e prática.
O termo “realismo” deve ser entendido de duas maneiras: como uma direção historicamente definida, um tipo de pensamento artístico e como uma reflexão verdadeira e objetiva da realidade (na linguagem de uma arte particular). O realismo evoluiu a partir de formas primitivas de cultura. Como método artístico, o realismo surgiu nas profundezas do romantismo no primeiro terço do século XIX, quando o princípio da representação verdadeira se estabeleceu na Europa como oponente do romantismo.
Portanto, no realismo, o tema da imagem não é o mundo da fantasia e dos sonhos, mas a realidade moderna. A importância do realismo na cultura é difícil de superestimar.
Realismo crítico. Na segunda metade do século XIX. torna-se o pensamento e método artístico dominante. O realismo crítico não significa de forma alguma uma atitude negativa em relação à realidade. Esta é uma forma de oposição à ideologia existente (dominante). O papel principal no realismo crítico pertence à literatura. Uma reflexão realista da realidade é determinada não por uma ou outra técnica, mas por uma atitude geral perante a realidade, isto é, a verdade artística, que inclui dois lados: uma reflexão verdadeira dos aspectos existentes da vida e da verdade, conformidade com o ideal estético. Na primeira metade do século XIX. o realismo funcionou em estreita ligação com o romantismo.
Romantismo na Alemanha. Os princípios básicos da teoria literária do romantismo foram formulados por F. Schlegel e Novalis. F. Schlegel foi o primeiro a desenvolver a teoria da ironia romântica, uma das criações mais brilhantes e originais do gênio romântico. As visões estéticas de Novalis são expressas na teoria da arte, que deveria conectar o real com o ideal e buscar a universalidade. Um lugar especial na literatura romântica alemã pertence a Heinrich Kleist e Ernst Hoffmann.
Realismo na Alemanha. Não se manifestou de forma tão clara como noutros países europeus, mas entre os representantes desta tendência merecem destaque Heinrich Heine (1797-1856), Georg Buchner (1813-1856), que primaram por uma certa idealização da realidade.
Romantismo na Inglaterra. A figura mais proeminente entre os românticos da Inglaterra deve ser considerada George Gordon Byron (1788-1824), um dos maiores poetas líricos da literatura mundial. Entre os destacados românticos ingleses estão Percy Shelley (1792-1822) e Walter Scott (1871-1892). Os românticos ingleses afirmavam o optimismo, o pathos da luta contra a tirania e o fanatismo religioso; as suas obras mostravam claramente um elemento épico, um jornalismo apaixonado e tendências realistas.
Realismo na Inglaterra. Distingue-se pela grande originalidade - pronunciado didatismo e realismo crítico. Os escritores realistas ingleses mais famosos foram Charles Dickens (1812-1870) e William Thackeray (1811-1863). O movimento romântico da literatura inglesa é representado pelas obras das irmãs Charlotte e Emilia Bronte.
Romantismo na França. Seu desenvolvimento foi influenciado pela Grande Revolução Francesa, pelo classicismo e pelo Iluminismo. O surgimento de ideias românticas está associado aos nomes de J. de Stael e F. R. de Chateaubriand. O auge do romantismo francês é a obra de V. Hugo, P. Merimee, J. Sand e outros.Em suas obras, a estética romântica é combinada com psicologismo sutil e força de caráter.
Realismo na França. Passa por vários estágios de seu desenvolvimento e se caracteriza por uma resposta instantânea a acontecimentos significativos da vida social. As obras de Stendhal, Honoré de Balzac e Postav Flaubert podem ser consideradas uma das manifestações mais marcantes do realismo na França.
2. O FLORESCIMENTO DA CIÊNCIA E DA TECNOLOGIA NA CULTURA EUROPEIA DO SÉCULO XIX
No século 19 surgiu um novo olhar sobre o processo educacional. Pestalozzi apresentou a ideia de educação para o desenvolvimento. Este tipo de educação visa incentivar as crianças a se desenvolverem de forma independente. A essência da educação para o desenvolvimento é a estreita ligação entre a educação mental e a educação moral. A posição mais importante da pedagogia de Pestalozzi é a ligação da aprendizagem com o trabalho de produção.
O notável professor de alemão A. Disterweg expressou a ideia de uma educação universal, que se baseia nos princípios da conformidade natural, da conformidade cultural e da autoatividade. É preciso ouvir e ouvir a voz da natureza, agir em aliança com ela. É preciso levar em consideração as condições, local, hora de nascimento e vida de uma pessoa.
É necessário desenvolver uma atividade criativa voltada ao serviço da beleza, do bem e da verdade.
Gradualmente, surgiu um sistema de regras didáticas e consolidou-se a base da didática da educação para o desenvolvimento. Revolução científica do século XIX. precedido por descobertas notáveis ​​​​na ciência nos séculos XVII-XVIII. e sua formação como instituição social. Graças às obras de N. Copérnico, G. Galileu, F. Bzkon, R. Descartes, I. Newton, I. Kepler, uma nova imagem do mundo foi formada. O surgimento do conhecimento experimental e de um pensamento racionalista contribuiu para a sua posterior racionalização no século XIX. Torna-se um sistema científico que estuda os processos de origem e desenvolvimento de objetos, fenômenos, organismos e suas conexões. Fundamentalmente novo foi a afirmação da ideia de desenvolvimento e do princípio da interligação na natureza, ou seja, o surgimento dos princípios da dialética na pesquisa científica. Uma experiência científica em mecânica levou ao estabelecimento de uma ligação entre ciência e produção. A engenharia e a tecnologia foram desenvolvidas com base na mecânica, física e matemática.
Ciência do século 19 marcado por uma revolução na química. As descobertas nesta área levaram ao surgimento da estatística química de J. Dalton, que mostrou que cada elemento da natureza é um conjunto de átomos estritamente idênticos entre si e com o mesmo peso atômico. Graças a esta teoria, as ideias de desenvolvimento sistêmico de processos penetraram na química. I. Berzelius descobre a lei das proporções múltiplas e sua extensão às substâncias orgânicas, o que ajudou a estabelecer a existência de uma ligação entre os objetos do mundo orgânico e inorgânico. Em 1828, F. Weller desenvolveu um processo de produção de uréia a partir de substâncias inorgânicas, o que confirmou essa ligação na prática. Graças à produção inorgânica de compostos que até então eram produzidos apenas por organismos vivos, ficou provado que as leis da química aplicam a mesma força aos corpos orgânicos e aos inorgânicos.
Uma importante descoberta do século XIX. é a lei da célula e da formação celular de T. Schwenn e M. Schleiden, que criaram a teoria celular e apontaram a unidade da estrutura celular de plantas e animais em 1838-1839.
As ideias de M. Lomonosov sobre a conservação e transformação da energia foram consolidadas pelas descobertas de R. Meyer, J. Lenz e W. Grove. A lei foi descoberta em diferentes áreas da natureza. A descoberta desta lei baseou-se no reconhecimento da unidade dos aspectos quantitativos e qualitativos do movimento da matéria. Pode ser considerada com razão a segunda grande descoberta do século XIX.
A terceira grande descoberta do século XIX. associado ao nome de Charles Darwin, que publicou o livro “A Origem das Espécies” em 1854, onde a teoria evolucionista foi fundamentada. A teoria da seleção natural, durante a qual os organismos mais fortes sobrevivem, brigam constantemente entre si e depois transmitem suas características por herança, levou posteriormente ao surgimento do campo da pesquisa genética. Um processo complexo ocorre na natureza, representando a interação de três fatores: a luta pela existência, a variabilidade e a hereditariedade. A teoria de Darwin prova que todas as espécies de animais e plantas estão geneticamente relacionadas entre si por sua origem e estão em constante mudança e desenvolvimento.
Descobertas científicas do século XIX. compilaram um enorme corpo de conhecimento que tem extraordinária profundidade e espaço para pesquisas futuras. Isso contribuiu para uma mudança na visão de mundo e mudou muitas visões inertes sobre a natureza e sua ligação com o homem, dando origem a uma nova forma de pensar – dialético-materialista.
Dependendo do contexto, a sociedade industrial pode ser designada como “burguesa”, “capitalista”, “tecnicamente desenvolvida”, “moderna”, etc. Um sistema industrial verdadeiramente funcional combina os seus vários princípios e estruturas. Por isso, o termo “industrial” é aceite como resumindo a diversidade de opções socioeconómicas da sociedade moderna.
O traço mais característico de uma sociedade industrial é que a produção nela se baseia na predominância do trabalho acumulado (capital) sobre o trabalho vivo. O trabalho acumulado assume a forma de meios de produção – tecnologias, ferramentas, recursos, etc., garantidos sob a forma de propriedade de qualquer tipo. A mão de obra é qualificada e especializada; produção desenvolvida significa um alto grau de divisão do trabalho
A segunda característica mais importante da sociedade industrial, à qual K. Marx, E. Durkheim e M. Weber prestaram atenção, é a profunda dualidade e os princípios contraditórios de sua organização social:
- na contradição entre a divisão cada vez mais profunda do trabalho ou as diferenças crescentes entre as diferentes partes da sociedade e a necessidade de manter a interação e a unidade;
- nas contradições relacionadas com a estratificação de classes sociais da sociedade, que causa tensão social e luta de classes.
Na formação da sociedade burguesa na Europa, os princípios da ética burguesa, desenvolvidos e ordenados no quadro do sistema religioso, desempenharam um importante papel orientador. Tanto o protestantismo quanto o catolicismo contribuíram para isso. Com o tempo, o âmbito da regulamentação religiosa diminuiu, dando lugar a princípios e normas seculares.
Uma mudança importante na cultura da Europa Ocidental foi o estabelecimento do princípio do realismo na ideologia, na arte e na filosofia. A cosmovisão mitológica e religiosa é substituída pelo reconhecimento da realidade, o que exige levar em conta as circunstâncias e superar as ilusões. Afirmou-se o pensamento utilitário, intimamente ligado às necessidades da vida real. Na vida social, formou-se a autonomia da Igreja e das autoridades político-estatais, e estabeleceram-se relações burguesas estáveis ​​​​em cada camada social.
Ao longo dos séculos XIX - XX. na sociedade burguesa, são desenvolvidas orientações de valores especializadas e o elevado prestígio do empreendedorismo é introduzido na consciência pública. As diretrizes ideológicas afirmam a imagem de uma pessoa de sucesso, encarnando o espírito empreendedor, a determinação, a assunção de riscos, aliados ao cálculo preciso, e a combinação do espírito empreendedor com o espírito nacional acaba por ser um importante meio de coesão da sociedade . O estabelecimento da unidade nacional significou a eliminação de diferenças, barreiras e fronteiras internas. No nível estadual, diversos programas estão sendo implementados com o objetivo de mitigar as consequências da estratificação social, garantindo a sobrevivência e mantendo a condição dos segmentos de baixa renda da população.
As relações interestaduais dos países europeus lutaram pelo pluralismo sociocultural, embora a luta pela independência e pelos direitos autónomos tenha levado a guerras longas e sangrentas. Às vezes a rivalidade estendia-se aos espaços coloniais.
O nível de centralização e o monopólio político e espiritual diminuíram gradualmente, o que acabou por contribuir para o fortalecimento do pluralismo. A interação de vários centros de influência criou um sistema pluralista em que a regulação das relações se desenvolveu com base na relação mútua de direitos e obrigações. Tal sistema contribuiu para a destruição da anarquia, do autoritarismo e da formação de um mecanismo de regulação jurídica das relações.
Os princípios da democracia foram implementados principalmente na vida pública, estendendo-se a outras esferas da sociedade.
Os Estados Unidos, a Europa Ocidental e o Japão foram os primeiros a entrar na fase de modernização.
A modernização está associada ao intenso desenvolvimento da tecnologia, provocado pelo imperativo da sociedade industrial, já mencionado: a necessidade de afirmar o predomínio do trabalho acumulado sobre o trabalho vivo. Uma importante razão económica para a tecnização é que sem novos meios técnicos de produção é impossível assegurar um nível de consumo e de estilo de vida correspondente às características de uma sociedade industrial. Uma razão política importante é que, em condições de rivalidade nacional, os países e nações mais avançados tecnologicamente podem defender os seus interesses com maior sucesso e até mesmo ditar a sua vontade às comunidades menos desenvolvidas. Culturalmente, costuma-se destacar duas razões espirituais que deram grande prestígio à sociedade técnica. Em primeiro lugar, esta é a ideia do homem como um transformador ativo da natureza e, em segundo lugar, é uma afirmação do papel ativo da mente na compreensão da realidade e da sua capacidade de construir o mundo à sua maneira. A influência da tecnologia, no entanto, não se limita à alta tecnologia. É também uma transformação da visão de mundo de uma pessoa. Produção em massa. Numa sociedade industrial, a dinâmica da produção é medida em termos físicos ou monetários, ou seja, segundo critérios de quantidade e volume. Esses critérios também se aplicam a outras áreas.
O consumo de energia como critério de padrão de vida. Utilizando novas fontes de energia, a tecnologia moderna permite implementar projetos grandiosos. A aposta em novas fontes de energia deu origem a avanços tecnológicos que por vezes se tornaram muito perigosos para os seres humanos.
Romper com as tradições. A tecnologia está constantemente voltada para o futuro. Melhorar o padrão de vida envolve melhorar a tecnologia, que deve ser constantemente atualizada. Numa tal situação, retroceder significa o fim do progresso, sem o qual se perde o próprio sentido do processo de modernização. Há uma embriaguez no processo de busca do novo, um desejo de renovação constante, ou seja, de ruptura com as tradições.
Senso de funcionalidade. O aprimoramento da tecnologia e da produção, a “materialidade” da consciência, o culto à tecnologia dão origem a uma atitude racional em relação ao mundo como ambiente de objetos funcionais. Até o próprio homem começou a ser visto do ponto de vista do significado racional.
Novas comunicações. A tecnologia da comunicação, à medida que melhora, contribui para a intensificação dos processos de comunicação, a destruição de barreiras políticas e culturais, a aproximação das zonas periféricas aos centros e, assim, contribui para a expansão do processo de modernização.
Novos modelos de pensamento. A difusão massiva da tecnologia exigiu uma mudança fundamental no pensamento humano. O papel das imagens antropomórficas e dos princípios humanitários está diminuindo. Eles estão sendo deixados de lado pela abordagem científica natural do mundo, da natureza, da sociedade e do homem. O pensamento se torna abstrato. Os novos princípios de organização sociotecnológica da atividade abrangeram não só a grande indústria, mas também se espalharam por todas as esferas da vida, inclusive a espiritual. Como resultado, a cultura espiritual se transforma numa indústria de consciência de massa.
3. ARTE DA EUROPA OCIDENTAL DO SÉCULO XIX
Na arte do século XIX. É necessário destacar diversas tendências artísticas relacionadas ao desenvolvimento de toda a cultura.
O romantismo na arte e na literatura tem traços característicos comuns: rejeição da realidade burguesa e burguesa de sua época, contrastando a prosa do mundo existente com o mundo ideal. Esta oposição foi realizada pelos métodos de expressividade inerentes aos diferentes tipos de arte. Por exemplo, a justaposição de um dia repleto de agitação levou poetas, músicos e pintores a poetizar a noite, este mundo estranho, por vezes surreal, que vive segundo as suas próprias leis. O gênero noturno está se tornando um dos preferidos nas obras de artistas românticos. Às vezes a letra da noite dá lugar ao horror das trevas. A rejeição da vida e da realidade dá origem ao motivo da partida, da fuga da vida, que se expressa de várias formas, inclusive no gênero da viagem, da peregrinação, na maioria das vezes para o leste. O tema da morte assume um significado especial. O tema preferido dos românticos é o herói rebelde, a luta trágica, a confusão de sentimentos violentos. O retrato assume um significado especial. Os artistas se esforçam para retratar o funcionamento interno do pensamento, da auto-absorção e da individualidade sensual. Imagens de natureza turbulenta nos permitem transmitir alegoricamente nossos planos. O tema da luta heróica contra os elementos, da tensão desesperada, do impulso são comuns aos românticos dos países europeus. O desejo de aprender mais profundamente os meandros da alma humana dá origem aos temas da tragédia de um destino destruído, de uma alma doente e do desespero. Os representantes mais proeminentes da escola francesa foram E. Delacroix e T. Gericault.
O romantismo também se refletiu na pintura de paisagem, que transmitia um clima especial e inspiração na contemplação da natureza nativa. Isto é, antes de tudo, característico da arte inglesa, cujos representantes proeminentes foram J. Constable, J. Turner, R. Benington.
Realismo. A história do realismo como movimento artístico está ligada à pintura de paisagem na França, à chamada escola de Barbizon. Barbizon é uma vila onde artistas vieram pintar paisagens rurais. Descobriram a beleza da natureza da França, a beleza do trabalho dos camponeses, que foi a assimilação da realidade e se tornou uma novidade na arte. A escola de Barbizon inclui as obras de T. Rouseau, J. Dupre, C. Daubigny e outros, próximos a eles em tema são C. Corot, J. Millet. O chefe do movimento realista foi Gustave Courbet. Os acontecimentos históricos ocorridos na França, desde a revolução de 1830 até a Comuna de Paris, a Guerra Franco-Prussiana, foram refletidos na obra do artista gráfico Honoré Daumier. Seu trabalho ganhou popularidade graças ao advento da litografia, ou seja, à possibilidade de replicar obras de arte gráficas.
Impressionismo. O nome deste movimento vem da palavra francesa que significa “impressão”. A história do gênero origina-se das buscas criativas de realistas e românticos. A essência do impressionismo é o desejo de transmitir uma impressão direta do mundo circundante. Utilizando meios pictóricos, os artistas buscaram transmitir a singularidade e a ilusão da luz, do ar, da água, da cor em toda a sua pureza e das nuances sutis do ambiente luz-ar. A pintura expandiu os limites do espaço, “abriu uma janela” para a natureza com todas as suas mudanças únicas e fugazes. O fundador do movimento foi Edouard Manet, mas Claude Monet tornou-se seu líder reconhecido. Impressionistas de destaque foram O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, C. Pissarro e, mais tarde, P. Cezanne, V. van Gogh, e o escultor O. Rodin estava muito próximo deles em termos da natureza de sua criatividade. O impressionismo marcou o início de uma nova percepção do mundo que nos rodeia, permitiu-nos sentir a beleza de cada momento da vida e teve uma enorme influência no surgimento de novos rumos na arte.
Em geral, a cultura da Europa Ocidental no século XIX. desenvolveu-se como a cultura de uma sociedade industrial com todas as suas características inerentes e influenciou sua posterior formação.
A alienação tornou-se uma das características mais importantes da sociedade industrial. Da esfera das relações laborais, a alienação estendeu-se às normas sociais.
Colonialismo. A subjugação dos países mais atrasados ​​com o objectivo de explorar os seus recursos não se limitou ao estabelecimento de domínio político e económico, mas foi acompanhada pela supressão das culturas locais em nome do universalismo do industrialismo ocidental.
etc..................

Cultura da Europa Ocidental dos séculos 19 e 20
1. Características gerais das realidades socioeconómicas e culturais na Europa 19
século
2. Situação sociocultural do século XX
1. Cultura do século XIX é a cultura das relações burguesas estabelecidas.
No final do século XVIII. o capitalismo como sistema está totalmente formado. Ele cobriu tudo
indústrias de produção de materiais,
o que levou ao correspondente
transformações na esfera não produtiva (política, ciência, filosofia,
arte, educação, vida cotidiana, consciência social).
A cultura deste período é caracterizada por um reflexo de contradições internas
sociedade burguesa: o choque de tendências opostas, a luta dos principais
classes da burguesia e do proletariado, polarização da sociedade, rápida ascensão
cultura material e o início da alienação pessoal.
No século 19 Há uma revolução radical associada ao aparecimento de uma máquina que
aliena a pessoa da natureza, quebrando as ideias usuais sobre sua
papel dominante, e transforma uma pessoa em um ser dependente de uma máquina. EM
condições de mecanização, a pessoa vai para a periferia da vida espiritual, rompe com
fundamentos espirituais. Um local de trabalho artesanal associado à personalidade e à criatividade
mestre, assumiu um trabalho monótono.
Cultura espiritual do século XIX. desenvolveu e funcionou sob a influência de dois
os fatores mais importantes: sucesso no campo da filosofia e das ciências naturais. Apresentador
cultura dominante do século XIX. havia ciência.
Várias orientações de valor foram baseadas em duas posições iniciais:
estabelecer e afirmar os valores do modo de vida burguês, por um lado,
e a rejeição crítica da sociedade burguesa, por outro. Daí a aparência
fenômenos tão diferentes na cultura do século XIX: romantismo, realismo crítico,
simbolismo, naturalismo, positivismo, etc.
O século 2.XX é o mais dinâmico da história da civilização humana e este
não poderia deixar de afetar todo o caráter de sua cultura.
Na história da cultura do século XX. Três períodos podem ser distinguidos:
1) início do século 20 em 1917 (dinâmica aguda dos processos sociopolíticos,
variedade de formas artísticas, estilos, conceitos filosóficos);
2) 2030 (reestruturação radical, alguma estabilização da dinâmica cultural,
formação de uma nova forma de cultura socialista),
3) anos 40 do pós-guerra. toda a segunda metade do século XX. (tempo de formação
culturas regionais, a ascensão da consciência nacional, o surgimento
movimentos internacionais, o rápido desenvolvimento da tecnologia, o surgimento de novos avanços
tecnologias, desenvolvimento ativo dos territórios, fusão da ciência com a produção, mudança
paradigmas científicos, a formação de uma nova visão de mundo). A cultura é um sistema
tudo está interligado e mutuamente determinado.
No final do século XX, a cultura de estilo europeu espalhou-se por outros países.
continentes aos países da Ásia e América, bem como à Austrália e Nova Zelândia

durante o século 20 características comuns e tendências típicas do Ocidente
cultura em geral. A atividade humana moldou o século passado
uma única cultura universal, que incluía:
industrialização da produção e consumo de massa;
meios unificados de transporte e transmissão de informações;
ciência e educação internacionais acessíveis a quase todos;
diversidade estilística e de gênero na arte.
A cultura ocidental do século XX, baseada no empreendedorismo, é exclusivamente
móvel e dinâmico. Seus personagens principais eram pessoas envolvidas em negócios
e aqueles que sabem ganhar dinheiro. Seu comportamento era caracterizado pelo individualismo, praticidade,
o desejo de conforto, sucesso e enriquecimento constantes. Ao mesmo tempo, o Ocidente
Cultura do século 20 estava aberto à geração de novas ideias, amostras, conceitos,
orientação. Sua característica dominante era a ideia de atividade humana transformadora, como
seu objetivo principal. Por sua vez, a cultura era vista como
mediador entre o homem e a natureza.
Cultura artística do século XX
Sua especificidade era a presença de dois sistemas artísticos:
modernismo e pós-modernismo.
O realismo na cultura do século XX é a influência contínua da cultura do século XIX. Juntamente com
tradição direta herdada deste século, duas novas tendências estão surgindo no
realismo
1. Realismo pictórico
2. Realismo socialista
3. Neorrealismo
4. Hiperrealismo
Em linha com o realismo pictórico, a arte lírica paisagística atingiu um crescimento especial.
pintura em que o caráter e o estado de natureza foram combinados com humores e
sentimentos humanos (I Grabar, K. Yuon). Eles trabalharam no gênero de retratos teatrais
M. Vrubel, P. Kustodiev, V. Serov.
O realismo social representa uma forma de realismo que se concentra na reflexão
realidade social, promovendo ideias socialistas nas formas
ideal artístico. Crenças democráticas ou sentimentos de artistas
realismo socialista, suas visões humanísticas, sentimentos do drama da vida são encontrados
refletido em seu trabalho (primeiro Picasso, A. Matisse, M Saryan, P Kuznetsov).
Deve ser dada especial atenção à escola mexicana do neorrealismo, aos muralistas, cuja essência
consistia em decorar edifícios públicos com ciclos de afrescos da história do país,
a vida do povo, a sua luta. O personagem principal desses afrescos são as pessoas. (D.Rivera,
D. Siqueiros, X. Orozco, R. Guttuso).
Nos anos 80 surgiram novas formas de realismo, chamadas de “realismo raivoso”,
hiperrealismo, ou pintura fotodocumental, realismo ingênuo, folclore
realismo, etc. Modernismo
Traduzido do francês, “modernismo” significa “novo, moderno”. O mais brilhante
direções do modernismo que se manifestaram de forma mais dinâmica no primeiro semestre

Século XX: dadaísmo, surrealismo, expressionismo, fauvismo, suprematismo, cubismo,
vanguarda, existencialismo, abstracionismo.
O seguinte teve uma grande influência na prática do modernismo:
ideias de voluntarismo irracional de A. Schopenhauer e F. Nietzsche;
a doutrina da intuição de A. Bergson e N. Lossky;
psicanálise 3. Freud e C.G. Garoto da cabine;
existencialismo de M. Heidegger, J.P. Sartre e A. Camus;
teorias da filosofia social da Escola de Frankfurt de T. Adorno e G. Marcuse.
O clima emocional geral do modernismo pode ser expresso na seguinte frase:
o caos da vida moderna, a sua desintegração contribui para a desordem e
a solidão de uma pessoa, seus conflitos são insolúveis e sem esperança, e as circunstâncias,
em que ele está colocado são irresistíveis.
Os traços característicos do estilo Art Nouveau eram:
o desejo de estetizar o ambiente humano;
atividade enfatizada de influenciar os processos vitais;
entretenimento e decoratividade.
O fauvismo é considerado o primeiro movimento da arte modernista do século XX.
A crítica francesa chamou um grupo de jovens artistas de Fauves, que incluía
incluíam A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marche e outros.
a atividade expositiva foi mais intensa em 1902-1907
Outra direção do modernismo foi o dadaísmo (fr dadaisme de duda horse,
patim; conversa de bebê figurativamente incoerente) avant-garde
direção na arte da Europa Ocidental, que se desenvolveu principalmente em
Suíça, França e Alemanha durante a Primeira Guerra Mundial (1916).
O dadaísmo surgiu na Suíça entre a intelectualidade, inclinada em seu protesto
contra a guerra a uma espécie de choque artístico Fundadores do Dadaísmo
foram os poetas T. Tzara e R. Gulsenbeck, o artista G. Arp e outros.
publicou manifestos e a revista "Cabaret Voltaire" (1916-1917), com seus
com apresentações teatrais escandalosas improvisadas, eles tentaram quebrar
ideias estabelecidas sobre os tipos e gêneros de arte existentes.
Surrealismo (do surrealismo francês, super-realismo, super-realismo) vanguarda
direção na cultura artística do século XX, que proclamou a imagem da esfera
o inconsciente é o objetivo principal da arte.
O surrealismo manifestou-se de forma muito vívida e eficaz na pintura. O próprio princípio
a conexão do incompatível é visual e, portanto, pitoresca. Telas
os surrealistas ficaram instantaneamente chocados. Composições complexas
pinturas surrealistas combinavam o “caos do respingo automático
subconsciente" com recriação fotograficamente precisa de detalhes reais e
Unid. Nesse sentido, o trabalho do famoso
Artista espanhol S. Dali.
O expressionismo (do latim expressio expression) é um movimento artístico em
arte da Alemanha, que se desenvolveu no primeiro quartel do século XX. O mesmo que para
Os fauvistas, para os expressionistas, a cor tornou-se a base para a organização da arte